Paris 3e(Paris)

Le plus grand salon du vintage de France s’installe à Paris pour une édition exceptionnelle ! Du 13 au 15 mars 2026, le Salon du Vintage investit un nouveau lieu au cœur du Marais pour une édition parisienne placée sous le signe du luxe. Présenté comme le plus grand événement vintage de France, le rendez-vous proposera sur 1 000 m² une sélection pointue de mode, haute couture, accessoires et pièces horlogères iconiques issues des plus grandes maisons. Cette édition “Ultimate Luxury” réunira des exposants spécialisés dans le vintage haut de gamme, avec des pièces signées notamment Chanel, Hermès, Dior, Yves Saint Laurent ou Cartier. L’événement ambitionne de s’inscrire comme un temps fort du calendrier mode et culturel du printemps 2026. Focus exceptionnel : Les montres iconiques du cinéma à l’honneur À l’occasion de cette édition, une exposition exclusive intitulée «Montres vintage cultes de cinéma» mettra en lumière des garde-temps devenus emblématiques à l’écran.

10 janvier - 14 mars 2026, Galerie Templon, Paris (Beaubourg) Du 10 janvier au 14 mars 2026, pour sa première exposition dans l’espace parisien de la galerie Templon, Léonard Martin présente les œuvres issues de sa résidence à La Nouvelle Orléans, réalisée dans le cadre de la Villa Albertine. L’exposition rassemble une quinzaine de toiles inédites et une sculpture. « Chef Menteur », titre emprunté à une autoroute traversant la Nouvelle-Orléans, évoque la frontière incertaine entre apparence et vérité. Plongé au cœur d’une Louisiane marquée par les tensions sociales et raciales, les dérèglements climatiques et les désastres écologiques, l’artiste a choisi d’explorer le carnaval, cet espace paradoxal où le burlesque côtoie le tragique, où la déraison répond à la rigueur d’un monde débordé. Lieu de croisements et de contrastes, le carnaval de La Nouvelle-Orléans réunit catholiques et protestants, créoles et caribéens, noirs et blancs, femmes et hommes, riches et pauvres. Véritable microcosme social, il expose la comédie humaine à ciel ouvert : les fiertés s’y affichent, les inégalités s’y rejouent. Dans ce tumulte festif, où les chars déversent des flots d’objets en plastique, Léonard Martin a collecté ces fragments éphémères pour les réinvestir dans sa pratique picturale. Les déchets plastique deviennent la matière première d’une réflexion à la fois politique et écologique, symbole d’un monde saturé, où le plastique envahit les rues, l’eau et jusqu’au sang. Inspiré par la structure éclatée du réel, Léonard Martin compose une suite d’images fragmentaires, entre souvenirs et visions, traces et récits. Ses oeuvres reposent sur des procédés de montage empruntés au cinéma et à la littérature : le cut-up, qui consiste à fragmenter et recomposer le réel, et le stop motion, qui introduit une idée de mouvement par séquences. Leurs effets conjugués produisent des compositions discontinues, où chaque peinture semble extraite d’un film mental. Chaque toile, chaque motif, fonctionne comme une saynète politique à plusieurs entrées. Le carnaval, parodie sublime du monde contemporain, y révèle l’éternelle tension entre le visible et le vrai, entre masque et visage. À propos de Léonard Martin Né en 1991 à Paris, Léonard Martin vit et travaille à Paris. Diplômé des Beaux-Arts de Paris et du Fresnoy – Studio national des arts contemporains, il a exposé au Salon de Montrouge, à Jeune Création, à la Villette et à la Collection Lambert à Avignon. Pensionnaire de l’Académie de France à Rome, Villa Médicis en 2018-2019, il a été lauréat du Prix de l’ADAGP (2017) et de Lafayette Anticipations (2021). Son travail a été présenté notamment à la Biennale de Gwangju, à la Villa Emerige, aux Beaux-Arts de Paris, au Palais de Tokyo, à la Biennale de Lyon et à l’Abbaye Royale de Fontevraud. Il est exposé face à Joan Mitchell au musée des Beaux-Arts de Caen, du 5 décembre 2025 au 15 mars 2026.

Du 12 mars au 25 avril 2026, la galerie Galerie Les filles du calvaire présente la première exposition personnelle de Julia Haumont, sculptrice et céramiste formée aux Beaux-Arts. Intitulée Dans ma robe, couleur du temps, l’exposition explore ce moment fragile où l’enfance bascule vers l’adolescence. À travers un ensemble de sculptures, textiles et gravures, l’artiste met en scène une figure féminine juvénile, démultipliée, saisie dans des postures d’étirement ou de danse. Ces corps, à la fois singuliers et pluriels, évoquent l’intimité collective des cours de danse, avant l’apparition des premières pudeurs. À l’étage, le parcours se fait plus introspectif : une jeune fille en robe de mariée – fragment emprunté à l’univers de Jacques Demy et à son Peau d’Âne  – incarne l’éveil à la conscience du corps, du regard et du désir. Entre déchirure, métamorphose et apparition d’une figure d’Arlequin, l’exposition interroge les récits qui façonnent l’imaginaire féminin, du conte au mythe du « plus beau jour de la vie ». En filigrane, l’artiste convoque aussi bien les réflexions de l’autrice américaine Melissa Febos que l’histoire de l’art, de Edgar Degas à la figure troublante de la jeune danseuse. À travers une progression sensible des œuvres, Dans ma robe, couleur du temps tisse le récit d’une adolescence en tension — entre innocence et construction sociale, entre effusion et malaise — et invite à relire les histoires qui conditionnent notre rapport au corps et au féminin.

