Paris 16e(Paris)

Tous en scène - Concert Orchestre Philharmonique de Radio France et Orchestre à l'Ecole. Dans le cadre de son partenariat au long cours, l’Orchestre Philharmonique de Radio France invite Orchestre à l’école à venir se produire avec lui, sur la scène de l’Auditorium. Ce sont d’intenses rendez-vous musicaux, compte-tenu du travail d’apprentissage nécessaire en amont, et de merveilleux moments de partage entre jeunes musiciens et professionnels. Avec près de 1600 orchestres à l'école réparties sur tout le territoire, Orchestre à l’école contribue à l’épanouissement des jeunes et à la réussite par la pratique instrumentale collective en milieu scolaire. Pour ce projet, les orchestres à l'école des collèges Carlo Acutis de Montaigu-Vendée (85) et Henri Sellier de Suresnes (92) se produiront le 3 juillet 2026 avec l'Orchestre Philharmonique de Radio France, dirigé par Dimitri Soudoplatoff, dans l' Auditorium de la Maison de la Radio. Pour préparer ce concert exceptionnel, des répétitions et deux stages auront lieu en présence des musicien·nes du « Philhar' ». Programme Dimitri Soudoplatoff Murmures de la nuit (commande de Radio France – création mondiale) Gioachino Rossini Ouverture de l'Italienne à Alger Ludwig van Beethoven Symphonie n°1, 1er mouvement Arrangements pour les orchestres à l'école par Jean-François Pauléat.

Du 30 juin au 2 juillet 2026, Paris accueillera la communauté abolitionniste internationale à l'occasion du 9e Congrès mondial contre la peine de mort, organisé par ECPM, sous le parrainage de la France, de l'Union Européenne et de la Suisse. Un évènement gratuit et ouvert à toutes et tous. Inscription obligatoires l'application « ECPM-9WC ». Un rendez-vous international de référence Le Congrès mondial contre la peine de mort constitue le principal rendez-vous international dédié à l’abolition universelle. Organisé tous les trois ans, il réunit l’ensemble des acteur·rices engagés dans ce combat : responsables politiques, magistrat·es, avocat·es, diplomates, organisations de la société civile, expert·es internationaux, ainsi que des témoins directs. Pendant trois jours, le Congrès offre un espace unique de dialogue, de réflexion et de mobilisation. Il permet de confronter les expériences, d’analyser les dynamiques en cours et de faire émerger des stratégies communes. Le Congrès contribue également à renforcer les coopérations internationales, à encourager les engagements politiques et à soutenir les dynamiques en faveur de l’abolition. Il participe enfin à rompre l’isolement de nombreux acteurs engagés, parfois exposés à des risques dans leur pays, et à renforcer durablement leurs capacités d’action. S'inscrire au 9e Congrès Les enjeux de cette 9e édition Résurgence de la peine de mort Alors que 114 États ont désormais aboli totalement la peine de mort, une résurgence des exécutions est observée dans plusieurs pays où la peine capitale demeure un outil de répression politique, de contrôle social ou de réponse aux crises sécuritaires. Cette réalité contraste avec la dynamique mondiale de l’abolition : les exécutions restent malgré tout concentrées dans un nombre limité d’États notamment la Chine, l’Iran, l’Arabie Saoudite et l’Irak, alors que de plus en plus de pays s’éloignent durablement de cette pratique. Lutte contre les discriminations La peine de mort frappe de manière disproportionnée les populations les plus vulnérables : minorités ethniques ou religieuses, personnes en situation de précarité, opposants politiques ou personnes condamnées pour des infractions liées aux stupéfiants. Dans plusieurs pays, elle reste également utilisée contre les personnes LGBT+ et au terme de procès iniques. Mobilisation pour l'abolition universelle Le Congrès entend renforcer les stratégies internationales pour l’abolition universelle et affirmer que la peine capitale constitue une atteinte irréversible à la dignité humaine; de nombreux acteurs appellent désormais à reconnaître son caractère de crime contre l’humanité. La culture au coeur du Congrès Le Congrès fera une large place à la création artistique pour sensibiliser autrement aux réalités de la peine de mort. La programmation culturelle comprendra une cérémonie d’ouverture musicale, une grande soirée témoins consacrée à l’art comme outil de résilience et de témoignage depuis le couloir de la mort, une installation sonore immersive ainsi qu’une performance de danse en clôture. Plusieurs expositions seront présentées à la Maison de la Radio et de la Musique et à l’Assemblée nationale, mettant en lumière les témoignages d’anciens condamnés à mort, les créations de jeunes engagés pour l’abolition, des dessins de presse internationaux et des œuvres réalisées en lien avec des personnes détenues dans le couloir de la mort. À Paris, deux expositions grand public prolongeront le Congrès dès le mois de juin : Les visages de l’abolition, sur les grilles de l’Hôtel de Ville à partir du 5 juin, et Les lieux de l’abolition, un parcours immersif à travers la capitale retraçant l’histoire du combat abolitionniste, à découvrir à partir du 8 juin.

