Paris 3e(Paris)

Soirée de clôture de la première saison des Hybrides. Pour clôturer en beauté la première saison des Hybrides, le Musée Picasso vous propose une soirée exceptionnelle avec 3 heures de mix intense ! Après la visite des espaces d’expositions temporaires et de la Collection permanente, le public pourra profiter du jardin de l’Hôtel Salé et vibrer avec une sélection musicale passant par le hip-hop, les musiques caribéennes, africaines (afrobeat, amapiano…), la soul, le funk et la house. Pour l’occasion, nous invitons l’un des DJs les plus en vue du moment : DJ Lass. Son terrain de jeu ? Un mélange électrisant de musiques africaines, de hip-hop contemporain et de classiques 90’s revisités avec une aisance déconcertante. DJ Lass ne promet qu’une chose : faire danser tout le monde ! Révélé par l’énergie contagieuse de ses soirées La Fibre, il se retrouve rapidement sur scène aux côtés de Dadju, Franglish, Genezio ou encore Ronisia. Puis vient la consécration : SDM l’invite à assurer sa première partie à l’Accor Arena. Infos pratiques : Horaires : 19h-23h. L'accès aux expositions ouvertes est compris dans le prix du billet. Tarif plein : 15 € / Tarif réduit : 10 € (voir conditions) Les réservations se feront uniquement sur la billetterie en ligne du musée Picasso. En savoir plus

Avec Niagara 3000, Pamina de Coulon mêle culture scientifique et culture pop, écrits politiques, théories absurdes et élans autobiographiques. De marées en deltas, de rivières en glaciers, il est question de remplissage, barrages, turbines, mais surtout de toutes les violences liées à la production d’énergie. Et se pose alors la question fondamentale de la puissance hydraulique des larmes. Dans NIAGARA 3000, la force hydraulique et les larmes sont les éléments moteurs de Pamina de Coulon. Tout en part et tout y revient. Elle fait ainsi de sa visite aux chutes du Niagara, ce site tout à la fois merveille du monde naturelle et immense infrastructure techno-industrielle, la source d’un monologue-fleuve rapide et tumultueux, dans lequel elle nous emporte dans le tourbillon de sa pensée. D’un sujet à l’autre, de digressions en révélation, elle ose de nombreux grands écarts pour mieux articuler de nombreux points brulants de notre époque et nous proposer une manière de s’en saisir à notre hauteur. Des larmes, de la rouille, des lits de rose, des vies multiples et des pratiques qui nous engagent dans les milieux où l’on vit, voici tout ce que l’autrice et performeuse convoque, mêlant avec force le grave et le rire. Ainsi donc est né, pour la citer, cet « essai parlé post-ironique et pro-bougies ».

Pour imaginer ensemble des futurs souhaitables, le festival Anticipation revient pour sa 3ᵉ édition à la Gaîté Lyrique, du 18 au 21 juin 2026 : expositions, performances, débats et concerts pour alerter sur les enjeux environnementaux autour d’une formule : Tous vivants ! Programmation complète ! Tous vivants - Manifeste pour une reconnexion au vivant Si aujourd'hui on parle souvent de climat, la biodiversité est souvent délaissée. Pourtant, à l’approche de la COP17 sur la biodiversité, prévue en octobre 2026 à Erevan en Arménie, il est urgent de rappeler une évidence régulièrement oubliée : nous, humains, faisons partie de la nature. Nous sommes vivants parmi les vivants. Depuis des siècles, l’humain moderne s’est construit en opposition à la nature, cherchant à la dominer plutôt qu’à cohabiter avec elle. Cette séparation, entre l'humain et le reste du vivant, a amené à considérer la nature comme une ressource à exploiter. La formule « Tous vivants » est un rappel : une invitation à se reconnaître comme membres d’un tout, dans un monde où chaque être participe à l’équilibre de nos écosystèmes. Face à une extinction de masse, où l’on estime que 20 à 50 % des espèces pourraient disparaître d’ici la fin du siècle, l’enjeu n’est plus seulement d’ordre écologique. C’est un défi collectif et une responsabilité politique. Comment retrouver le désir d’agir ensemble dans un monde fragmenté ? Comment retisser les liens, entre humains et non-humains, et imaginer la possibilité d’un avenir commun ? Anna Tardivel, commissaire de l'exposition

