Paris 16e(Paris)

Venez découvrir un avant-goût de la formation proposée par les Cours d’Adultes de Paris (CAP) pour améliorer la prononciation de leurs élèves ! Avec Danilo A. Lombardo, chercheur en phonétique, le 19 juin à 19h, à la bibliothèque Germaine Tillion À l'âge adulte, les apprenants ont souvent du mal à produire et percevoir les sons d’une langue étrangère. Lors de cet atelier interactif, Danilo A. Lombardo, chercheur en phonétique, vous permettra de comprendre comment les sons des langues sont articulés dans la bouche et perçus par l’oreille et le cerveau. Venez trouver des pistes efficaces pour améliorer votre prononciation, comme visualiser les positions articulatoires et les relier simplement à l’alphabet phonétique international. Des exemples variés vous guideront à travers la prononciation des consonnes, voyelles et tons de différentes langues. Vendredi 19 juin de 19h à 20h30, réservation conseillée Evénement présenté en partenariat avec la formation « Phonétique générale, psycholinguistique et apprentissage des langues étrangères » proposée par les Cours d’Adultes de Paris (CAP) et animée par Danilo A. Lombardo. Danilo A. Lombardo mène des recherches de phonétique expérimentale dans les laboratoires SPAPL-Université CUNY Haskins et Université Yale. Il s’intéresse aux aspects articulatoires, acoustiques et cognitifs de la prononciation et la perception des sons en langue première et en langue étrangère. Il explore aussi les causes possibles des difficultés et des blocages dans l’apprentissage des sons des langues étrangères chez les adultes. Pour retrouver d'autres évènement en partenariat avec les Cours d'Adultes de Paris, cliquez ici

Afterwork électro-plage, sunset, piscine, rencontre amicale & dîner festif. 2 DJs + attraction surprise. Tudo Bem? - l’afterwork électro plage qui réinvente le networking amicale à Paris & dîner festif Tudo bem?, c’est quoi ? Une soirée afterwork tropicale, élégante et décontractée, où l’on vient pour se sentir bien, manger, boire, rencontrer du monde, danser, respirer et élargir ton cercle d'amis. Pour notre édition d’été, Tudo bem ? débarque à la Marina Les Maquereaux, dans le 16ème arrondissement de Paris 🌴 Une péniche avec piscine, soleil, cocktails, musique électro-plage, dîner festif… et cette ambiance unique où tout le monde finit par se rencontrer ✨ Alors cette fois, n’oublie pas de glisser ton maillot de bain dans ton sac avant de partir au travail 😉 La musique ? Des sons tropicaux et électroniques : organic house, afro house, deep house, latin house… Avec @asturia.music aux platines et un DJ-producteur invité à chaque édition. Une ambiance qui te transporte directement à la plage. https://soundcloud.com/djasturia À Tudo bem ?, viens comme tu es 💙 Avec des amis, en couple, entre collègues… ou même seul(e). Parce qu’ici, rencontrer de nouvelles personnes se fait naturellement, sans pression, avec le sourire et la chaleur qu’on retrouve au Brésil 🇧🇷✨ Et surtout : Tudo bem ? n’est pas un événement célibataire. C’est un événement pour celles et ceux qui ont envie de se sentir bien, accueillis, intégrés. Un endroit où il est normal d’engager la conversation avec son voisin, de partager un verre avec de nouvelles personnes et de créer des liens, sans crainte ni malaise 🤝 Pour rendre les échanges encore plus simples, nous avons mis en place un système d’autocollants : 💙 Tudo bem ? : je suis ouvert(e) à discuter et à faire de nouvelles rencontres. 💃 Laissez-moi danser : je suis déjà avec mon groupe et/ou je préfère simplement profiter de la soirée. Simple, bienveillant et efficace. Le résultat ? Des conversations spontanées, des amitiés qui naissent autour d’un verre… et souvent une piste de danse remplie de personnes qui ne se connaissaient pas quelques heures plus tôt 😉🎶 📍 Marina Les Maquereaux, 1 All. du Bord de l'Eau, 75016 Paris 📅 Vendredi, 19 juin 2026 🕒 18h30 à 1h Prends dès maintenant ta place, les billets gratuits s'épuisent vite !

