Paris 3e(Paris)

Dans le cadre de la Paris Design Week 2026, Pli office présente TOUT EST CHAOS. 75 designer·euses, architectes et artistes, ont été invité·es et sélectionné·es par le commissaire Christopher Dessus,… Le beau n'est pas une excuse Le modernisme et l'industrialisation ont porté une promesse, celle d'un monde fonctionnel, démocratique, libéré des contraintes matérielles par la production de masse. Mais aujourd'hui un seuil est atteint et nous sommes littéralement saturés d'objets. Nous vivons entourés d’objets. Produits, distribués, consommés, ils répondent, anticipent, simplifient mais à vouloir tout résoudre, ils ne disent plus grand chose. Et si la production de masse a tenu la promesse d’un monde fonctionnel et accessible, elle a surtout créé un trop-plein d’où émerge aujourd’hui un désenchantement. Celui des designers confrontés à l’obsolescence, l’accumulation et les modes de production et celui les objets eux-mêmes, fatigués et déçus par notre manque d’attention et de considération. Mais quelque chose demeure, insiste et résiste. Une tension opaque, appelons-la chaos. Ce n’est pas un désordre, c’est ce qui échappe à la fonction, résiste au langage et ne trouve pas toujours sa place. Tout est Chaos est ainsi une invitation à faire l’expérience d’objets qui réintroduisent du désir et de la poésie en engageant la relation là où il n’y avait plus que de la fonction. C’est précisément là que le design commence. Christopher Dessus, commissaire de l’exposition.

Peut-on produire en quantité sans faire de dégâts pour notre environnement et celles et ceux qui l’habitent ? Une rencontre dans le cadre de la Paris Design Week. Peut-on produire en quantité sans faire de dégâts pour notre environnement et celles et ceux qui l’habitent ? Autour de cet enjeu central pour nos sociétés contemporaines, l’atelier de scénographie Athem, l’atelier d’insertion de production d’objets créatifs en réemploi Fabrique Pointcarré, et le CCS proposent de dialoguer comment ce questionnement peut animer les pratiques des designers et des ateliers de production. Rencontre avec : Rencontre avec : [François Azambour](https://azambourg.com/) - designer [Sébastien Zoot](https://fr.peugeot-saveurs.com/fr?srsltid=AfmBOopWRwc_Z1NBk2JSwoYnzIxB5l04_3uL8Xl2NTCUl7KjlREX4KNP) - CEO de Peugeot saveur [Gini Moynier](https://ginimoynier.com/) - design textile et scénographie [Marco Renna](https://ecal.ch/fr/ecole/network/people/marco-renna/) - designer du projet LEFT (L)OVER [Elie Preveral](https://www.fabriquepointcarre.org/) - directeur de la Fabrique Pointcarré

Peut-on produire en quantité sans faire de dégâts pour notre environnement et celles et ceux qui l’habitent ? Une rencontre dans le cadre de la Paris Design Week. Peut-on produire en quantité sans faire de dégâts pour notre environnement et celles et ceux qui l’habitent ? Autour de cet enjeu central pour nos sociétés contemporaines, l’atelier de scénographie Athem, l’atelier d’insertion de production d’objets créatifs en réemploi Fabrique Pointcarré, et le CCS proposent de dialoguer comment ce questionnement peut animer les pratiques des designers et des ateliers de production. Rencontre avec : Rencontre avec : François Azambour - designer Sébastien Zoot - CEO de Peugeot saveur Gini Moynier - design textile et scénographie Marco Renna - designer du projet LEFT (L)OVER Elie Preveral - directeur de la Fabrique Pointcarré

À l’occasion de Paris Design Week, l'exposition BAR STOOL réunit une trentaine designers français·es et européen·nes autour d’un même objet, le tabouret de bar. Imaginée par les designers Athime de Crécy et Quentin Frichet, BAR STOOL investit l’espace Brownstone, au cœur du Marais du 11 au 19 septembre. Pensé comme un espace à vivre, BAR STOOL invite chacun à prendre place et à utiliser librement les tabourets exposés. Le mobilier retrouve ainsi sa fonction première, faisant de l’exposition un espace de convivialité structuré par l’usage et l’expérience collective. Une exposition qui donne à voir et à expérimenter une diversité d’approches, de techniques et d’écritures du design contemporain, entre fonctionnalité, recherche plastique et économie de moyens et de ressources. Designers participant·es AC/AL, Arthur Desmet, Athime de Crécy, Camille Donias, Claire Lavabre, CLUZEL / PLUCHON, CPRV, Denise Merlette, Florent Mardio, Formel Studio, François Lafortune, Guillaume Bloget, Guillaume Gindrat, Gini Moynier, Giuseppe Formica, Hugo Chaffiotte, Camille Viallet & Théo Leclercq, Marine Quéré, Paul Tubiana, Quentin Frichet, Romain Sillon & Clara Ormières, Sacha Parent, Valentine Tiraboschi, Sara de Campos, Thelonious Goupil, Tobias Brunner et WINT Design Lab.