Les Bancs du Carreau est un événement festif et artistique pour petits et grands avec des spectacles, des concerts et bien d'autres surprises ! Festival des pratiques amateures Quinze jours pour lever le voile sur les créations issues du travail des associations complices du Carreau ainsi que des établissements scolaires partenaires ! Plus d'une centaine d'amateur·es ont la chance de présenter leurs spectacles dans des conditions professionnelles. Parce que la sensibilité à l’art ne tombe pas du ciel, parce qu’elle n’est pas non plus nécessairement ancrée dans les familles, parce que Le Carreau du Temple est convaincu que la forger est indispensable à l’éveil de la citoyenneté, il lui paraît relever de sa mission de service public de développer, à l’appui de compétences qu’il héberge, des projets dès le plus jeune âge. C’est pourquoi, tout au long de l’année, les associations en connivence avec Le Carreau du Temple, animant diverses pratiques artistiques font jouer, chanter, danser petit·es et grand·es dans le cadre de la création d’un spectacle, pour le présenter, à la fin de la saison, en salle de spectacle et en public. Ce rendez-vous ouvert à tou·tes augure de nombreuses surprises et réjouissances ! Au programme Déborder-acte 1 - Gaëtan Brun-Picard, Fernando Cabral, Dr Joana Matos, Hôpital de la Pitié Salpêtrière - © Maxim Monti ; Crédits : © Maxim Monti DÉBORDER-ACTE 1 Gaëtan Brun-Picard x Fernando Cabral x Hôpital de la Pitié Salpêtrière Mardi 9 juin 2026 à 18h30 (durée : 1h) Gratuit sur inscription Projet in situ, Déborder-acte 1 questionne l’image de soi au cœur du fonctionnement d’un groupe et au prisme du réel d’adolescent·es hospitalisé·es rencontré·es au cours d’une série d’ateliers sur la saison 2026. De janvier à juin 2026, au sein du service de Psychiatrie de l’Enfance et de l’Adolescence de l'Hôpital de la Pitié Salpêtrière et sous l'invitation du Dr Joana Matos, les chorégraphes Gaëtan Brun-Picard et Fernando Cabral, accompagnés d’une équipe de soignant·es de l'hôpital, ont développé une pratique entre l'atelier artistique et la performance collective avec un groupe de jeunes volontaires. Dans ces temps de partage, la danse, comme toutes les autres formes d’actions artistiques déployées au plateau, est pensée comme une expérience relationnelle, un acte d’émancipation, de joie, de plaisir, mais aussi comme une façon de se tenir ensemble ici dans cet instant. Cette performance est conçue sous la forme d’un atelier augmenté et évolue au gré d’un cadre d’actions définies, cojouée et réinterprétée en directe par les adolescent·es, les soignant·es et les chorégraphes. Direction artistique : Fernando Cabral & Gaëtan Brun-Picard · Distribution : Apolline Si., Apolline Se., Inès, Tahliana, Dayane, Maël, Jay, Paul, Héloïse, Maëlys · Partenaires : Hôpital de la Pitié Salpêtrière, Collectif W.O.R.K.?, Ville de Paris, Césure Lieu des savoirs inattendus, Ville De Montreuil · Soutiens : Le Carreau du Temple Paris, Hôpital de la Pitié Salpêtrière · Production : Cie Corpo Material et Itinérances - Sarah Berthou Réservez votre place Scène ouverte Whacking - Association 5-6-7-8 - Bandeau ; Crédits : © Tus droits srévervés SCÈNE OUVERTE WHACKING Association 5-6-7-8 Mercredi 10 juin 2026 à 19h (durée : 2h) Place de 6€ à 10€ 2 heures de show Whacking, des surprises et du partage ! Une scène ouverte où une quinzaine de groupes présenteront leurs créations. Amélie Poulain de l'association 5-6-7-8 et Whack da Funk s'associent pour cet événement dédiée aux danseur·euses amateur·rices. Réservez votre place L'affrontement - PJJ ; Crédits : © Tous droits réservés L'AFFRONTEMENT – PROTECTION JUDICIAIRE DE LA JEUNESSE En partenariat avec l'UEMO de Goubet et les artistes Océan Michel et Flore Vialet Vendredi 12 juin 