Paris 3e(Paris)

Une visite guidée en LSF (Langue des Signes Française) à destination des personnes sourdes, malentendantes et signantes. Profitez d’une visite immersive de l’exposition Voir la mer réalisée par Léandre Chevreau, médiateur sourd et signant LSF. Lors de laquelle vous découvrirez les œuvres proposées et, en écho à chacune d’elles, les grands enjeux sociétaux liés à la thématique de l’océan et à notre rapport à lui. Visite guidée uniquement en LSF – Langue des signes française Retrouvez toutes les visites guidées de l’expo : tout-petits, familles, adultes, gustatives, contées, musicales sur la page programmation L’exposition se visite aussi gratuitement et sans inscription du lundi au samedi en dehors des visites guidées.

Un parcours sensible et intrigant où l’artiste Annette Messager explore la figure animale sous toutes ses formes, mêlant installations emblématiques, détournements poétiques et hybridations surprenantes au cœur du musée de la Chasse et de la Nature.

Entre recherche artistique et histoire de l’art, Matts Leiderstam explore depuis plusieurs décennies les mécanismes du regard et la construction des images. Cette exposition met en lumière son travail autour du motif de la grille et de la tradition picturale, en dialoguant avec des références historiques et des questionnements contemporains. Depuis plus de trente ans, l’artiste suédois Matts Leiderstam explore les liens entre peinture, histoire de l’art et perception du regard. À travers une pratique mêlant recherche, peinture et réflexion critique, il interroge la manière dont les images sont construites, présentées et interprétées. Cette nouvelle exposition prolonge son travail autour de l’histoire de l’art et du motif de la grille. Inspirée notamment d’un tableau de Claude Lorrain conservé au Nationalmuseum de Stockholm, elle réunit une série inédite de peintures circulaires mises en dialogue avec des œuvres antérieures. En réactivant la grille – outil de composition hérité de la Renaissance et toujours présent dans les images contemporaines – Leiderstam questionne les structures visuelles et idéologiques qui organisent notre façon de voir. Peintures sur panneaux, estampes, dessins et photographies composent un ensemble où références historiques et réflexion contemporaine se rencontrent. L’exposition invite ainsi à porter un regard nouveau sur la peinture, ses codes et les récits qu’elle véhicule

Il était une fois des contes qui n’étaient pas pour les enfants… Il était une fois des contes qui n’étaient pas pour les enfants… Venez découvrir une mystérieuse histoire qui prend vie à travers les mots et le jeu de Florence Desnouveaux et Violaine Robert au coeur de l’exposition Voir la mer. Conteuses, historiennes ou menteuses astucieuses, Florence et Violaine racontent des histoires. Elles travaillent à donner à chaque instant, à chaque événement et à chaque période, une place unique. Des histoires de vie aux contes populaires en passant par les énigmes, Florence et Violaine adorent jouer avec les mots, les souvenirs et le public dans une relation directe et simple. Toute personne suivant la visite contée doit réserver une place. La visite contée existe aussi pour les tout-petits (2–5 ans) et pour les familles !

« Flops ?! » : oser, rater, innover. Au musée des Arts et Métiers, cette expo ludique et franchement drôle décrypte les raisons d’un échec. De quoi ça parle ? On le voit partout. Sur les réseaux sociaux, à la télévision et même dans les livres de développement personnel : le succès, ce graal que l’on obtient à force de courage, de travail et, surtout, de bonnes idées. Seulement, il arrive que les bonnes idées fassent flop. Un récit que l’on entend peu et que le musée des Arts et Métiers (Paris Centre) met en lumière jusqu’au 17 mai dans une expo aussi drôle qu’instructive. L’avis de la rédaction Comment expliquer les loupés ? C’est précisément la question à laquelle s’intéresse le parcours en nous plongeant dans une série de déconvenues. On commence notre déambulation dans « L’entrepôt des flops », où l’on découvre tout un tas de fiascos commerciaux. On pense notamment à la crème « miracle » à base de radium de la marque Tho-Radia, interdite en France en 1937 en raison de sa dangerosité. Ou encore aux lunettes de soleil-lecteur MP3, un gadget 2-en-1 beaucoup trop cher pour que le public y adhère. Mais aussi au préservatif en spray, dont l’application nécessitait deux minutes d’attente avant un séchage complet… Flop ! Bons produits, mais mauvaise presse Au milieu des cartons, on tombe aussi sur ces produits qui n’étaient pas forcément mauvais, mais qui ont pourtant fait chou blanc. La raison ? Une publicité polémique ! C’est le cas de la voiture en forme de poire commercialisée par Renault dans les années 1980. Pas très malin de prendre les futurs acheteurs pour de « bonnes poires ». Tout comme faire preuve de sexisme en imaginant des stylos ou des gants en latex… pour les femmes ! Des inventions trop avant-gardistes… Une succession de bides qui indignent, font sourire ou créent la stupéfaction. Et pourtant, certains échecs ne sont rien d’autre que des coups de génie bien trop en avance sur leur temps, comme la Pascaline – cette machine à calculer développée au XVIIe siècle – ou le Bi-Bop – un téléphone mobile, sorti en 1991, que l’on ne pouvait pas utiliser en marchant ou sans deux abonnements pour émettre et recevoir des appels. Absurde ? Oui, et toute une salle de l’expo en fait même son thème en rendant hommage à l’artiste Jacques Carelman, l’inventeur du Catalogue des objets introuvables. La table de ping-pong incurvée, les skis en chasse-neige préfigurés pour débutants ou le piano divisé en trois parties pour s’adapter aux petits espaces… Bref, pleins d’idées aussi farfelues les unes que les autres qui prennent vie dans ce laboratoire de l’absurde. Un conseil : prévoyez du temps pour visiter cette expo follement amusante, car tout, absolument tout, mérite d’être vu ! Et qui sait, peut-être réussirez-vous à deviner quelles futures inventions révolutionneront nos quotidiens, grâce aux écrans interactifs installés en fin de parcours… À vous de jouer ! Eva Y.

