Paris 3e(Paris)

ANTOINE RABAULT Dans JE T'IMAGINE Je t’imagine enfin je crois. On veut toujours ce qu’on n’a pas : tu rêves de la scène, et moi j'observe le tourbillon de ton quotidien. On va discuter ensemble de tes choix et décortiquer tes petites manies

Grand marché vintage organisé par le brocanteur japonais Koji et son équipe, qui s'installent au sein de la galerie Joseph au 7 Rue Bailly à Paris, du 29 octobre au 09 novembre 2026. Objets de brocante, vêtements vintage, vaisselles japonaises, artisanat, le tout importé du Japon ! **GRAND MARCHÉ VINTAGE JAPONAIS \- Du 29 octobre au 09 novembre** 2026 \- Au 7 Rue Bailly, 75003 Paris \- Entrée gratuite, sans réservation, ouvert tous les jours (11h-19h) Retrouvez toutes nos actualités, calendriers et contenu sur instagram et facebook : @Koji.japon et sur notre site web : https://koji-japon.fr/

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La galerie Arts d’Australie • Stéphane Jacob présente GW BOT | GLYPHMAKER — La métamorphose des signes, une exposition monographique consacrée à l’artiste australienne GW Bot, du 15 octobre 2026 au… Née en 1954 à Quetta, au Pakistan, de parents australiens, GW Bot est une artiste australienne dont l’oeuvre explore les liens entre l’être humain, le paysage et le monde intérieur. Son enfance passée dans plusieurs pays nourrit très tôt son intérêt pour les cultures et les territoires. Elle étudie l’art à Londres, Paris et en Australie, et obtient en 1982 son diplôme de l’Australian National University de Canberra. Depuis1985, elle se consacre pleinement à sa pratique artistique. Installée à Canberra, au coeur d’un environnement qui devient la source majeure de son inspiration, elle adopte le wombat comme animal totémique, en référence à la relation d’unité entre l’être humain et son environnement présente dans certaines traditions aborigènes. Elle forge son nom d’artiste à partir de l’une des premières appellations écrites du wombat dans une source française : « le Grand Wam Bot ». Avant-propos de l'exposition À travers ses œuvres, GW Bot développe un langage visuel singulier fondé sur les « glyphes », des signes qu’elle invente et transforme au contact des paysages australiens. Un glyphe est un signe graphique qui porte en lui une forme et une signification. À mi-chemin entre formes végétales, animales et humaines, ces signes constituent un alphabet ouvert, dont le sens reste volontairement mystérieux. L’artiste ne cherche pas à représenter la nature de manière réaliste. Elle en traduit plutôt les rythmes, les forces et les transformations. Forêts, prairies, falaises, terres brûlées ou paysages arides deviennent ainsi les sources d’une écriture personnelle. Son univers s’est également construit au fil de nombreux voyages en Europe et au Moyen-Orient. L’art byzantin, les sculptures d’Aghtamar, les motifs des tapis orientaux ou encore La Dame à la licorne ont nourri son imaginaire et enrichi son vocabulaire de formes et de symboles. La littérature et la poésie, notamment l’œuvre d’Alexandre Pouchkine, accompagnent également sa réflexion sur la création et sur la figure du poète. Peu à peu, son travail s’est orienté vers le thème du jardin. Celui-ci devient un espace à la fois extérieur et intérieur, où se rencontrent la nature, l’intime et la spiritualité. En s’inspirant notamment de la tradition de l’hortus conclusus et des représentations religieuses, GW Bot fait du jardin un lieu de contemplation et de passage entre le visible et l’invisible. Cette attention portée au jardin peut, par certains aspects, évoquer celle de Bonnard, pour qui cet espace devient également un territoire sensible et pictural. Toutes ces influences se mêlent dans une œuvre profondément ancrée dans le territoire australien et attentive à sa fragilité. Le feu, la sécheresse, la disparition et la renaissance deviennent les expressions des cycles qui traversent le monde vivant. Le « soleil noir », motif récurrent dans son œuvre, introduit une dimension à la fois cosmique et symbolique. Il évoque les relations entre obscurité et lumière, disparition et renaissance, et accompagne l’idée de transformation. Linogravure, pigments, graphite, découpes et tapa participent à cette écriture visuelle faite d’empreintes, de superpositions et de transparences. Le choix du papier occupe lui aussi une place essentielle dans son processus de création. GW Bot le considère comme un véritable « sol » : sa texture, sa densité et sa capacité à recevoir l’image influencent directement le résultat. Chaque papier possède ainsi ses qualités propres et, comme un sol, peut accueillir certaines formes et en transformer d’autres. L’œuvre de GW Bot compose ainsi une véritable cartographie poétique, dans laquelle le paysage, la mémoire, la spiritualité et le langage se rencontrent et se transforment sans cesse.