L'A.S. Passy organise un nouveau stage dédié aux sports de combat pour les jeunes (11/16 ans) du 29 Juin au 3 Juillet 2026 dans sa salle de boxe du stade Suchet (Paris 16ème). Suite au gros succès de nos précédents stages, nous avons décidé d'organiser un nouveau stage pour les jeunes pendant la deuxième semaine des vacances de Pâques (Lundi 27 Avril au Jeudi 30 Avril). -10h/12h : Renforcement musculaire dans la salle de musculation puis préparation physique en extérieur dans le stade Suchet ou en intérieur (selon la météo) -12h/14h : Pause déjeuner avec possibilité de déjeuner sur place dans la salle de boxe pour ceux qui amènent leur panier-repas -14h/16h : Initiation et perfectionnement boxe pieds/poings et MMA Le prix pour le stage complet sera de 160 euros pour les gens extérieurs à l'A.S. Passy et 140 euros pour les adhérents de l'A.S. Passy. Il sera aussi possible de payer à la séance (20 euros par séance). Pour réserver sa place pour le stage, plusieurs possibilités : -Appeler au 06 60 53 11 14 -Envoyer un mail sur aspassy75@gmail.com en précisant le nom, prénom et date de naissance du jeune -Venir sur place récupérer un dossier d'inscription pour le stage Le dossier d'inscription et les informations seront envoyés par mail à ceux qui en auront fait la demande. Les stages A.S. Passy sont absolument uniques dans leur genre et très demandés. Ils sont dirigés par des professeurs exceptionnels.

Un regard artistique sur les richesses naturelles du Sahel et le rôle essentiel des arbres. Le jardin des Serres d’Auteuil accueille l’exposition "Arbres de Vie", une collection de photographies signées Nicolas Henry, un artiste photographe, metteur en scène et plasticien français diplômé des Beaux Arts de Paris. Elle met en lumière la beauté et la puissance des arbres nourriciers du Sahel : acacia, baobab et balanites. Ces espèces emblématiques racontent une histoire de résilience, de transmission et de lien entre les communautés et leur environnement. À travers un regard artistique et humaniste, "Arbres de Vie" vous invite à découvrir les richesses naturelles et humaines du Sahel, tout en rappelant le rôle essentiel des arbres dans la restauration des écosystèmes, la protection des sols et l’amélioration des conditions de vie. Elle est présentée pour la première fois à Paris à partir du 17 juin à l'occasion de la journée mondiale de lutte contre la désertification. Cette exposition est proposée par l'association SOS SAHEL partenaire du Jardin botanique de Paris.

Le Musée d’Art Moderne de Paris présente la première rétrospective de l’œuvre de Brion Gysin dans un musée parisien. Né en Grande-Bretagne en 1916, Brion Gysin est un artiste protéiforme, peintre, poète, performeur, photographe et musicien souvent associé à la Beat Generation. Inventeur du Cut-up et de la Dreamachine, son œuvre se déploie à l’intersection de la peinture et de l’écriture, mobilisant une gamme sans cesse renouvelée de langages plastiques. Passionné d’altérité et arpenteur des marges, Brion Gysin sillonne le monde et fréquente les mouvements alternatifs et underground. Ses pérégrinations l’amènent à côtoyer des milieux créatifs et intellectuels des plus divers dans lesquels il a un écho souvent inattendu et jouit d’une aura quasi magique. Nourrie de ces rencontres, son incessante pulsion créatrice s’est exprimée à travers des formes telles que la poésie sonore et visuelle, le cinéma expérimental, la performance, le roman et la musique, sans oublier la peinture et la photographie. L’exposition retrace les grandes étapes de ce parcours hors du commun qui traverse toutes les avant-gardes du XX siècle et montre, en contrepoint, les œuvres d’artistes dont il a été proche ou qu’il a inspirés : William Burroughs, Françoise Janicot et Bernard Heidsieck, John Giorno, Keith Haring, Patti Smith, Ramuntcho Matta… Elle témoigne également des liens très forts qui unissent Brion Gysin à Paris où il a vécu une grande partie de sa vie. Il y séjourne dans les années 1930 lorsqu’il est étudiant à la Sorbonne. Au tournant des années 1960, il fréquente les milieux surréalistes, au fameux Beat Hotel (9, rue Gît-le-Cœur, Paris 6 ème). À partir du milieu des années 1970 jusqu’à son décès en 1986, il s’installe dans un appartement situé face au Centre Pompidou. Peu avant sa mort, il fait de la Ville de Paris son légataire universel. L’exposition, constituée de plus 140 œuvres de l’artiste, est bâtie sur la collection Gysin du Musée d’Art Moderne de Paris, d’une richesse unique au monde, que viennent compléter des prêts exceptionnels issus de collections publiques et privées, en France et à l’étranger. L’exposition L’exposition propose un cheminement à travers les grandes étapes du parcours créatif de cet artiste inclassable. Elle s’ouvre sur un choix d’œuvres illustrant son intérêt pour le rêve, le surréalisme et les effets des drogues sur l’esprit. L’exposition se poursuit en montrant l’impact qu’ont eu sur lui les principaux lieux de ses voyages à travers le monde. Elle aborde ensuite les différentes facettes de son processus créatif : le Cut-up et les permutations ; le dessin, l’écriture et la calligraphie ; l’aventure de la Dreamachine ; les différentes formes du jeu et de la performance ; ses incursions dans les territoires de la magie et l’effet proprement ensorcelant qu’il a eu sur ses contemporains ; enfin l’utilisation de la photographie comme signe de son rapport à la réalité et du photomontage comme révélateur de sa présence au monde. L’exposition met en lumière toutes les dimensions et potentialités du Cut-up, une technique que Brion Gysin découvre à l’automne 1959, au Beat Hotel à Paris. Cette technique est une reviviscence dadaïste consistant à couper dans un texte et à réarranger les morceaux de façon aléatoire. L’exposition permet également de saisir la place centrale qu’occupe, dans l’œuvre et l’imaginaire de l’artiste, la Dreamachine, cylindre rotatif pourvu de fentes et d'une ampoule en son centre. La rotation du cylindre fait que la lumière émise par l'ampoule traverse les fentes à une fréquence particulière ayant la propriété de plonger le cerveau dans un état de détente et de procurer des visions à l'utilisateur, lorsque celui-ci regarde la Dreamachine les yeux fermés, à travers ses paupières. Tout au long du parcours, l’accent est mis sur la dimension multimédia de sa production artistique et sur le dialogue qu’il n’a eu de cesse d’entretenir avec des œuvres d’autres artistes, antérieurs ou contemporains (Victor Hugo, Henri Michaux, René Laubiès, Mohamed Hamri…).