Venez découvrir avec vos tout-petits, une mystérieuse histoire qui prend vie par la voix et le jeu de Florence Desnouveaux et Violaine Robert, au coeur de l’exposition Voir la mer. Conteuses, historiennes ou menteuses astucieuses, Florence et Violaine vous racontent des histoires. Elles travaillent à donner à chaque instant, à chaque événement et à chaque période, une place unique. Des histoires de vie aux contes en passant par les énigmes, Florence et Violaine adorent jouer avec les mots, les souvenirs et vous dans une relation directe et simple. Toute personne suivant la visite doit réserver une place (enfants et accompagnateurs). La visite contée existe aussi pour la famille et pour les adultes !

Profitez d’une visite guidée de l’expo pour les adultes accompagnée d’une de nos médiatrices culturelles ! Une visite immersive de l’exposition Voir la mer réalisée par nos médiatrices culturelles lors de laquelle vous découvrirez les œuvres proposées et, en écho à chacune d’elles, les grands enjeux sociétaux liés à la thématique de l’océan et à notre rapport à lui. Retrouvez toutes les visites guidées de l’expo : tout-petits, familles, adultes, gustatives, contées, musicales sur la page programmation L’exposition se visite aussi gratuitement et sans inscription du lundi au samedi en dehors des visites guidées.

