Paris 3e(Paris)

Le Musée national Picasso-Paris présentera une exposition consacrée à Henry Taylor, l’une des figures majeures de la peinture américaine contemporaine. Cette exposition, conçue avec l’artiste… L’exposition, déployée sur deux étages et treize salles, réunit une centaine d’œuvres — peintures, sculptures, installations — à travers lesquelles Henry Taylor explore la richesse et la complexité de l’expérience humaine. Qu’il s’agisse d’amis, de proches, de personnes anonymes ou de figures publiques, ses compositions proposent une vision vivante et profondément humaine de notre époque. Taylor crée une œuvre originale, expressive et plastique, puissante - il tisse des récits visuels qui mêlent trajectoires individuelles et réalités collectives, associant expériences personnelles, mémoire partagée et dialogues avec l’histoire de l’art. Ses relectures d’œuvres d’art inspirantes, notamment celles de David Hammons, Philip Guston ou Pablo Picasso montrent la manière dont Taylor s’empare du passé pour réinventer le présent. Henry Taylor a fait l’objet de nombreuses expositions aux États-Unis et à l’étranger, dont une large rétrospective au Museum of Contemporary Art à Los Angeles en 2022, puis au Whitney Museum de New York en 2023. Ses œuvres figurent dans des collections publiques de premier plan, notamment au Studio Museum de Harlem à New-York, au MET et au MoMA. Cette exposition au Musée national Picasso-Paris est la première rétrospective de l’artiste en France. L’exposition a bénéficié du soutien exclusif de Louis Vuitton.

La galerie Arts d’Australie • Stéphane Jacob a le plaisir de vous convier à l'exposition monographique "Konstantina | Birrung Ngura - Appartenir à la Terre" du 04 juin 2026 au 19 septembre 2026. La galerie Arts d’Australie • Stéphane Jacob a le plaisir de présenter Konstantina | Birrung Ngura – Belonging to Country, Appartenir à la terre , une exposition monographique consacrée à l’artiste aborigène Konstantina, femme Gadigal de la nation Eora. À travers son travail, Konstantina révèle la relation intime et vivante que son peuple entretient avec la terre, un territoire qui s’étend de l’actuel Opéra de Sydney jusqu’à South Head et Watsons Bay. Ses œuvres traduisent à la fois la mémoire ancestrale et une lecture contemporaine du paysage, mettant en lumière la continuité et la réinvention des savoirs ancestraux. Avant-propos de l'exposition À travers sa pratique artistique, Konstantina explore le lien intime et durable entre les peuples aborigènes et leur territoire, révélant la continuité, le renouveau et la résilience culturelle des savoirs ancestraux. Son langage visuel contemporain réinterprète les signes et le dot-painting traditionnels de ses ancêtres, proposant un récit moderne qui permet de mieux comprendre que les peuples des Premières Nations font partie intégrante du tissu social et environnemental de l’Australie. Guidée par un engagement profond envers la langue, la culture et l’histoire, Konstantina restitue des récits souvent occultés ou perturbés par la colonisation, offrant une lecture vivante et poétique des histoires Gadigal et établissant un dialogue entre mémoire, tradition et représentation du monde moderne. Konstantina collabore actuellement avec le British Museum dans le cadre d’un projet de recherche consacré aux objets Gadigal conservés dans ses collections. Ce travail donnera lieu à une exposition prévue en 2027 à Londres, intitulée Gadigal Yilabara Wala - Gadigal Now and Then. Ces recherches nourrissent également sa pratique et inspirent certaines séries présentées dans l’exposition de la galerie. Le titre de l’exposition renvoie directement à la relation profonde que les peuples aborigènes entretiennent avec leur territoire. En langue Gadigal, Ngura signifie le pays, la terre qui nourrit et soutient la vie, et Birrung évoque le sentiment d’appartenance et de connexion spirituelle au lieu. Ensemble, ces termes expriment l’idée que le lien au pays dépasse la simple géographie : il est fondamental pour l’identité, la culture et la mémoire collective. L’exposition invite ainsi le visiteur à percevoir le territoire non seulement comme un espace physique, mais comme un système vivant de savoirs, de récits et de pratiques culturelles transmis de génération en génération. Konstantina | Birrung Ngura – Belonging to Country invite ainsi le visiteur à comprendre la force et la profondeur du lien des Gadigal avec leur territoire, la continuité des savoirs ancestraux et la vitalité de l’expression culturelle aborigène contemporaine. À travers ces œuvres, l’artiste célèbre la mémoire, la résilience et l’identité, et rappelle que le pays, ses histoires et ses récits font partie intégrante de la vie et du tissu social de l’Australie.