2026 à 19h30 (durée : 1h) Gratuit sur inscription Pour cette cinquième année du projet théâtre de l’Unité Éducative de Milieu Ouvert de Goubet, nous proposons une forme nouvelle afin de bousculer le projet et de le réinventer. Cette année, nous avons constitué un groupe de jeunes venant de différents services de la Protection Judiciaire de la Jeunesse de Paris et qui, le temps des ateliers, forme un collectif de théâtre vif, engagé et créatif. Nous avons fait le pari, grâce aux talents d’Océan Michel et de Flore Vialet, les deux metteur·euses en scène qui nous accompagnent depuis deux ans, d’inventer une histoire à partir d’improvisations et d’écriture au plateau. L’affrontement est une histoire de violence, d’amour et de loyauté. Des questions universelles qui ont traversé l’art sous toutes ces formes depuis toujours. Ces thèmes prennent forme dans ce spectacle à partir des réalités et des imaginaires des adolescent·es. C’est au tour d’une jeunesse, trop souvent invisibilisée et stigmatisée, de prendre la scène et de raconter son vécu par l’acte même de la sublimation. La question de la fiction est au cœur de cette édition 2026 ; cette année, encore plus que les précédentes, il s’agit de jouer, de chercher des personnages, de tenir des situations dramatiques et de porter une histoire tou·tes ensemble jusqu’au bout. Ce projet est collectif, social et artistique. C’est grâce à l’accompagnement des différent·es éducateur·trices des services de Paris, aux regard et à la technicité artistique des metteur·euses en scène et à l’audace des jeunes que ce spectacle peut exister cette année. Elsa Barneix, éducatrice et Marion Sergent, psychologue Réservez votre place Spectacle de fin d’année - École de musique Artistic ; Crédits : © Tous droits réservés SPECTACLE DE FIN D’ANNÉE DE L’ÉCOLE DE MUSIQUE ARTISTIC Association Artistic Samedi 13 juin 2026 à 15h30 et 18h (durée : 1h30) Place de 6€ à 12€ Deux concerts sont prévus dans l’après-midi, entre conte musical et atelier de groupe, accompagné au piano, au violon, à la guitare ou encore à la batterie… venez écouter les élèves de l'école Artistic sur la scène du Carreau du Temple ! Avec les professeurs d'Artistic : Anne-Catherine Saliou et Joanna Teissèdre Réservez votre place Nos silences ne nous protègeront pas - Association Antennarius Pictus ; Crédits : © Tous droits réservés NOS SILENCES NE NOUS PROTÈGERONT PAS Association Antennarius Pictus Mercredi 17 juin 2026 à 20h (durée : 1h) Place de 6€ à 15€ Nos silences ne nous protègeront pas est une création chorégraphique qui explore la révolte des corps – des corps qui résistent, des gestes qui hurlent. À travers une suite de tableaux physiques, nous invitons les spectateur·rices à traverser nos failles, nos élans, nos résistances. Les corps deviennent des espaces de confrontation, mais aussi de rencontre : des muscles tendus, des regards qui se cherchent, des souffles suspendus. Et des mots qui s’incarnent, qui se dansent, qui se combattent - mais aussi qui s’effleurent, qui s’étreignent, qui se murmurent. Conception et mise en scène : Sonia Alcaraz et Juanita Boada Salazar · Interprètes : Élodie Arraou, Inès Blancardi, Almudena Bricogne, Laurine Chabal, Sylvie De Lannoy, Béatrice Fixois, Clara Gastelois, Lucie Pedexes, Toni Viot Réservez votre place Siamuay Cup 2026 - Association Siamuay ; Crédits : © Tous droits réservés SIAMUAY CUP Association Siamuay Jeudi 18 juin 2026 de 18h à 21h (durée : 3h) Tarif unique à 18€ La Siamuay Cup revient pour sa troisième édition au Carreau du Temple le jeudi 18 juin 2026 de 18h à 21h. Au programme : 10 combats de muaythai dont une finale des championnats de France pro ! Réservez votre place JE SUIS LIBRE - Association Danse les yeux fermés ; Crédits : © Tous droits réservés JE SUIS LIBRE Association Danse les yeux fermés Vendredi 19 juin 2026 à 19h30 (durée : 1h) Place de 5€ à 10€ Chorégraphe et danseuse autodidacte, Fabienne Haustant et la danse entretiennent un rapport sensoriel