Venez découvrir l'exposition gratuite de Marie-Ange Guilleminot « Cintres et Paravents, un vestiaire mobile » à la Caserne des Minimes à l'occasion de la Paris Design Week. L’artiste Marie-Ange Guilleminot a été invitée par la de Société Choletaise de Fabrication (SCF) a revisité trois objets pour la Paris Design Week 2026 : des cintres classiques, des cintres pliables et des paravents qui seront habillés de tresses issues de fin de production d’accessoires textiles. Dans une installation extérieure imaginée par l’artiste, les cintres vont survoler la cour de la caserne des Minimes, passant d’arbres en arbres. Une structure en bois permettra de présenter les paravents et les cintres réalisés par Made by bobine, en mettant en avant l’upcycling et l’accès au travail aux personnes en situation de handicap.

Présentée au musée Cognacq-Jay en collaboration avec le Palais Galliera, l’exposition « Révéler le féminin. Mode et Apparences au XVIIIe siècle » propose une immersion dans l’univers fascinant des… Portraits, scènes galantes et pièces textiles historiques dialoguent pour explorer la diversité des représentations de la féminité telles qu’elles se déploient dans les mises en scène du XVIIIe siècle. L’exposition souligne l’essor d’un style français dont l’élégance séduit alors les cours et l’aristocratie européennes, révélant une histoire du costume à la fois ancrée dans une réalité matérielle et nourrie par l’imaginaire. Au cœur de cette époque, la France s’impose comme le théâtre incontournable du raffinement et du prestige. Les artistes tels que Maurice Quentin de La Tour, Jean-Marc Nattier, Adélaïde Labille-Guiard, ou encore Élisabeth Vigée Le Brun excellent à traduire l’éclat des étoffes comme la profondeur des âmes, offrant à leurs modèles une aura de grâce et de pouvoir. Le parcours de l’exposition, qui met en lumière ces œuvres virtuoses, s’enrichit de portraits marqués par une dimension psychologique nouvelle, où l’intimité et le naturel prennent une place centrale, sous l’influence anglaise. En parallèle, les pastorales de François Boucher et les fêtes galantes d’Antoine Watteau façonnent une féminité idéalisée et poétique. Enfin, des photographies contemporaines de Steven Meisel, Esther Ségal, ou encore Valérie Belin, ainsi qu’une création Chanel par Karl Lagerfeld, suggèrent en contrepoint une réflexion sur la persistance des codes et l’héritage du XVIIIe siècle dans la mode actuelle, entre exigence sociale et imaginaire de la beauté.