Exposition caritative d’art ukrainien contemporain à la Maison de l’Europe de Paris. La Maison de l’Europe de Paris accueille l’exposition caritative « Esprit – Liberté – Émotion », réunissant des artistes ukrainiens contemporains autour d’œuvres mêlant peinture, dessin, broderie traditionnelle ukrainienne, émail sur cuivre et émail sur acier. À travers des univers visuels singuliers et des techniques variées, l’exposition explore les thèmes de l’identité, de la résilience, de la liberté et du dialogue culturel entre l’Ukraine et l’Europe. Dans un contexte marqué par la guerre, les artistes expriment une vision profondément humaine où l’art devient un langage de solidarité, d’espoir et de dignité.

Un regard artistique sur les richesses naturelles du Sahel et le rôle essentiel des arbres. Le jardin des Serres d’Auteuil accueille l’exposition "Arbres de Vie", une collection de photographies signées Nicolas Henry, un artiste photographe, metteur en scène et plasticien français diplômé des Beaux Arts de Paris. Elle met en lumière la beauté et la puissance des arbres nourriciers du Sahel : acacia, baobab et balanites. Ces espèces emblématiques racontent une histoire de résilience, de transmission et de lien entre les communautés et leur environnement. À travers un regard artistique et humaniste, "Arbres de Vie" vous invite à découvrir les richesses naturelles et humaines du Sahel, tout en rappelant le rôle essentiel des arbres dans la restauration des écosystèmes, la protection des sols et l’amélioration des conditions de vie. Elle est présentée pour la première fois à Paris à partir du 17 juin à l'occasion de la journée mondiale de lutte contre la désertification. Cette exposition est proposée par l'association SOS SAHEL partenaire du Jardin botanique de Paris.