et profondément vital ! En compagnie des danseuses et danseurs de l'association « Danse Les Yeux Fermés », elle souhaite entreprendre un ambitieux défi : mettre l’improvisation à l’honneur. Lumière sur la puissance des corps lorsqu'ils sont libres ! Réservez votre place TAPTIME - Association Taptime ; Crédits : © Tous droits réservés TAPTIME Association Taptime Samedi 20 juin 2026 à 19h15 (durée : 1h) Place de 8€ à 16€ Une grande soirée dédiée aux claquettes comme on les aime, pleine de surprises, de good vibes et de bonne musique, imaginée par Alain Parage, danseur, comédien et chorégraphe ! Le meilleur de Broadway et des claquettes américaines ressuscité le temps d'un spectacle ! À travers des chorégraphies sur des mélodies rythmées et entraînantes, du niveau débutant au niveau avancé, les élèves de Taptime restitueront, l’espace d’une soirée, le travail effectué sur l’année. 50 minutes de spectacle sur fond de jazz, où l’histoire des claquettes vous sera racontée et illustrée à travers des numéros tous plus étonnants les uns que les autres. Nées au XIXe siècle aux États-Unis, les claquettes mêlent influences africaines, irlandaises et américaines, créant un langage universel fait de percussions corporelles. Aujourd’hui très largement répandues et médiatisées à travers l’univers des comédies musicales, les claquettes forment une discipline complète associant danse, musique et comédie. Une énergie unique à venir découvrir le temps d’une soirée au Carreau du Temple ! Réservez votre place

La galerie célèbre du 23 mai au 20 juin, plus de trente années d’engagement au service de la création contemporaine. Pour autant, il ne s’agit pas ici de revenir sur un parcours accompli, mais d’affirmer une continuité vivante. 30 ans et plus n’est pas une rétrospective. C’est une déclaration d’intention, celle d’une galerie qui cultive sa raison d’être : accompagner les artistes et valoriser les pratiques artistiques actuelles. À travers une œuvre par artiste, l’exposition réunit celles et ceux qui incarnent aujourd'hui l’histoire et l’identité de la galerie. 30 ans et plus rend compte d’un dialogue au long cours entre la galerie et les artistes, émergents ou confirmés, qu’elle accompagne. Ce dialogue fidèle, nourri d’expérimentations et de prises de risque, reflète son engagement constant pour l’art contemporain sous toutes ses formes, et tout particulièrement envers la scène française, qu’elle contribue à faire rayonner sur le territoire et à l’étranger. Cette exposition affirme une permanence qui ne se mesure pas seulement en années, mais en rencontres, en projets et en complicités artistiques. Elle est aussi une projection vers ce qui reste à inventer. Ici, trente ans n’est pas un seuil symbolique, mais un élan : celui d’une galerie toujours en mouvement, attentive à son époque et résolument tournée vers l’avenir. EDITO DE STEPHANE MAGNAN Fondateur de la galerie Les filles du calvaire 30 ans d’expositions, et tous les médiums sont concernés. Peut-être faut-il pour comprendre la galerie dans cette diversité, que je dise d’où je viens : Mes goûts d’enfant, d’adolescent sont toujours les mêmes aujourd’hui, ce qui m’émeut c’est la pulsion scopique et la pulsion auditive- image et musique, harmonie et dissonance-, ce qui me fascine c’est l’intelligence et le raisonnement. Mes premières amours sont le grec, la mythologie, la peinture italienne et la peinture flamande de la Renaissance, Mozart, Schubert, Verdi et les mathématiques. Grande curiosité et formidable appétit. Ma façon d’agir commence toujours par l’écoute et l’exploration, l’accueil des idées, des images, et à un moment, ça y est, je comprends, je peux décider. C’est peut-être cela, associé à la grande fidélité de l’équipe qui m’accompagne, qui donne une impression de cohérence à la galerie, qui ne se voit qu’avec le recul. J’ai eu le même fonctionnement dans mon métier d’ingénieur –festina lente- Ce que montre la galerie est donc loin d’être figé ; cela