Paris 3e(Paris)

Comment quitter une culture pour une autre ? Comment plonger dans un tout autre monde, au risque de s’y perdre ? Taym, 9 ans, arrive en France avec ses parents après avoir fui la violence de son pays. Confronté à une langue qu’il ne comprend pas, il s’enferme dans le silence. Parler, pour quoi faire ? De toute façon, personne ne le comprendrait. Face au mutisme du petit garçon, sa famille, ses camarades et ses enseignants tentent de l’accompagner. Chacun à leur manière, le guident sur le chemin d’une nouvelle langue qui viendrait s’additionner à l’ancienne, sans la remplacer.

L’immanquable rendez-vous du marché de l’art urbain fête son dixième anniversaire au Carreau du Temple ! Depuis 2016, Urban Art Fair s’est imposée comme la vitrine internationale de l’art urbain contemporain. En une décennie, elle a accompagné l’ascension fulgurante d’un mouvement devenu central dans le paysage artistique mondial. Avec un public engagé, une sélection précise et des artistes désormais incontournables, l’édition 2026 marque un tournant. Plus de 40 galeries françaises et internationales structureront une programmation foisonnante articulée autour de plus de 100 artistes, de rencontres et dédicaces, de performances, de conférences, de live music et d'installations en intérieur et extérieur. La 10e édition ambitionne de franchir un nouveau cap, avec de nouvelles directions et une volonté d'amener l'art urbain contemporain vers de nouveaux horizons.

Exposition personnelle de Shun Okada à la Galerie Sato. Inspirées des premiers jeux vidéo, les peintures de Shun Okada explorent l’instant où la progression se fige. Le temps se suspend, l’espace vacille, un bruit visuel apparaît. Dans cet état suspendu, la pause n’est pas vide. Elle est chargée, saturée, irrésolue. Ce qui reste devient bruit. PAUSE | Shun Okada Cette exposition se déploie comme un état de suspension. Non pas une fin, mais une pause, le moment où un système cesse de progresser tout en demeurant actif. Le temps hésite. L’espace se maintient. Le flux est interrompu. Ce qui suit n’est pas le silence, mais le bruit. Conçue comme la plus vaste exposition personnelle de Shun Okada à ce jour, cette présentation réunit des peintures récentes et un ensemble de grandes œuvres réalisées en 2015. Plutôt que de retracer une évolution linéaire, l’exposition propose une lecture en boucle : une circulation continue entre passé et présent, où les œuvres antérieures ne fonctionnent pas comme des origines, mais comme des composantes actives d’un système momentanément suspendu. Ce qui peut apparaître comme de l’abstraction dans le travail d’Okada n’est pas un choix stylistique, mais le symptôme visible d’un système sous tension. Ancrées dans la logique des premiers jeux vidéo et des environnements pixelisés, ses peintures ne citent pas l’imagerie numérique : elles en poussent les structures jusqu’au point d’interruption. Le pixel n’est plus une unité d’image, mais une unité de mémoire, chargée de répétition, de latence, d’erreur et d’accumulation. Shun Okada ne peint pas des jeux ; il peint ce qui reste lorsque la progression est mise en pause. Ses œuvres existent dans un état suspendu, où l’avancée se rompt sans disparaître. Le temps ne s’écoule plus vers l’avant, l’espace devient instable, et un bruit visuel émerge — fait de densité, d’interférences et de résidus. Si sa pratique est profondément nourrie par la culture numérique, elle demeure solidement ancrée dans la peinture. En dialogue avec les traditions impressionnistes et postimpressionnistes, Okada construit ces perturbations par un processus physique et minutieux, élaborant ses surfaces à l’aide de coups de pinceau horizontaux à l’huile, déposés millimètre par millimètre. De subtiles variations apparaissent alors au cœur de l’image, là où le contrôle et l’instabilité coexistent. Cette approche inscrit Okada dans une génération post-Superflat, tout en l’éloignant des esthétiques fondées sur la surface. Là où le Superflat privilégie la planéité et la clarté, Okada travaille par saturation, compression et fracture. Ses peintures ne réduisent pas l’image : elles la surchargent. La surface devient un espace de pression, où la logique numérique entre en collision avec la résistance matérielle de la peinture à l’huile. Les grandes œuvres réalisées en 2015 occupent une place centrale dans l’exposition. Loin d’être présentées comme des œuvres de jeunesse, elles fonctionnent comme un matériau source. Excessives et instinctives, elles contiennent déjà les tensions qui structurent encore aujourd’hui la pratique d’Okada. Relues depuis le présent, elles révèlent que l’avenir de son travail y était déjà inscrit, en attente de réactivation. Né en 1992 à Ibaraki, au Japon, Shun Okada s’est formé à la peinture à la Tokyo Zokei University avant d’achever ses études supérieures à la Tama Art University. Son travail a été présenté à l’international, notamment à Tokyo, Hong Kong, Paris, Séoul, Moscou et Los Angeles. Dans cette exposition, la pause n’est pas vide. Elle est chargée, saturée, irrésolue. La progression est suspendue — et ce qui reste devient bruit. Exposition: Du 19 mars au 5 avril de 11h à 19h (Ouvert du Mardi au Samedi, exceptionnellement le 5 avril ) Vernissage: Mercredi 18 mars, de 17h à 21h Galerie Sato 58 rue Charlot, 75003 Paris