David Zwirner a le plaisir d’accueillir Josef Albers: Duets dans les espaces de sa galerie parisienne. L’exposition rassemble des peintures et dessins importants dans l’œuvre d’Albers, exécutés entre les années 1930 et les années 1970, qui mettent tous à l’honneur un jeu, une tension entre deux formes semblables. De tels dialogues formels et la notion même de dualité fascinaient Albers. Ses œuvres nous font prendre conscience d’une double vérité : par bien des aspects, deux tableaux – ou deux éléments dans un même tableau – peuvent présenter de grandes similarités, mais être à la fois très différents à cause de variations de couleur ou de composition interne. Josef Albers: Duets, organisée en collaboration avec la Josef & Anni Albers Foundation, constitue la première exposition monographique de l’artiste à Paris depuis Josef et Anni Albers : L’art et la vie, en 2021-2022. Plébiscitée par la critique, cette rétrospective au musée d’Art moderne de Paris a été prolongée par l’installation d’une présentation permanente d’un don de plus de cinquante œuvres de l’Albers Foundation auprès du musée. L’exposition comporte également des tableaux et œuvres sur papier issus de Homage to the Square (1950-1976), série qui a fait date pour l’histoire de l’art, où Albers multiplie les expériences, les combinaisons chromatiques et les jeux de perception au sein de compositions méticuleuses de format bien précis. Sont ainsi présentés deux grands carrés de 40 pouces de côté (un peu plus d’un mètre), Study for Homage to the Square: Starting Anew (1964) et Study for Homage to the Square (1968), dont la palette commune de verts et de gris atteste le retour du peintre, au fil des ans, vers des choix chromatiques affirmés. Non loin, Study to Homage to the Square: Budding (1958) et Study for Homage to the Square: Spring Out (1962) font écho au monde naturel et au passage des saisons grâce à leurs teintes vertes ou brunes évoquant celles de la campagne. D’autres œuvres – telles ces deux études en noir, blanc et gris pour le premier tableau de la série Homage to the Square, datant de 1950 – illustrent encore plus franchement l’importance de la composition dans la perception des couleurs. L’accrochage offre d’autres exemples du travail d’Albers autour du noir et blanc et du gris, comme les œuvres tirées de la série de jeunesse Treble Clefs (1932-1935), où des éléments de notation musicale sont représentés dans divers tons de gris – en l’occurrence, une remarquable œuvre sur verre et plusieurs gouaches. Ces œuvres reconnues sont comme un trait d’union entre la période où Albers quitte le Bauhaus et celle où il arrive aux États-Unis. On trouve à leurs côtés plusieurs diptyques marquants issus de Homage to the Square, dont les études déjà citées datant du début de la série, mais aussi l’intégralité de Gray Instrumentation I (1974), portfolio de sérigraphies d’œuvres de Homage to the Square, publié par Tyler Graphics à Bedford Village dans l’État de New York. Une sélection de Variants est aussi présentée : cette série d’œuvres, commencée par Albers en 1947, est aussi connue sous le nom d’Adobes tant elle évoque l’architecture du Mexique et du sud-ouest des États-Unis, qui captivait tant l’artiste. De fait, un élément central de la série est la représentation de deux entrées ou portes, invitant le regardeur à une expérience double, où l’on peut explorer la même structure en suivant deux chemins différents quoique similaires. Pour Albers, le fait d’offrir une multiplicité d’expériences visuelles était justement le reflet de ce qui se passe dans la vraie vie lorsque l’on envisage ou que l’on emprunte – littéralement ou émotionnellement – un chemin ou un autre, à rebours de l’idée qu’il n’y a jamais qu’une seule manière d’accomplir une chose ou une autre.