Le Musée d’Art Moderne de Paris présente la première rétrospective de l’œuvre de Brion Gysin dans un musée parisien. Né en Grande-Bretagne en 1916, Brion Gysin est un artiste protéiforme, peintre, poète, performeur, photographe et musicien souvent associé à la Beat Generation. Inventeur du Cut-up et de la Dreamachine, son œuvre se déploie à l’intersection de la peinture et de l’écriture, mobilisant une gamme sans cesse renouvelée de langages plastiques. Passionné d’altérité et arpenteur des marges, Brion Gysin sillonne le monde et fréquente les mouvements alternatifs et underground. Ses pérégrinations l’amènent à côtoyer des milieux créatifs et intellectuels des plus divers dans lesquels il a un écho souvent inattendu et jouit d’une aura quasi magique. Nourrie de ces rencontres, son incessante pulsion créatrice s’est exprimée à travers des formes telles que la poésie sonore et visuelle, le cinéma expérimental, la performance, le roman et la musique, sans oublier la peinture et la photographie. L’exposition retrace les grandes étapes de ce parcours hors du commun qui traverse toutes les avant-gardes du XX siècle et montre, en contrepoint, les œuvres d’artistes dont il a été proche ou qu’il a inspirés : William Burroughs, Françoise Janicot et Bernard Heidsieck, John Giorno, Keith Haring, Patti Smith, Ramuntcho Matta… Elle témoigne également des liens très forts qui unissent Brion Gysin à Paris où il a vécu une grande partie de sa vie. Il y séjourne dans les années 1930 lorsqu’il est étudiant à la Sorbonne. Au tournant des années 1960, il fréquente les milieux surréalistes, au fameux Beat Hotel (9, rue Gît-le-Cœur, Paris 6 ème). À partir du milieu des années 1970 jusqu’à son décès en 1986, il s’installe dans un appartement situé face au Centre Pompidou. Peu avant sa mort, il fait de la Ville de Paris son légataire universel. L’exposition, constituée de plus 140 œuvres de l’artiste, est bâtie sur la collection Gysin du Musée d’Art Moderne de Paris, d’une richesse unique au monde, que viennent compléter des prêts exceptionnels issus de collections publiques et privées, en France et à l’étranger. L’exposition L’exposition propose un cheminement à travers les grandes étapes du parcours créatif de cet artiste inclassable. Elle s’ouvre sur un choix d’œuvres illustrant son intérêt pour le rêve, le surréalisme et les effets des drogues sur l’esprit. L’exposition se poursuit en montrant l’impact qu’ont eu sur lui les principaux lieux de ses voyages à travers le monde. Elle aborde ensuite les différentes facettes de son processus créatif : le Cut-up et les permutations ; le dessin, l’écriture et la calligraphie ; l’aventure de la Dreamachine ; les différentes formes du jeu et de la performance ; ses incursions dans les territoires de la magie et l’effet proprement ensorcelant qu’il a eu sur ses contemporains ; enfin l’utilisation de la photographie comme signe de son rapport à la réalité et du photomontage comme révélateur de sa présence au monde. L’exposition met en lumière toutes les dimensions et potentialités du Cut-up, une technique que Brion Gysin découvre à l’automne 1959, au Beat Hotel à Paris. Cette technique est une reviviscence dadaïste consistant à couper dans un texte et à réarranger les morceaux de façon aléatoire. L’exposition permet également de saisir la place centrale qu’occupe, dans l’œuvre et l’imaginaire de l’artiste, la Dreamachine, cylindre rotatif pourvu de fentes et d'une ampoule en son centre. La rotation du cylindre fait que la lumière émise par l'ampoule traverse les fentes à une fréquence particulière ayant la propriété de plonger le cerveau dans un état de détente et de procurer des visions à l'utilisateur, lorsque celui-ci regarde la Dreamachine les yeux fermés, à travers ses paupières. Tout au long du parcours, l’accent est mis sur la dimension multimédia de sa production artistique et sur le dialogue qu’il n’a eu de cesse d’entretenir avec des œuvres d’autres artistes, antérieurs ou contemporains (Victor Hugo, Henri Michaux, René Laubiès, Mohamed Hamri…).

Le Musée d’Art Moderne de Paris présente pour la première fois dans un musée français une exposition consacrée à trois artistes estoniennes dont l’œuvre s’étend du milieu du XX siècle jusqu’à nos jours : Olga Terri (1916 – 2011), Anu Põder (1947 – 2013) et Kris Lemsalu (née en 1985). L’exposition met en valeur la richesse et la vitalité de la scène artistique estonienne à travers le regard de ces trois artistes de générations différentes. Chacune à leur manière, elles reflètent un moment de la création de ce pays à l’histoire aussi passionnante que tourmentée. Marquée par sa mise sous tension entre les sphères d’influence européenne et russe, l’Estonie a su conserver une culture originale, foisonnante et dynamique, dont découlent les œuvres présentées. Le traitement du corps humain agit comme un fil conducteur entre l’œuvre des trois artistes créatrices : un corps tantôt abandonné, morcelé, augmenté, transformé, exubérant ou combatif. Anu Põder, artiste centrale de l’exposition (1947 – 2013) Anu Põder fait partie des grandes redécouvertes de l’histoire de l’art de ces dernières années. À travers une quinzaine d’œuvres, l’exposition déploie l’univers singulier de cette artiste dont la pratique s’est développée à l’écart des carcans académiques de son époque. Les matériaux utilisés par Anu Põder traduisent la précarité de sa condition sous l’ère soviétique, autant qu’ils révèlent les bouleversements de la société estonienne à l’indépendance du pays (toile de jute, plastique, savon, papier d’aluminium…). Le corps de l’artiste est souvent présent en creux dans ses sculptures vulnérables, fragiles, qui refusent de se cantonner aux modes traditionnels de figuration. Olga Terri, la peinture de l’après-guerre (1916 – 2011) Une salle réunit une série de portraits réalisés entre 1945 et 1950 par Olga Terri. Elle témoigne des affres personnels et collectifs subis pendant cette période d’immédiat après-guerre, alors que l’occupation nazie fait place à l’occupation soviétique. Un sentiment mélancolique se dégage de ses personnages mutiques peints dans des couleurs sourdes, leurs positions lâches exprimant un vacillement imminent. Kris Lemsalu, une vision contemporaine (née en 1985) L’exposition s’achève par la présentation d’une installation monumentale et de nouvelles productions de la plasticienne et performeuse contemporaine Kris Lemsalu, conçues pour l’exposition. L’artiste imagine un univers extravagant et burlesque peuplé d’êtres hybrides entre humain et non-humain, incarnant une lecture contemporaine du panthéisme estonien autant qu’une vision satirique de la société actuelle.