La corolle blanche de la jupe de Marilyn soulevée par le courant d’air de la grille de métro, à l’angle de la 52e Rue et de la 5e Avenue… Invité par Billy Wilder sur le tournage de Sept ans de… Trop de mots, trop de clichés,, d’épreuves tirées à l’infini, commentées à satiété. La blonde platinée la plus exposée au monde. Et cependant dans les portraits que le photographe new-yorkais a pris de l’actrice entre 1954 et 1958, quelque chose nous est signifié du mystère. De l’intensité d’une vie. De sa beauté. Et de sa vulnérabilité. La première rencontre date du tournage de Viva Zapata!, au moment où Sam Shaw commence à travailler pour divers studios de l’industrie cinématographique. Ils se lient d’amitié. À certains égards, ils sont compagnons d’armes. Dans l’arène du cinéma – « Tout le monde dit que je ne sais pas jouer. » – , le photographe contribue indéniablement à la performance de Marilyn. Elle se sent en confiance sous le regard de Shaw. Toute à la ferveur de ses amours naissantes avec l’écrivain Arthur Miller, son troisième mari, elle ne porte plus son cœur en bandoulière. Les photographies réunies entre ces pages sont autant d’images solaires : Marilyn au studio dans le rôle-titre de Marilyn – bouche rouge rubis, barbe à papa de boucles plus blondes que blondes… De toutes les prises de vue réunies dans cette petite anthologie, celles opérées à Roxbury, la propriété de Miller dans le Connecticut, sont inoubliables. Rien de spectaculaire au demeurant. Des moments d’intimité heureuse. Mais le regard de Shaw n’a jamais été aussi tactile, jusqu’à nous faire éprouver la pâleur crémeuse de cette peau de lait frais, pénétrer le halo de douceur et d’abandon de ce visage livré à lui-même. Au verso d’un des tirages où le couple est adossé un arbre, Marilyn avait noté : « Les films, c’est mon affaire, mais Arthur c’est ma vie » – Voire. La frontière est labile, poreuse pour celle qui s’expose, jusqu’au vertige, à l’art du dédoublement. Les images de Marilyn à sa coiffeuse, adonnée à la cérémonie rituelle du maquillage, offrent une troublante mise en abîme où se révèlent à la fois la distance et la proximité entre elle et l’Autre. Norma Jean savait mieux que personne capter, à la surface du miroir, le reflet éblouissant de Marilyn Monroe. Faire surgir, libérer la Présence exquise et instable, en étudier les expressions, en adopter les poses. L’apprivoiser au point d’en tenir le jeu avec une grâce irrésistible. Les photographies de Sam Shaw participent de ce pouvoir d’incantation. Les poètes ont le don de double vue. Truman Capote , dans le portrait incisif et fulgurant qu’il trace de la comédienne, associe le rayonnement de Marilyn à « un oiseau mouche en vol ». que seule une caméra ou l’oeil aux aguets du photographe seraient en mesure d’en fixer la poésie… Mais cette luminosité volatile s’avère assez puissante pour dissiper l’ombre de la petite fille qui n’a jamais eu de place et que personne n’attend nulle part. « Je veux juste être merveilleuse. Marilyn aura mis tout son art et son talent à approcher cette part de soi-même que la plupart d’entre nous ignore ou laisse à peine entrevoir, cette clarté d’âme que les portraits de Sam Shaw nous donne à voir, dans toute sa ferveur et son étendue. « MARILYN : Souviens-toi. J’ai dit que si jamais des gens demandaient à quoi je ressemblais, qui était vraiment Marilyn Monroe, qu’est-ce que tu répondrais ? \[ …\] Je parie que tu leur dirais que je suis une cloche. Une paumée. Truman Capote : Bien sûr. Mais je dirais aussi… \[…\] Je dirais que tu es une enfant radieuse.» (Truman Capote, « Une enfant radieuse » in Musique pour caméléons, Paris, Gallimard, 1982) Jérôme GODEAU