Henri Cartier-Bresson était un européen convaincu. S’il a voyagé dans le monde entier, il a aussi beaucoup parcouru l’Europe. Après la Seconde guerre mondiale, le continent est un immense champ de ruine hanté par la déchirure et la désolation. Dans le contexte de la Guerre froide, la construction de l’Union européenne est un enjeu géopolitique majeur. Après avoir réalisé pour la presse magazine de nombreuses séries de photographies en Allemagne, en Espagne, en Italie, en Grèce, en Suisse et en France, Cartier-Bresson veut les réunir en volume. Il ne souhaite pas faire un livre de voyage à travers ces pays, comme il en existe beaucoup à l’époque, mais plutôt un portrait de ceux qui les habitent. Le livre ne s’intitule d’ailleurs pas L’Europe, mais bien Les Européens. Il a pour ambition de montrer ce qui fait la singularité de chacun des peuples de cette zone géographique, tout en mettant en évidence leur communauté. Accompagné d’une magnifique couverture du peintre catalan Joan Miró, le livre est publié en 1955 chez Verve, comme une suite d’ Images à la Sauvette. Il n’avait jamais été republié depuis. La présente exposition réunit quelques-unes des photographies les plus importantes de l’ouvrage à l’occasion de sa réédition. Commissaire de l’exposition Clément Chéroux Directeur, Fondation Henri Cartier-Bresson Henri Cartier-Bresson (1908-2004) Henri Cartier-Bresson est considéré comme l’un des plus grands photographes du XXe siècle. Après avoir étudié la peinture et fréquenté les surréalistes, il adopte la photographie comme moyen d’expression au début des années 1930. Il traverse les grands bouleversements politiques et sociaux du XXe siècle : fait prisonnier pendant la Seconde Guerre mondiale, il s’évade et rejoint la Résistance. Il photographie les derniers jours de Gandhi en Inde, la Chine communiste, l’URSS en pleine guerre froide, les États-Unis d’après-guerre ou encore les luttes pour l’indépendance en Afrique. En 1947, il cofonde la coopérative Magnum Photos avec Robert Capa, George Rodger et David Seymour, destinée à garantir aux photographes un contrôle sur la diffusion de leurs images. La même année, le MoMA de New York lui consacre une rétrospective. À partir des années 1970, après avoir consacré sa carrière à la photographie et réalisé plusieurs films documentaires, il se détourne de ces médiums pour se consacrer au dessin. En 2003, un an avant sa disparition, il co-fonde la Fondation Henri Cartier-Bresson avec son épouse Martine Franck.

Le Musée des Arts et Métiers accueille sur son parvis du 17 décembre 2025 au 10 janvier 2027 le cheval métallique Zeus, œuvre mythique de la cérémonie d’ouverture des Jeux Olympiques et Paralympiques de Paris 2024. À cette occasion, Sanofi présente en collaboration avec Atelier blam et le Musée des Arts et Métiers une exposition inédite intitulée Zeus, chef-d’œuvre d’artisans du 17 décembre 2025 au 29 mars 2026 dans le chœur de l’église Saint-Martin-des-Champs du MuAM. Plongez au cœur des métiers qui ont donné vie au célèbre cheval des Jeux Olympiques ! Présentée dans l’église Saint-Martin-des-Champs, l’exposition Zeus, chef-d’œuvre d’artisans, propose une immersion dans les coulisses de la création, révélant les gestes, les matières et les savoir-faire qui ont donné vie à ce cheval métallique. Le parcours scénographique invite les visiteurs à découvrir toutes les étapes de la création de Zeus, de l’inspiration initiale à la naissance d’une icône contemporaine. Croquis, maquettes, matériaux bruts, mécanismes articulés, prototypes et fragments argentés composent une narration visuelle et matérielle, où chaque détail témoigne de la rigueur et de la passion des artisans, mais aussi du dialogue subtil entre art et science. Du mercredi 17 décembre 2025 au dimanche 29 mars 2026 Accès compris dans le billet d'entrée au musée

Une visite guidée de l’exposition « Voir la mer » pour profiter d’un moment en famille. Nos médiatrices vous proposent une déambulation pour découvrir en famille de manière ludique et conviviale les artistes de l’exposition Voir la mer. Chaque moussaillon se verra remettre un livret-jeux qu’il pourra compléter après la visite pour redécouvrir les œuvres en s’amusant. Toute personne suivant la visite guidée doit réserver une place (enfants et accompagnateurs). Retrouvez toutes les visites guidées de l’expo : tout-petits, familles, adultes, gustatives, contées, musicales sur la page programmation L’exposition « Voir la mer » se visite aussi sans réservation, en dehors des visites guidées.

Il était une fois des contes qui n’étaient pas pour les enfants… Il était une fois des contes qui n’étaient pas pour les enfants… Venez découvrir une mystérieuse histoire qui prend vie à travers les mots et le jeu de Florence Desnouveaux et Violaine Robert au coeur de l’exposition Voir la mer. Conteuses, historiennes ou menteuses astucieuses, Florence et Violaine racontent des histoires. Elles travaillent à donner à chaque instant, à chaque événement et à chaque période, une place unique. Des histoires de vie aux contes populaires en passant par les énigmes, Florence et Violaine adorent jouer avec les mots, les souvenirs et le public dans une relation directe et simple. Toute personne suivant la visite contée doit réserver une place. La visite contée existe aussi pour les tout-petits (2–5 ans) et pour les familles !