Du 12 mars au 25 avril 2026, la galerie Galerie Les filles du calvaire présente la première exposition personnelle de Julia Haumont, sculptrice et céramiste formée aux Beaux-Arts. Intitulée Dans ma robe, couleur du temps, l’exposition explore ce moment fragile où l’enfance bascule vers l’adolescence. À travers un ensemble de sculptures, textiles et gravures, l’artiste met en scène une figure féminine juvénile, démultipliée, saisie dans des postures d’étirement ou de danse. Ces corps, à la fois singuliers et pluriels, évoquent l’intimité collective des cours de danse, avant l’apparition des premières pudeurs. À l’étage, le parcours se fait plus introspectif : une jeune fille en robe de mariée – fragment emprunté à l’univers de Jacques Demy et à son Peau d’Âne  – incarne l’éveil à la conscience du corps, du regard et du désir. Entre déchirure, métamorphose et apparition d’une figure d’Arlequin, l’exposition interroge les récits qui façonnent l’imaginaire féminin, du conte au mythe du « plus beau jour de la vie ». En filigrane, l’artiste convoque aussi bien les réflexions de l’autrice américaine Melissa Febos que l’histoire de l’art, de Edgar Degas à la figure troublante de la jeune danseuse. À travers une progression sensible des œuvres, Dans ma robe, couleur du temps tisse le récit d’une adolescence en tension — entre innocence et construction sociale, entre effusion et malaise — et invite à relire les histoires qui conditionnent notre rapport au corps et au féminin.

David Zwirner a le plaisir d’accueillir Josef Albers: Duets dans les espaces de sa galerie parisienne. L’exposition rassemble des peintures et dessins importants dans l’œuvre d’Albers, exécutés entre les années 1930 et les années 1970, qui mettent tous à l’honneur un jeu, une tension entre deux formes semblables. De tels dialogues formels et la notion même de dualité fascinaient Albers. Ses œuvres nous font prendre conscience d’une double vérité : par bien des aspects, deux tableaux – ou deux éléments dans un même tableau – peuvent présenter de grandes similarités, mais être à la fois très différents à cause de variations de couleur ou de composition interne. Josef Albers: Duets, organisée en collaboration avec la Josef & Anni Albers Foundation, constitue la première exposition monographique de l’artiste à Paris depuis Josef et Anni Albers : L’art et la vie, en 2021-2022. Plébiscitée par la critique, cette rétrospective au musée d’Art moderne de Paris a été prolongée par l’installation d’une présentation permanente d’un don de plus de cinquante œuvres de l’Albers Foundation auprès du musée. L’exposition comporte également des tableaux et œuvres sur papier issus de Homage to the Square (1950-1976), série qui a fait date pour l’histoire de l’art, où Albers multiplie les expériences, les combinaisons chromatiques et les jeux de perception au sein de compositions méticuleuses de format bien précis. Sont ainsi présentés deux grands carrés de 40 pouces de côté (un peu plus d’un mètre), Study for Homage to the Square: Starting Anew (1964) et Study for Homage to the Square (1968), dont la palette commune de verts et de gris atteste le retour du peintre, au fil des ans, vers des choix chromatiques affirmés. Non loin, Study to Homage to the Square: Budding (1958) et Study for Homage to the Square: Spring Out (1962) font écho au monde naturel et au passage des saisons grâce à leurs teintes vertes ou brunes évoquant celles de la campagne. D’autres œuvres – telles ces deux études en noir, blanc et gris pour le premier tableau de la série Homage to the Square, datant de 1950 – illustrent encore plus franchement l’importance de la composition dans la perception des couleurs. L’accrochage offre d’autres exemples du travail d’Albers autour du noir et blanc et du gris, comme les œuvres tirées de la série de jeunesse Treble Clefs (1932-1935), où des éléments de notation musicale sont représentés dans divers tons de gris – en l’occurrence, une remarquable œuvre sur verre et plusieurs gouaches. Ces œuvres reconnues sont comme un trait d’union entre la période où Albers quitte le Bauhaus et celle où il arrive aux États-Unis. On trouve à leurs côtés plusieurs diptyques marquants issus de Homage to the Square, dont les études déjà citées datant du début de la série, mais aussi l’intégralité de Gray Instrumentation I (1974), portfolio de sérigraphies d’œuvres de Homage to the Square, publié par Tyler Graphics à Bedford Village dans l’État de New York. Une sélection de Variants est aussi présentée : cette série d’œuvres, commencée par Albers en 1947, est aussi connue sous le nom d’Adobes tant elle évoque l’architecture du Mexique et du sud-ouest des États-Unis, qui captivait tant l’artiste. De fait, un élément central de la série est la représentation de deux entrées ou portes, invitant le regardeur à une expérience double, où l’on peut explorer la même structure en suivant deux chemins différents quoique similaires. Pour Albers, le fait d’offrir une multiplicité d’expériences visuelles était justement le reflet de ce qui se passe dans la vraie vie lorsque l’on envisage ou que l’on emprunte – littéralement ou émotionnellement – un chemin ou un autre, à rebours de l’idée qu’il n’y a jamais qu’une seule manière d’accomplir une chose ou une autre.