Figure incontournable de l'art contemporain international, Annette Messager investit pour la première fois le Musée de la Chasse et de la Nature. Un bestiaire des passions humaines Plus de 80 œuvres sont déployées dans une quinzaine de salles, au fil d'un parcours thématique (transports amoureux, capture et captivité, sang des bêtes, sauvagerie domestiquée…) où installations majeures, œuvres emblématiques et pièces inédites dialoguent avec les collections du musée. Un angle inédit : l'animalité comme clé de lecture Pour la première fois, l'œuvre d'Annette Messager est abordée à la lumière de l'animalité. Figure pourtant constante de son travail depuis les années 1970, la figure animale n'avait jamais fait l'objet d'une telle exploration. Le monde animal y devient miroir des passions et des pulsions humaines : ils nous ressemblent, nous parodient, nous révèlent. Un parcours international Lauréate du Lion d'or à la Biennale de Venise en 2005 et du Praemium Imperiale en 2016, Annette Messager a fait l'objet d'expositions majeures dans les plus grandes institutions internationales : le MoMA de New York, le Centre Pompidou à Paris, la Hayward Gallery de Londres, le Mori Art Museum de Tokyo ou encore le Tel Aviv Museum of Art. Cette exposition au Musée de la Chasse et de la Nature s'inscrit dans cette reconnaissance mondiale, en offrant à l'artiste l'un des cadres les plus singuliers qui soit. Exposition réalisée avec le concours d'Annette Messager, de la Galerie Marian Goodman Paris, de Sèvres – Manufcature et Musée nationaux Commissaire de l'expsoiton : Colin Lemoine

Mode et apparences au 18ᵉ siècle En collaboration avec le Palais Galliera, le musée Cognacq-Jay aborde la diversité des représentations féminines au XVIIIᵉ siècle. En confrontant pièces textiles et œuvres picturales, l’exposition met en regard les liens étroits entre costume et image de soi. L'histoire du vêtement et de sa représentation au siècle des Lumières décrit autant une réalité matérielle qu’une création de l’esprit : ce sont ces deux pans, à travers les portraits mais également les pastorales et fêtes galantes, que l’exposition se propose d’explorer. Le nouveau style français, qui rayonne alors dans les cours européennes comme dans les villes, s’incarne à travers des portraits de l’aristocratie et de la haute bourgeoisie urbaine. En associant peintures et costumes, l’exposition propose une réflexion sur la mise en scène de la féminité au XVIIIᵉ siècle, entre exigence sociale et imaginaire de la beauté. Site web : https://www.parismusees.paris.fr/fr/exposition/reveler-le-feminin#:~:text=En collaboration avec le Palais,costume et image de soi.

Ces dernières années, Nuits Balnéaires a développé une pratique hybride. L’artiste ivoirien évolue à la croisée des beaux-arts, de la mode et de la recherche. Ses influences mêlent cinéma,… Sa vie est à la fois ancrée dans la petite ville côtière de Grand-Bassam, à l’est d’Abidjan, et ouverte sur de multiples communautés culturelles internationales. _Eboro_ a été réalisé dans le cadre du programme Latitudes de la Fondation d’entreprise Hermès, dont Nuits Balnéaires est le deuxième lauréat. Ce projet introduit une dimension davantage autobiographique au travail de Nuits Balnéaires. Le projet débute à Dakar, au Sénégal : le 22 juillet 1986, son oncle Noël X. Ebony, journaliste et dramaturge de renom, disparaît dans des circonstances énigmatiques. « Il existe entre nous un lien inexplicable, provenant peut-être d’une mémoire transgénérationnelle », confie Nuits Balnéaires. Dans la tradition Agni-Bona de Côte d’Ivoire, dont l’artiste est profondément imprégné, le neveu joue un rôle clé en accompagnant l’oncle dans son passage vers l’au-delà. Pour Nuits Balnéaires, cela a pris la forme d’une exploration de la façon dont des trajectoires antérieures – historiques ou familiales – influencent ou prédéterminent nos propres parcours de vie. Nuits Balnéaires a conçu _Eboro_ de manière intuitive, laissant la puissance affective des lieux et de la mémoire familiale façonner les chapitres visuels interconnectés de cette œuvre aux multiples strates. Il accueille la mélancolie et le traumatisme liés à l’histoire de son oncle avec douceur et espoir, interrogeant la manière dont l’imagination peut contribuer à la guérison des blessures transgénérationnelles.