témoigne de son engagement politique dans un monde qui évolue vite et où la démocratie est sans cesse attaquée. C’est un métier très exigeant qu’on peut décrire de plusieurs façons : le côté du découvreur, du « passeur associé » et celui du marchand. Ils sont présents en permanence, pas toujours faciles à combiner mais très excitants. Il me semble que le coup de tonnerre inaugural pour l’art contemporain d’aujourd’hui a été en 1974 le prix de la biennale de Venise attribué à Rauschenberg : c’est ce qui a été à l’origine de ce foisonnement de création que nous voyons aujourd’hui ; tout était possible ! Son galeriste, Leo Castelli a inventé à cette époque le modèle de la galerie d’art contemporain qui prévaut encore aujourd’hui. La première foire a lieu à Cologne en 1967, rapidement suivie par celle de Bâle en 1970. Et on en est toujours là. Ce qui a changé c’est la prolifération- d’artistes, de galeries, de foires, de biennales, d’initiatives de monstration de toutes sortes- pour le meilleur et pour le pire. C’est ce qui rend le métier que nous faisons extrêmement complexe en termes de discernement pour rester fidèle à ses valeurs et ne pas se laisser submerger par un capitalisme multiforme et récupérateur. Plus récemment internet et ses avatars ont donné un élan supplémentaire au « tout est bon » ; le réseau en ligne est un outil remarquable mais qui ne fait voir que des «fantômes » d’œuvres et qui a donc absolument besoin de la galerie pour voir « en vrai ». La nécessité de l’artiste est de montrer et d’être montré, sinon pas d’existence dans le monde contemporain. Le galeriste est donc celui qui prend le risque, après l’artiste qui prend celui de la création, de montrer des œuvres qui ne sont des valeurs sûres que pour lui, sans aucune certitude de vendre, contrairement à ce qu’exposent les musées ou institutions : des artistes déjà largement reconnus. Il est un acteur modeste de l’art contemporain qui le dépasse complètement mais dont le champ ne risque pas de se tarir. 30 ans donc, comme preuve d’espoir et de ténacité pour cette galerie qui est née de la rencontre improbable d’un groupe d’amis avec un lieu remarquable. Fino a quando ? Le pari demeure. HISTOIRE DE LA GALERIE texte écrit par Marie Magnier, directrice de la galerie Fondée à Paris en 1996 au 17 rue des Filles-du-Calvaire, la galerie Les filles du calvaire s’est imposée dès son ouverture comme un acteur influent de la scène artistique contemporaine. Très tôt, elle s’est distinguée en accompagnant les photographes, à une époque où ce médium n’occupait pas encore la place centrale qu’il tient aujourd’hui sur le marché de l’art et dans les institutions. La galerie a eu un rôle majeur pour la reconnaissance de la photographie contemporaine, dans ces pratiques exigeantes et singulières. Fidèle à son rôle de découvreur, la galerie accorde une place essentielle aux artistes émergents. Aujourd’hui plus que jamais, elle affirme son soutien aux artistes contemporains, avec une attention particulière portée à la scène française qu'elle contribue à promouvoir sur le plan national et international. Pour renforcer cette dynamique, la galerie a depuis ses débuts ouvert sa programmation à des personnalités extérieures afin d’assurer des commissariats d’expositions (critiques d’art, artistes, curators). La figuration a aujourd’hui une place majeure dans la programmation de la galerie. Qu’il s’agisse de photographie, de peinture, de sculpture ou de dessin, la galerie privilégie des œuvres incarnées, explorant les corps, les paysages et les récits intimes ou collectifs, tout en laissant une large place à l’interprétation et à la subjectivité. Cette cohérence artistique, construite au fil des années, fait de la galerie un espace reconnu pour la qualité de ses engagements et la singularité de son regard. La figuration n’y est jamais illustrative : elle est un outil de narration, un espace de projection, une manière de penser le monde. Depuis ses débuts, Les