Chef d’œuvre cartographique du XVIIIe siècle, la carte de France de Cassini est la première carte de France levée géométriquement à l’échelle d’un pays entier. Document historique emblématique,… En 2021 et 2025, l’Institut national de l’information géographique et forestière (IGN) a versé aux Archives nationales le fonds des archives relatives à la carte de France de l’Académie, plus connue sous le nom de carte de France de Cassini. Ce fonds remarquable se compose des calculs, des écrits, des minutes mais aussi des cuivres et des tirages originaux relatant la fabrication et la vie de cette carte entre 1750 et les années 1950. Un fonds dont le caractère exceptionnel permet de dévoiler aujourd’hui des aspects méconnus d’une œuvre à la portée universelle; une œuvre conçue par quatre générations d’astronomes et cartographes : les Cassini. L’art de la science Première carte levée « géométriquement » à l’échelle d’un pays tout entier, le royaume de France, à l’époque le plus puissant et le plus peuplé d’Europe, sa réalisation est admirable à plus d’un titre. Elle est, d’abord, le fruit d’une volonté étatique continue qui, avec Louis XIV et Colbert, Louis XV puis Bonaparte, en décide et pérennise le projet ; même si, de 1756 à 1793, une société privée la finance en partie. Elle implique le recours à des techniques scientifiques innovantes, pour la méthode et les instruments, qui la lient à la création de l’Académie des sciences en 1666 et de l’Observatoire de Paris en 1667. Elle naît de la constance de savants qui la mettent en œuvre jusqu’en 1815, aux côtés de la dynastie des quatre Cassini de 1669 à 1793. Elle résulte d’un travail de terrain puis de restitution par la gravure, à la fois minutieux, normé, parfois difficile, et de très longue haleine, depuis les levés de l’abbé Picard en 1668 jusqu’aux derniers levés vérifiés en 1790. Elle est hors norme, enfin, par son déploiement final, dans l’espace bien sûr puisque les 181 feuilles assemblées font plus de douze mètres de haut sur onze de large ; mais aussi dans le temps, car des premiers travaux en 1668 à l’ultime usage des cuivres au XXe, s’écoulent presque trois siècles ! Une aventure hors du commun La construction de la carte de France de Cassini constitue une véritable épopée. De l’astronome au libraire en passant par l’ingénieur-cartographe, le vérificateur ou encore le graveur, chaque métier se doit de travailler avec grande précision et dans le respect des consignes détaillées par Cassini III en 1744 dans sa Description géométrique de la France. Levés, toponymie, calculs, dessins, signes… toutes les étapes sont scrupuleusement respectées. Lentilles-objectifs, graphomètres à lunettes, quart-de-cercle…, des instruments de pointe pour l’époque sont utilisés. Ce travail scientifique de terrain durera plus de 70 ans avant d’atteindre sa finalisation en 1815. Une entreprise titanesque reposant sur une méthode inédite : la triangulation qui permet de mesurer les distances avec grande précision en reliant des points fixes comme des tours, des clochers, des collines. Les habitants sont invités à collaborer, notamment pour nommer les lieux cartographiés. Ils ne le font parfois qu’avec réticence, car derrière l’entreprise «participative», ils devinent que se cache la volonté royale de mieux gérer mais aussi de mieux contrôler le royaume. Pour la science en revanche, ces nouvelles méthodes de travail vont permettre de créer une première carte territoriale complète de la France, une véritable encyclopédie du territoire. Prestige et postérité Ce monument cartographique va être diffusé dans une diversité matérielle remarquable, de l’exemplaire ordinaire au plus prestigieux. Le rôle des libraires a, ici, une grande importance. Certains proposent la carte avec multitude de possibilités : mise en couleur, entoilage, reliure, étui, baguette de suspension… L’exceptionnelle qualité de certains exemplaires présentés dans l’exposition, dont un sur soie, reflète l’éminence de leur propriétaire, tels le roi Louis XVI ou la reine Marie-Antoinette. Le gigantisme d la carte de France de Cassini n’a d’égal que sa pérennité d’usage ; le plus marquant étant la création des Départements en 1790, à laquelle elle sert de base cartographique. D’autres usages administratifs persistent jusqu’à nos jours, tel celui qui touche aux droits liés aux moulins. Son apport pour l’histoire actuelle de l’environnement ou en archéologie est tout aussi essentiel. Aventure scientifique à portée universelle, monument cartographique d’exception, la carte de France de Cassini devient un modèle pour la cartographie occidentale dont elle renouvelle les méthodes.