Le Musée des Arts et Métiers accueille sur son parvis du 17 décembre 2025 au 10 janvier 2027 le cheval métallique Zeus, œuvre monumentale qui a marqué les esprits lors de la cérémonie d’ouverture… Après sa traversée de la Seine sur un trimaran lors de la cérémonie d'ouverture des Jeux Olympiques et sa pérégrination dans des lieux emblématiques comme Versailles, le Mont Saint-Michel ou le Mucem, Zeus s'installe sur le parvis du MuAM et s'offre à tous jusqu'en janvier 2027. Sous l'impulsion du metteur en scène Thomas Jolly, imaginé et réalisé par Atelier blam, Zeus est bien plus qu’une sculpture : c’est un manifeste de l’excellence française, un symbole de maîtrise technique et de poésie mécanique. Laissez-vous émerveiller par cette prouesse artistique, devenue symbole de beauté, d'ingéniosité et d’innovation. - Du mercredi 17 décembre 2025 au dimanche 10 janvier 2027 - En accès libre, sur le parvis du musée

Zeus, le cheval métallique au Musée des Arts et Métiers Zeus, le cheval métallique au MuAM Le Musée des Arts et Métiers accueille sur son parvis du 17 décembre 2025 au 10 janvier 2027 le cheval métallique Zeus, œuvre monumentale qui a marqué les esprits lors de la cérémonie d’ouverture des Jeux Olympiques et Paralympiques de Paris 2024. À cette occasion, Sanofi présente en collaboration avec Atelier blam et le Musée des Arts et Métiers une exposition inédite intitulée Zeus, chef-d’œuvre d’artisans du 17 décembre 2025 au 29 mars 2026 dans le chœur de l’église Saint-Martin-des-Champs du MuAM. Elle retrace la genèse et la fabrication de cette œuvre aussi technique qu’onirique. Zeus, le cheval métallique Après sa traversée de la Seine sur un trimaran lors de la cérémonie d'ouverture des Jeux Olympiques et sa pérégrination dans des lieux emblématiques comme Versailles, le Mont Saint-Michel ou le Mucem, Zeus s'installe sur le parvis du musée et s'offre à tous jusqu'en janvier 2027. Sous l'impulsion du metteur en scène Thomas Jolly, imaginé et réalisé par Atelier blam, Zeus est bien plus qu’une sculpture : c’est un manifeste de l’excellence française, un symbole de maîtrise technique et de poésie mécanique. Laissez-vous émerveiller par cette prouesse artistique, devenue symbole de beauté, d'ingéniosité et d’innovation. Du mercredi 17 décembre 2025 au dimanche 10 janvier 2027 Zeus se met en mouvement toutes les cinq minutes pendant une minute Du samedi 20 décembre 2025 au dimanche 4 janvier 2026, des démonstrations de Zeus auront lieu tous les jours à 14h par les médiateurs du musée En accès libre, sur le parvis du musée Zeus, chef d'œuvre d'artisans Plongez au cœur des métiers qui ont donné vie au célèbre cheval des Jeux Olympiques ! Présentée dans l’église Saint-Martin-des-Champs, l’exposition Zeus, chef-d’œuvre d’artisans, propose une immersion dans les coulisses de la création, révélant les gestes, les matières et les savoir-faire qui ont donné vie à ce cheval métallique. Le parcours scénographique invite les visiteurs à découvrir toutes les étapes de la création de Zeus, de l’inspiration initiale à la naissance d’une icône contemporaine. Croquis, maquettes, matériaux bruts, mécanismes articulés, prototypes et fragments argentés composent une narration visuelle et matérielle, où chaque détail témoigne de la rigueur et de la passion des artisans, mais aussi du dialogue subtil entre art et science. Du mercredi 17 décembre 2025 au dimanche 29 mars 2026 Accès compris dans le billet d'entrée au musée