filles du calvaire a montré et soutenu le travail de nombreuses artistes femmes. Ce choix, instinctif et engagé, s’est inscrit naturellement dans la ligne artistique de la galerie, indépendamment des tendances ou des injonctions du moment. Après une expérience à Bruxelles de 2000 à 2010, la galerie a ouvert un deuxième espace en 2023, au 21 rue Chapon, ce qui lui permet d’élargir sa programmation. Une galerie fidèle, depuis l’origine, à ce qui la fonde : défendre des artistes, se confronter au réel et accompagner les formes vivantes de la création contemporaine. VERNISSAGE SAMEDI 23 MAI 2026 Les artistes présentés seront : Laia Abril, Helena Almeida, Bianca Argimón, Art Orienté Objet, Abdelhak Benallou, Katrien De Blauwer, Paz Corona, Jérémie Cosimi, Thibaut Cuisset, Gilbert Fastenaekens, Léo Fourdrinier, Charles Fréger, Makiko Fuirichi, Frances Goodman, Julia Haumont, Todd Hido, James Hyde, Michel Jocaille, Karen Knorr, Juul Kraijer, Katinka Lampe, Diana Markosian, Kate McCgwire, Olivier Mosset, Ethan Murrow, Nelli Palomäki, Clara Rivault, Karine Rougier, Kourtney Roy, Emmanuel Saulnier, Yusuf Sevinçli, Lore Stessel, Christer Strömholm, Maya Inès Touam, Qi Zhuo….

Rencontrez la marraine de notre établissement grâce à la micro-exposition qui lui est consacrée. Découvrez le destin extraordinaire de cette orpheline de la deuxième moitié du 19ème siècle qui obtiendra le prix Fémina en 1910, à l'aide d'un document patrimonial prêté par la bibliothèque Historique de la Ville de Paris et de fac simile.

Exposition collective – Tondi contemporains. Du 28 mai au 20 juin 2026. Depuis l’Antiquité, la quadrature du cercle incarne l’énigme impossible : convertir un cercle en carré de même surface avec des outils strictement rationnels. Tandis que les mathématiciens s’y sont cassé les dents, les artistes y trouvent une liberté inespérée. L’impossible devient moteur, tension fertile où rigueur et imagination se rencontrent, contrainte et invention se mêlent. La Quadrature du Cercle invite ici près de quatre-vingts artistes contemporains à relever ce défi, non pas pour le résoudre, mais pour en explorer toutes les potentialités. Leur terrain de jeu : le tondo, cette forme circulaire héritée de la Renaissance – de Giotto à Michel-Ange – longtemps associée au sacré, à l’harmonie cosmique et à la perfection formelle. Ici, le tondo se libère de ses références historiques et devient un espace d’expérimentation radicale, où peinture, dessin, collage, photographie et techniques mixtes se confrontent et se répondent. Chaque artiste transforme le cercle à sa manière. Pour certains, il devient frontière, limite concentrée où s’éprouvent tension et force. Pour d’autres, il s’ouvre comme un horizon infini, un univers à explorer, une invitation à l’évasion, à la contemplation et au rêve. La forme circulaire, simple en apparence, devient ainsi le catalyseur d’une infinité de propositions plastiques et conceptuelles. Le parcours de l’exposition se lit comme une cartographie plurielle de la création contemporaine : malgré l’unité imposée par la forme, chaque œuvre affirme son langage propre, sa singularité, sa pulsation. Les tondi dialoguent entre eux, se répondent, se confrontent, et composent une constellation où la contrainte formelle engendre une liberté décuplée. Cette exposition n’est pas seulement un rassemblement d’œuvres : c’est un laboratoire d’idées, un champ d’expérimentation où l’impossible devient expérience et émerveillement. La Quadrature du Cercle rappelle que l’art contemporain ne cherche pas à répondre à toutes les questions, mais à faire naître de nouvelles interrogations, à ouvrir des perspectives inédites et à révéler la beauté là où la logique s’arrête. Se rendre au 40 rue Volta, du 28 mai au 20 juin 2026, c’est accepter l’invitation d’un voyage circulaire : plonger dans des univers singuliers, vibrer au rythme de la créativité contemporaine et se laisser surprendre par l’éclat inattendu de l’impossible sublimé.