Henri Cartier-Bresson était un européen convaincu. S’il a voyagé dans le monde entier, il a aussi beaucoup parcouru l’Europe. Après la Seconde guerre mondiale, le continent est un immense champ de ruine hanté par la déchirure et la désolation. Dans le contexte de la Guerre froide, la construction de l’Union européenne est un enjeu géopolitique majeur. Après avoir réalisé pour la presse magazine de nombreuses séries de photographies en Allemagne, en Espagne, en Italie, en Grèce, en Suisse et en France, Cartier-Bresson veut les réunir en volume. Il ne souhaite pas faire un livre de voyage à travers ces pays, comme il en existe beaucoup à l’époque, mais plutôt un portrait de ceux qui les habitent. Le livre ne s’intitule d’ailleurs pas L’Europe, mais bien Les Européens. Il a pour ambition de montrer ce qui fait la singularité de chacun des peuples de cette zone géographique, tout en mettant en évidence leur communauté. Accompagné d’une magnifique couverture du peintre catalan Joan Miró, le livre est publié en 1955 chez Verve, comme une suite d’ Images à la Sauvette. Il n’avait jamais été republié depuis. La présente exposition réunit quelques-unes des photographies les plus importantes de l’ouvrage à l’occasion de sa réédition. Commissaire de l’exposition Clément Chéroux Directeur, Fondation Henri Cartier-Bresson Henri Cartier-Bresson (1908-2004) Henri Cartier-Bresson est considéré comme l’un des plus grands photographes du XXe siècle. Après avoir étudié la peinture et fréquenté les surréalistes, il adopte la photographie comme moyen d’expression au début des années 1930. Il traverse les grands bouleversements politiques et sociaux du XXe siècle : fait prisonnier pendant la Seconde Guerre mondiale, il s’évade et rejoint la Résistance. Il photographie les derniers jours de Gandhi en Inde, la Chine communiste, l’URSS en pleine guerre froide, les États-Unis d’après-guerre ou encore les luttes pour l’indépendance en Afrique. En 1947, il cofonde la coopérative Magnum Photos avec Robert Capa, George Rodger et David Seymour, destinée à garantir aux photographes un contrôle sur la diffusion de leurs images. La même année, le MoMA de New York lui consacre une rétrospective. À partir des années 1970, après avoir consacré sa carrière à la photographie et réalisé plusieurs films documentaires, il se détourne de ces médiums pour se consacrer au dessin. En 2003, un an avant sa disparition, il co-fonde la Fondation Henri Cartier-Bresson avec son épouse Martine Franck.

Le Musée des Arts et Métiers accueille sur son parvis du 17 décembre 2025 au 10 janvier 2027 le cheval métallique Zeus, œuvre mythique de la cérémonie d’ouverture des Jeux Olympiques et Paralympiques de Paris 2024. À cette occasion, Sanofi présente en collaboration avec Atelier blam et le Musée des Arts et Métiers une exposition inédite intitulée Zeus, chef-d’œuvre d’artisans du 17 décembre 2025 au 29 mars 2026 dans le chœur de l’église Saint-Martin-des-Champs du MuAM. Plongez au cœur des métiers qui ont donné vie au célèbre cheval des Jeux Olympiques ! Présentée dans l’église Saint-Martin-des-Champs, l’exposition Zeus, chef-d’œuvre d’artisans, propose une immersion dans les coulisses de la création, révélant les gestes, les matières et les savoir-faire qui ont donné vie à ce cheval métallique. Le parcours scénographique invite les visiteurs à découvrir toutes les étapes de la création de Zeus, de l’inspiration initiale à la naissance d’une icône contemporaine. Croquis, maquettes, matériaux bruts, mécanismes articulés, prototypes et fragments argentés composent une narration visuelle et matérielle, où chaque détail témoigne de la rigueur et de la passion des artisans, mais aussi du dialogue subtil entre art et science. Du mercredi 17 décembre 2025 au dimanche 29 mars 2026 Accès compris dans le billet d'entrée au musée

Une visite guidée de l’exposition « Voir la mer » pour profiter d’un moment en famille. Nos médiatrices vous proposent une déambulation pour découvrir en famille de manière ludique et conviviale les artistes de l’exposition Voir la mer. Chaque moussaillon se verra remettre un livret-jeux qu’il pourra compléter après la visite pour redécouvrir les œuvres en s’amusant. Toute personne suivant la visite guidée doit réserver une place (enfants et accompagnateurs). Retrouvez toutes les visites guidées de l’expo : tout-petits, familles, adultes, gustatives, contées, musicales sur la page programmation L’exposition « Voir la mer » se visite aussi sans réservation, en dehors des visites guidées.