Les œuvres de Benoît Piéron proposent des expériences de temps suspendu, d’attente, d’hallucination et de rêverie par le détournement d’une esthétique fonctionnelle et sanitaire. En réinsérant de la douceur et du désir où ils ont été évacués, l’artiste déploie des récits alternatifs autour des corps, des affects et des espaces liés à la maladie. Plus récemment, la découverte de son intersexuation est venue enrichir le regard que porte Benoît Piéron sur le traitement politique de certaines existences. Cette nouvelle exposition présente un film érotique et abstrait sous la forme d’un théâtre d’ombres, projeté dans une mise en scène d’une inquiétante étrangeté. Empruntant au design fonctionnel urbain comme au registre du merveilleux, ce décor trouble donne ainsi forme à la notion d’impermanence – des statuts, des identités, des états physiques et psychiques – pour devenir un lieu d’imagination collective.

Du 18e siècle à la vague K-Pop, découvrez les racines d’une esthétique qui a conquis le monde ! Puissance culturelle majeure, la Corée du Sud modèle désormais les tendances et inspire une génération globalisée. Au sommet de cette vague, la K-Beauty impose une approche holistique de la beauté, typiquement coréenne, et établit une véritable esthétique. Dépassant la simple cosmétique, elle forge de nouvelles normes ainsi qu’une imagerie marquante et singulière. Réunissant des chefs-d’œuvre issus des collections du musée Guimet et de grandes institutions sud-coréennes (peintures, photos, publicités, robes et accessoires de beauté du 18e siècle à nos jours) l’exposition « K-Beauty » en décrypte les codes et montre comment ceux-ci s’inscrivent dans une tradition séculaire, entre équilibre et vertu, naturel et sophistication. À la fin du 18e siècle, la Corée dominée par le courant néo-confucianiste célèbre une esthétique féminine particulière : vêtements fluides, peau pâle, maquillage et coiffures raffinées. Les peintres qui immortalisent ces beautés, dont Shin Yun-bok, participent à l’élaboration d’un patrimoine visuel qui influence durablement la culture populaire coréenne. Cette culture raffinée, où les cosmétiques puisent dans la pharmacopée traditionnelle, lie beauté, harmonie et équilibre intérieur. Marqué par des dominations et influences étrangères successives, le 20e siècle en Corée voit l’émergence de codes esthétiques nouveaux. Photographie, cinéma et industrie cosmétique naissante diffusent et ancrent ces nouvelles normes tandis que le « miracle économique coréen » met patrimoine, art et cosmétique au cœur du discours culturel. Dès les années 2000, la Hallyu (la vague coréenne) consacre le soft power sud-coréen : la K-Beauty, mêlant tradition et innovation, marque le cinéma, la mode, la littérature mais aussi la K-Pop, et conquiert le monde entier. À travers cette exposition, les visiteurs découvriront comment s’est consolidée une esthétique proprement coréenne, dont certains canons - forgés depuis le royaume du Joseon tardif (1392-1910) - ont conservé leur attrait jusqu’à nos jours et ont fait l’objet d’hommages et de nombreuses relectures. « K-Beauty » met en lumière l’évolution mais aussi la pérennité du concept de beauté coréenne, de la seconde moitié du 18e siècle au monde contemporain globalisé.