Paris 1er(Paris)

Carte blanche %b%« Queens de l’humour »%/b% Vous en rêviez  ? Le Festival Paris l’été l’a fait ! Réunir Tahnee et Mahaut Drama pour une soirée (presque) sans limite, agrémentée de guests surprises. La première a débarqué très jeune sur les plateaux de théâtre puis de télévision avec des thématiques engagées et une énergie contagieuse. La seconde, humoriste aux multiples casquettes - chroniqueuse, autrice, comédienne - poursuit avec brio un parcours inclassable. Ensemble, ces deux étoiles du stand-up, meilleures amies, ont créé en 2018 la première scène queer féministe du genre. Un an après leurs dernières dates à Paris, les voilà de retour. Elles remettent le couvert à l’air libre, sur la grande scène du Jardin des Tuileries, et, pour couronner le tout, elles font appel à leurs supers copines. Ça promet  ! En partenariat avec Les Étés du Louvre

Poèmes pulvérisés %b%«  Brûler pour briller  »%/b% Autrice, compositrice, musicienne et chanteuse, Léonie Pernet livre, avec Poèmes pulvérisés, un concert habité par une poésie fiévreuse. Nourrie par un voyage au Niger et par la poésie de René Char, sa musique explose les formes pour relier les mondes. Sur la grande scène du Jardin des Tuileries, l’émotion circule au rythme d’un son libre comme l’air, de l’électronique aux cordes, des pulsations africaines aux élans pop, comme autant de fragments qui cherchent à se rassembler. Sur scène, la voix avance à découvert, portée par une urgence douce et déterminée. Des hymnes percussifs appellent à déplacer les frontières et inventer un « nous ». Avec sa musique si singulière, qui donne des frissons, Léonie Pernet fait du concert un espace de traversée intime et politique. En partenariat avec Les Étés du Louvre

Concert du choeur de la Brigham Young University Le BYU (Brigham Young University) est dirigé par Andrew Crane et Brent Wells. Il nous propose un programme de musqiue classique. Réservations et information : [performancesbooking@gmail.com](mailto:performancesbooking@gmail.com)

Lineup: KATHERINE CURNOW voix TBA Chaque vendredi soir à partir de minuit, Katherine Curnow anime la jam dans une ambiance festive, où se réunissent des chanteurs, chanteuses et instrumentistes talentueux de la scène parisienne ! On y célèbre les sons du neosoul, R&B, soul, funk, groove, pop, et bien d’autres influences. Ouverte aux vocalistes, musicien·nes, et bien sûr aux amoureux·se de musique live, cette jam est la soirée tardive idéale pour terminer le vendredi dans une atmosphère créative et conviviale ! Inscriptions en début de soirée : premier arrivé, premier servi ! Nous vous conseillons donc de venir tôt ou de réserver à l’avance.

La Contrebande %b%« Bricoler le monde à coups de salto »%/b% Ils arrivent comme une bande de copains décidés à faire revivre l’enfance à hauteur d’adulte. Présenté dans deux lieux historiques d’exception – au Jardin des Tuileries - Domaine du Louvre et devant la Villa Savoye, monument national signé Le Corbusier – Clan Cabane transforme l’espace public en terrain d’aventures acrobatiques, où le jeu devient une affaire prodigieuse. Porté par cinq artistes de cirque tout feu tout flamme, le spectacle invente un langage physique fait de trampolines, de bastaings de bois et de ferveur partagée. Les structures se montent et se déplacent au rythme des corps qui s’y risquent avec malice et virtuosité. Ici, on construit pour mieux sauter, on chute pour mieux recommencer. La musique jouée en direct accompagne cette architecture vivante avec panache. Clan Cabane célèbre le collectif, l’envol et l’audace, dans un cirque époustouflant où l’imaginaire prend appui sur le réel. En partenariat avec les Étés du Louvre et du Centre des monuments nationaux dans le cadre de Vivant Monument

Sur la grande scène du Jardin des Tuileries, Carcaça s’impose avec la force des œuvres qui marquent leur temps. La danse de Marco da Silva Ferreira explose en une écriture précise, brute et inventive. Le groupe agit comme un essaim traversé par une énergie contagieuse, électrique. Sur de la musique live, les corps frappent le sol et déplacent l’espace en puisant dans les gestuelles de la house, du kuduro et des danses traditionnelles, digérées puis transformées par les danseur·ses. Sans discours, la pièce donne forme aux élans de la jeunesse, à ses contradictions et à sa force vitale. Poétique et politique à la fois, Carcaça fait déjà date dans l’histoire de la danse. Intemporel tant il est enraciné dans le passé, ancré dans le présent et projeté vers l’avenir.