Après son spectaculaire succès à la Biennale de Venise en 2024, le peintre Alioune Diagne revient à Paris avec « Saytu », ensemble de toiles inédites, fruit d’une enquête menée ces deux dernières années à travers le Sénégal. En wolof le terme saytu renvoie à l’idée de rechercher, d’inspecter, afin de trouver et de conserver ce qui est précieux. Dans cette perspective, l’artiste a sillonné durant plusieurs mois le centre et le sud-est du pays, à la rencontre de communautés minoritaires vivant dans des régions isolées – les Bassari, Bédik, Dialonké et Coniagui – dont il a documenté les coutumes et rituels ancestraux qu’elles perpétuent et tentent de préserver. Le projet a débuté par un séjour de deux mois en pays Bassari, dans le village d’Etiolo, puis chez les Bédik, dans les localités d’Ethiwar, Ibel, Iwol et Andjel, où Alioune Diagne s’est rendu à deux reprises. Diagne a également partagé le quotidien des Dialonkés, à Madina Baffé et s’est rendu dans le centre du Sénégal chez les Coniaguis, à Koupentoum, aujourd’hui malheureusement marqués par la disparition progressive de certains rituels. Au plus près de ces communautés, l’artiste a patiemment observé, documenté puis réinterprèté ces traditions à travers son langage plastique si singulier. Sa technique, progressivement élaborée au fil des années, repose sur l’assemblage de petits modules qu’il nomme « signes inconscients » : agrégés les uns aux autres, ils composent des scènes figuratives d’une grande intensité. Masques, danses, costumes, musiques et chants sont ainsi transposés en peinture, dans une tentative de saisir l’énergie vibrante et l’essence spirituelle de ces cérémonies. Influencé, sans en avoir d’abord pleinement conscience, par le savoir-faire de son grand-père, maître coranique, Diagne conçoit ce vocabulaire formel, presque pointilliste, comme un langage universel capable de communiquer l’inexprimable. Entre abstraction et figuration, certaines toiles comme Jeune fille Bassari (2025), se livrent immédiatement au regard, tandis que d’autres comme La foule qui danse ou Sous l’arbre sacré (2025), invitent le spectateur à un lent déchiffrement, préservant la part de mystère propre à ces traditions transmises oralement de génération en génération. Chroniqueur de son temps, l’artiste ambitionne de constituer, à sa manière, les archives futures du Sénégal. Faces/Time, une installation monumentale réunissant 100 portraits d’individus croisés au fil de son voyage, en est aussi l’illustration. Ces visages d’anonymes, porteurs de récits et de mémoires individuelles, renvoient à l’intimité de chaque existence tout en rappelant les identités évanescentes de nos profils numériques. «  Saytu  » s’inscrit alors dans une réflexion plus large sur la transmission des savoirs à l’ère des réseaux sociaux et de la mondialisation. Comment ces héritages culturels évoluent-ils aujourd’hui ? Quelle place occuperont-ils demain ? Parmi les communautés rencontrées, Diagne a également porté une attention particulière aux femmes et à leurs rituels spécifiques, soulignant leur rôle central dans la vie sociale et la transmission des savoirs. La première ligne (2025) ou Rythme Dialonké (2026) rendent hommage à leur force et à leur créativité, inscrivant ces traditions dans un dialogue contemporain sur la place des femmes dans nos sociétés. Ce projet interroge aussi plus largement la fragilité des patrimoines culturels à l’échelle mondiale. À travers une écriture picturale résolument contemporaine, Alioune Diagne nous invite ainsi à réfléchir à la manière dont les sociétés d’aujourd’hui peuvent préserver, réinventer et transmettre leurs traditions.