La galerie Arts d’Australie • Stéphane Jacob a le plaisir de vous convier à l'exposition monographique "Konstantina | Birrung Ngura - Appartenir à la Terre" du 04 juin 2026 au 19 septembre 2026. La galerie Arts d’Australie • Stéphane Jacob a le plaisir de présenter Konstantina | Birrung Ngura – Belonging to Country, Appartenir à la terre , une exposition monographique consacrée à l’artiste aborigène Konstantina, femme Gadigal de la nation Eora. À travers son travail, Konstantina révèle la relation intime et vivante que son peuple entretient avec la terre, un territoire qui s’étend de l’actuel Opéra de Sydney jusqu’à South Head et Watsons Bay. Ses œuvres traduisent à la fois la mémoire ancestrale et une lecture contemporaine du paysage, mettant en lumière la continuité et la réinvention des savoirs ancestraux. Avant-propos de l'exposition À travers sa pratique artistique, Konstantina explore le lien intime et durable entre les peuples aborigènes et leur territoire, révélant la continuité, le renouveau et la résilience culturelle des savoirs ancestraux. Son langage visuel contemporain réinterprète les signes et le dot-painting traditionnels de ses ancêtres, proposant un récit moderne qui permet de mieux comprendre que les peuples des Premières Nations font partie intégrante du tissu social et environnemental de l’Australie. Guidée par un engagement profond envers la langue, la culture et l’histoire, Konstantina restitue des récits souvent occultés ou perturbés par la colonisation, offrant une lecture vivante et poétique des histoires Gadigal et établissant un dialogue entre mémoire, tradition et représentation du monde moderne. Konstantina collabore actuellement avec le British Museum dans le cadre d’un projet de recherche consacré aux objets Gadigal conservés dans ses collections. Ce travail donnera lieu à une exposition prévue en 2027 à Londres, intitulée Gadigal Yilabara Wala - Gadigal Now and Then. Ces recherches nourrissent également sa pratique et inspirent certaines séries présentées dans l’exposition de la galerie. Le titre de l’exposition renvoie directement à la relation profonde que les peuples aborigènes entretiennent avec leur territoire. En langue Gadigal, Ngura signifie le pays, la terre qui nourrit et soutient la vie, et Birrung évoque le sentiment d’appartenance et de connexion spirituelle au lieu. Ensemble, ces termes expriment l’idée que le lien au pays dépasse la simple géographie : il est fondamental pour l’identité, la culture et la mémoire collective. L’exposition invite ainsi le visiteur à percevoir le territoire non seulement comme un espace physique, mais comme un système vivant de savoirs, de récits et de pratiques culturelles transmis de génération en génération. Konstantina | Birrung Ngura – Belonging to Country invite ainsi le visiteur à comprendre la force et la profondeur du lien des Gadigal avec leur territoire, la continuité des savoirs ancestraux et la vitalité de l’expression culturelle aborigène contemporaine. À travers ces œuvres, l’artiste célèbre la mémoire, la résilience et l’identité, et rappelle que le pays, ses histoires et ses récits font partie intégrante de la vie et du tissu social de l’Australie.

À l’occasion du bicentenaire de la photographie, la galerie Sit Down invite l’artiste Jean-Gabriel Lopez à dialoguer avec l’œuvre pionnière d’Arthur Batut, figure emblématique de l’expérimentation à… À l’occasion du Bicentenaire de la Photographie, la galerie SIT DOWN invite l’artiste Jean-Gabriel Lopez à engager un dialogue inédit avec l’œuvre pionnière d’Arthur Batut (1846-1918), figure emblématique de l’expérimentation photographique à la fin du XIXe siècle. À partir de l’œuvre d’Arthur Batut, Jean-Gabriel Lopez développe un ensemble d’œuvres qui interrogent la fabrication des images, leur matérialité et la permanence des expériences photographiques. Le point de départ de cette recherche est le portrait-type, procédé imaginé par Batut à la fin du XIXe siècle consistant à superposer plusieurs portraits afin de produire l’image moyenne d’un groupe. En reprenant aujourd’hui ce protocole à partir des plaques de verre originales, Jean-Gabriel Lopez ouvre un dialogue avec l’œuvre de Batut qui se déploie bien au-delà de cette seule expérience. Les photographies des empilements de plaques de verre, les œuvres réalisées à partir du manuscrit du Portrait-type, les ponctuations, ou encore La Marianne, constituent autant de propositions qui prolongent librement cet univers expérimental. Chacune explore une question différente : la construction des images, la matérialité de la photographie, les processus d’accumulation, de répétition ou de transformation. Présentées aux côtés d’œuvres originales d’Arthur Batut, ces réalisations instaurent un dialogue entre deux pratiques photographiques séparées par plus d’un siècle. L’exposition ne cherche pas à effacer cette distance. Elle montre au contraire combien certaines expériences photographiques demeurent aujourd’hui des outils de création. En attendant Batut propose ainsi une rencontre entre l’œuvre d’un pionnier et le regard d’un artiste contemporain, où les expériences d’hier deviennent la matière d’une recherche photographique actuelle. L’appareil photographique devient avant tout un outil de mesure non pas au service d’une objectivité scientifique, mais comme vecteur d’un questionnement sensible sur les limites du dispositif photographique lui-même. Cette exposition s’inscrit au sein du parcours %b%Photographie dans les galeries d’art,%/i% organisé par le Comité Professionnel des Galeries d'Art.