LooLooLook Gallery présente Intervalles perméables (Porous Pauses), première exposition personnelle en France de l’artiste hongkongaise Alexis Wong. Réunissant un ensemble inédit de sculptures et d’installations récentes, l’exposition explore les relations entre organismes vivants, matériaux industriels et configurations spatiales. Bois flotté, cire d’abeille, résine, Jesmonite, acier inoxydable, polycarbonate, soie grège ou fragments de porcelaine s’assemblent dans des formes ouvertes où croissance, transformation et construction se répondent. À travers ces œuvres, Alexis Wong interroge les mécanismes qui relient les êtres, les objets et les environnements. Ses sculptures apparaissent comme des organismes en devenir, situés dans un état intermédiaire où les frontières entre naturel et artificiel, vivant et non- vivant, demeurent volontairement poreuses. LE SHI : PENSER L’ESPACE COMME UN CHAMP DE RELATIONS Au cœur de la pratique d’Alexis Wong se trouve la notion chinoise de shi (势), souvent traduite par « potentiel de situation », « propension » ou « tendance ». L’espace n’est pas envisagé comme un cadre neutre mais comme un ensemble de relations capables d’orienter les comportements, les perceptions et les devenirs. Cette approche trouve un écho dans les principes du feng shui, qui considère les configurations spatiales comme des systèmes dynamiques de circulation, d’équilibre et de transformation. Les œuvres de Wong explorent ainsi les forces visibles et invisibles qui traversent les corps, les matériaux et les environnements. Plutôt que de représenter le monde, ses sculptures cherchent à activer des situations : elles proposent des orientations, des tensions et des possibilités de transformation qui invitent le visiteur à porter attention aux phénomènes de coexistence et d’adaptation qui façonnent silencieusement notre quotidien. La notion de porosité vient ainsi nous offrir la possibilité de nous adapter à de nombreux champs des possibles. Elle nous permet de sortir de cadres contraints de nos univers, de nos sociétés et nous conduit ainsi vers des pauses. Cette dimension de porosité permet de penser l’œuvre comme un ordonnancement des forces. MATIÈRES, GESTES ET PROCESSUS Le travail d’Alexis Wong accorde une place centrale à la matière et au geste. Les matériaux sont assemblés, modelés, stratifiés ou laissés évoluer selon leurs propriétés propres. L’artiste s’intéresse autant aux processus de fabrication qu’aux formes finales, considérant chaque sculpture comme un état transitoire au sein d’un cycle continu de transformation. Cette attention portée aux savoir-faire et aux qualités physiques des matériaux nourrit une pratique où l’artisanat, l’expérimentation et la réflexion spatiale se rejoignent. Les œuvres conservent la mémoire de leur fabrication tout en demeurant ouvertes à de nouvelles interprétations. DES MICRO-MONDES ENTRE NATURE ET INFRASTRUCTURE Les œuvres réunies dans Intervalles perméables prolongent les recherches développées par Alexis Wong dans ses installations récentes. Les séries Seedingsees, Drifties, Folds ou encore Creases, Crumbs and Possible Mumbles présentent des assemblages où matériaux organiques et composants industriels cohabitent sans se fondre. Le bois flotté devient support de croissance, la cire semble coloniser l’acier, tandis que des membranes translucides ou des structures métalliques évoquent des formes de vie en devenir. Leurs formes demeurent ouvertes, hésitant entre vestiges archéologiques, fragments biologiques, infrastructures miniatures ou dispositifs inconnus. Elles résistent à toute identification définitive et invitent à repenser les catégories à travers lesquelles nous interprétons le monde. À la croisée des réflexions de l’Arte Povera ou d’un travail comme celui de Richard Serra, il s’agit d’expérimenter des situations, et des interactions. Alexis Wong nous parle de processus, de flux vitaux et d’échanges entre les corps et les structures. Ici les particules et les sociétés humaines forment un réseau interdépendant. Alexis Wong allie subtilement tradition chinoise et courants de la pensée occidentale. Commissaire d’exposition : Caroline Arhuero

Du 24 avril au 31 juillet 2026, dans le cadre d’une année d’expositions consacrée au 150e anniversaire de la naissance de Brancusi, la Galerie Negropontes Paris présente un solo show d’Étienne Moyat. Chez Étienne Moyat, la création n’est jamais envisagée comme un aboutissement, mais comme un cheminement permanent au sein de sa pratique artistique. Soucieux de ne pas rompre avec le passé, l’artiste inscrit son travail dans une continuité où le geste, la matière et la mémoire sont indissociables. À partir du moment où un chemin est choisi, le reste en émane naturellement. Ce chemin demeure volontairement ouvert, en construction, sans finalité figée. Ébéniste de formation, Étienne Moyat travaille directement à partir d’arbres sciés en plateaux, selon le principe de la taille directe. Comme Brancusi, il considère le bois non comme un simple matériau, mais comme une matière vivante, porteuse de temps, d’histoire et d’énergie. Il le sculpte, le brûle, le brosse et le peint dans un rapport respectueux et attentif à ce que le matériau peut révéler. L’usage de la tronçonneuse, outil paradoxalement libérateur, autorise un geste à la fois libre, instinctif et maîtrisé. L’ensemble de panneaux sculptés et de sculptures en bois de l’artiste, où les surfaces sont parcourues de lignes fluides, de strates et de rythmes, témoignent d’une pratique consciente et mesurée, où la technique s’efface au profit d’une expérience sensible. Elles s’inscrivent dans une logique transitoire et fragile, fondée sur une recherche permanente d’équilibre. Ponctuant ce corpus sculptural, l’exposition présente également une sélection de peintures récentes, qui constituent un nouveau développement dans la pratique de l’artiste. Abordée avec une grande liberté de geste et d’émotion, la peinture prolonge les questionnements de la sculpture en explorant, par d’autres moyens, le rapport au geste, au rythme et au temps. Elle constitue un espace d’expérimentation où l’énergie circule différemment, sans rompre avec les enjeux du travail sculptural. Inspiré par l’expressionnisme abstrait, le néo-expressionnisme et le primitivisme, Étienne Moyat travaille sur de grands formats dans une approche spontanée et instinctive. Couleurs vives, couches épaisses et compositions rythmées font de la peinture un espace d’exploration sensible, en résonance avec le travail du bois. Qu’il sculpte ou qu’il peigne, Étienne Moyat interroge notre lien au vivant, à l’espace et au temps. Son travail se situe dans un rapport direct à la matière et au geste, invitant le regard à une expérience émotionnelle.