Square du Temple – Elie Wiesel à Paris L’exposition Cabaret(s) - Histoire d’une transmission vivante est organisée dans le cadre de la Saison Cabaret initiée et soutenue par le ministère de la Culture, elle sera installée sur les grilles du Square du Temple – Elie Wiesel du 22 septembre au 18 décembre 2026. Elle a pour objectifs de valoriser le cabaret sous toutes ses formes, de démontrer sa capacité à traverser les époques, à transmettre ses savoir-faire, ses imaginaires et ses espaces de liberté, tout en se réinventant sans cesse. À partir de multiples regards photographiques, l'exposition - dont la direction artistique est confiée à Véronique Prugnaud - donne à voir la vitalité d'un art qui traverse les époques et continue aujourd'hui d'inventer de nouvelles formes de liberté et de spectacles.

Zeus, le cheval métallique au Musée des Arts et Métiers Zeus, le cheval métallique au MuAM Le Musée des Arts et Métiers accueille sur son parvis du 17 décembre 2025 au 10 janvier 2027 le cheval métallique Zeus, œuvre monumentale qui a marqué les esprits lors de la cérémonie d’ouverture des Jeux Olympiques et Paralympiques de Paris 2024. À cette occasion, Sanofi présente en collaboration avec Atelier blam et le Musée des Arts et Métiers une exposition inédite intitulée Zeus, chef-d’œuvre d’artisans du 17 décembre 2025 au 29 mars 2026 dans le chœur de l’église Saint-Martin-des-Champs du MuAM. Elle retrace la genèse et la fabrication de cette œuvre aussi technique qu’onirique. Zeus, le cheval métallique Après sa traversée de la Seine sur un trimaran lors de la cérémonie d'ouverture des Jeux Olympiques et sa pérégrination dans des lieux emblématiques comme Versailles, le Mont Saint-Michel ou le Mucem, Zeus s'installe sur le parvis du musée et s'offre à tous jusqu'en janvier 2027. Sous l'impulsion du metteur en scène Thomas Jolly, imaginé et réalisé par Atelier blam, Zeus est bien plus qu’une sculpture : c’est un manifeste de l’excellence française, un symbole de maîtrise technique et de poésie mécanique. Laissez-vous émerveiller par cette prouesse artistique, devenue symbole de beauté, d'ingéniosité et d’innovation. Du mercredi 17 décembre 2025 au dimanche 10 janvier 2027 Zeus se met en mouvement toutes les cinq minutes pendant une minute Du samedi 20 décembre 2025 au dimanche 4 janvier 2026, des démonstrations de Zeus auront lieu tous les jours à 14h par les médiateurs du musée En accès libre, sur le parvis du musée Zeus, chef d'œuvre d'artisans Plongez au cœur des métiers qui ont donné vie au célèbre cheval des Jeux Olympiques ! Présentée dans l’église Saint-Martin-des-Champs, l’exposition Zeus, chef-d’œuvre d’artisans, propose une immersion dans les coulisses de la création, révélant les gestes, les matières et les savoir-faire qui ont donné vie à ce cheval métallique. Le parcours scénographique invite les visiteurs à découvrir toutes les étapes de la création de Zeus, de l’inspiration initiale à la naissance d’une icône contemporaine. Croquis, maquettes, matériaux bruts, mécanismes articulés, prototypes et fragments argentés composent une narration visuelle et matérielle, où chaque détail témoigne de la rigueur et de la passion des artisans, mais aussi du dialogue subtil entre art et science. Du mercredi 17 décembre 2025 au dimanche 29 mars 2026 Accès compris dans le billet d'entrée au musée