La galerie Perrotin a le plaisir de présenter la seconde exposition de Susumu Kamijo à Paris, après The Sun Inside, présentée en 2023. Cette nouvelle présentation nous immerge dans un univers calme et poétique, peuplé de fleurs monumentales, d'animaux et de paysages aux lignes intuitives. Le monde peint de Susumu Kamijo est peuplé de larges fleurs, de fruits, d’animaux parfois, papillons, perruches, poisson-voile, et de quelques objets mondains. Occasionnellement, on y croise une figure humaine. C’est un monde calme. On peut apercevoir, à l’arrière-plan, un élément qui nous rappelle à l’échelle de la scène, comme un nuage flottant dans le ciel, une ligne d’horizon sur la mer, une colline colorée. Mais voilà une peinture qui n’essaie jamais de produire l’illusion de la profondeur ni de raconter une histoire. Si l’on reprend la distinction que l’historien de l’art Leo Steinberg a formulée en 1968 à partir de l’oeuvre de Robert Rauschenberg, avec le modèle de la peinture-fenêtre-verticale d’un côté, et de l’autre, celui de la peinture comme plateau-écran-horizontal ( flatbed picture plan), il est clair que l’oeuvre de Susumu Kamijo s’inscrit dans la seconde catégorie. La présence des signes du paysage y obéit à une logique intuitive, qui a exclusivement à voir avec l’exploration de la planéité de la surface picturale. « Si j’ai l’impression qu’il faut quelque chose à cet endroit, alors j’ajoute un nuage, et cela permet de maintenir un équilibre dans la composition », explique l’artiste. Les choix chromatiques relèvent d’un processus similaire, certaines couleurs et certaines combinaisons de couleurs l’attirant irrésistiblement, pour des raisons ayant à voir avec des impératifs d’organisation de la surface peinte, d’effets visuels et émotionnels, et non de représentation. Quant à ces grandes fleurs – récurrentes dans ses peintures – elles jouent avant tout le rôle d’agents formels. L’artiste décrit la dynamique contenue par leurs formes comme un principe d’expansion d’une zone centrale qui s’ouvre. La fleur est un motif intéressant à peindre, en somme, car elle est capable de créer son propre espace. « Comme un big bang, une nébuleuse » précise-t-il. À certains égards, Susumu Kamijo peint donc comme un abstrait, un fait déjà relevé lorsqu’il s’est fait connaître en 2016-2017 pour ses séries de peintures sur papier représentant des caniches, séries dont le principe, basé sur les jeux de répétition et de variation du motif, s’avérait propice au développement d’une approche formaliste. Kamijo est né au Japon en 1975, mais il vit aux États- Unis depuis ses seize ans. Et il y a découvert assez tôt la tradition de l’expressionnisme abstrait, qu’il continue de citer, avec l’oeuvre de Milton Avery (l’un des maîtres de Mark Rothko et de Barnett Newman) comme une référence cruciale pour son travail. Ses premières peintures, réalisées alors qu’il était étudiant en art à l’Université d’Oregon, étaient d’ailleurs abstraites. Mais bien entendu, cette approche par la seule forme ne suffit pas à épuiser ni l’effet, ni la signification de son oeuvre. D’abord parce que le sens de la composition qu’il manifeste dans ses peintures fait écho, de son propre aveu, à une expérience biographique. « J’ai grandi à la campagne, dans les montagnes, à Nagano. Pour moi, voir l’horizon et voir la mer, c’était une expérience vraiment rare. » Et l’on comprend mieux comment une ligne ou le plan d’une étendue d’eau bleutée en viennent à constituer des événements visuels dans ses peintures. Ensuite parce que la symbolique trouve toujours un moyen de s’y faufiler. Ainsi, la fleur coupée, par-delà la dynamique formelle qu’elle permet d’instaurer dans une composition, est-elle un symbole ambivalent et très commun de l’histoire de l’art occidental, ses représentations mêlant depuis toujours une célébration de la beauté du vivant, et une conscience poignante de sa nature éphémère. « J’aime l’idée de ces deux choses à la fois tragiques et joyeuses, comme si elles se rencontraient, ou comme si elles se croisaient au milieu de la peinture », précise-t-il. Et l’on peut se souvenir ici de la malice qui poussa Warhol à se lancer en 1964 dans la série des Flowers qui reste jusqu’à aujourd’hui l’une de ses plus populaires : il s’agissait pour lui d’offrir quelque chose de plaisant et facile à aimer au public comme à son galeriste Leo Castelli (qui fut le premier à présenter ses peintures d’hibiscus). En bonus : le motif lui permettait de continuer à cultiver, bien que discrètement, son obsession pour la mort, dans la lignée des allégories de Death and Disaster, série d’images d’accidents et catastrophes mortelles en tout genre à laquelle il oeuvrait depuis 1962. J’aime l’idée de ces deux choses à la fois tragiques et joyeuses, comme si elles se rencontraient, ou comme si elles se croisaient au milieu de la peinture Susumu Kamijo, artiste. Pour Susumu Kamijo, la peinture a quelque chose à voir avec une discipline du temps. Il travaille sur une peinture à la fois. Il arrive que quelque chose lui échappe. Parfois le processus se déroule bien, et parfois non. Il continuer d’essayer jusqu’à ce qu’il « attrape quelque chose », explique-t-il. Qu’il se considère comme un simple vecteur par lequel sa peinture surgit dans le monde, et qu’il éprouve un « plaisir ultime » à être contrôlé par elle, comme il dit, inscrit sa pratique dans la longue tradition des peintres médiumniques, Hilma af Klint en tête. Mais ce discours a aussi à voir avec quelque chose de plus terre à terre, mais tout aussi crucial, que sont les conditions temporelles de son travail d’artiste. La possibilité de s’isoler à l’atelier, parfois très tôt le matin, celle d’organiser librement sa journée, de travailler en s’excluant temporairement du déluge informationnel qui caractérise notre époque. Et de construire un moment dédié exclusivement à la peinture. Pour un artiste qui s'est dévoué pleinement à la peinture à la fin de la trentaine, cette méditation en acte sur la valeur du temps – celui dont on dispose pour soi, mais aussi celui qui nous reste – est particulièrement significative. Elle le sera aussi pour celles et ceux qui regardent son oeuvre. Et qui pourrons suivre sa suggestion : choisir dans l’exposition un tableau qui leur plait, un seul, et lui donner du temps.