Le Musée d’Art Moderne de Paris présente pour la première fois dans un musée français une exposition consacrée à trois artistes estoniennes dont l’œuvre s’étend du milieu du XX siècle jusqu’à nos jours : Olga Terri (1916 – 2011), Anu Põder (1947 – 2013) et Kris Lemsalu (née en 1985). L’exposition met en valeur la richesse et la vitalité de la scène artistique estonienne à travers le regard de ces trois artistes de générations différentes. Chacune à leur manière, elles reflètent un moment de la création de ce pays à l’histoire aussi passionnante que tourmentée. Marquée par sa mise sous tension entre les sphères d’influence européenne et russe, l’Estonie a su conserver une culture originale, foisonnante et dynamique, dont découlent les œuvres présentées. Le traitement du corps humain agit comme un fil conducteur entre l’œuvre des trois artistes créatrices : un corps tantôt abandonné, morcelé, augmenté, transformé, exubérant ou combatif. Anu Põder, artiste centrale de l’exposition (1947 – 2013) Anu Põder fait partie des grandes redécouvertes de l’histoire de l’art de ces dernières années. À travers une quinzaine d’œuvres, l’exposition déploie l’univers singulier de cette artiste dont la pratique s’est développée à l’écart des carcans académiques de son époque. Les matériaux utilisés par Anu Põder traduisent la précarité de sa condition sous l’ère soviétique, autant qu’ils révèlent les bouleversements de la société estonienne à l’indépendance du pays (toile de jute, plastique, savon, papier d’aluminium…). Le corps de l’artiste est souvent présent en creux dans ses sculptures vulnérables, fragiles, qui refusent de se cantonner aux modes traditionnels de figuration. Olga Terri, la peinture de l’après-guerre (1916 – 2011) Une salle réunit une série de portraits réalisés entre 1945 et 1950 par Olga Terri. Elle témoigne des affres personnels et collectifs subis pendant cette période d’immédiat après-guerre, alors que l’occupation nazie fait place à l’occupation soviétique. Un sentiment mélancolique se dégage de ses personnages mutiques peints dans des couleurs sourdes, leurs positions lâches exprimant un vacillement imminent. Kris Lemsalu, une vision contemporaine (née en 1985) L’exposition s’achève par la présentation d’une installation monumentale et de nouvelles productions de la plasticienne et performeuse contemporaine Kris Lemsalu, conçues pour l’exposition. L’artiste imagine un univers extravagant et burlesque peuplé d’êtres hybrides entre humain et non-humain, incarnant une lecture contemporaine du panthéisme estonien autant qu’une vision satirique de la société actuelle.

Les œuvres de Benoît Piéron proposent des expériences de temps suspendu, d’attente, d’hallucination et de rêverie par le détournement d’une esthétique fonctionnelle et sanitaire. En réinsérant de la douceur et du désir où ils ont été évacués, l’artiste déploie des récits alternatifs autour des corps, des affects et des espaces liés à la maladie. Plus récemment, la découverte de son intersexuation est venue enrichir le regard que porte Benoît Piéron sur le traitement politique de certaines existences. Cette nouvelle exposition présente un film érotique et abstrait sous la forme d’un théâtre d’ombres, projeté dans une mise en scène d’une inquiétante étrangeté. Empruntant au design fonctionnel urbain comme au registre du merveilleux, ce décor trouble donne ainsi forme à la notion d’impermanence – des statuts, des identités, des états physiques et psychiques – pour devenir un lieu d’imagination collective.

Du 18e siècle à la vague K-Pop, découvrez les racines d’une esthétique qui a conquis le monde ! Puissance culturelle majeure, la Corée du Sud modèle désormais les tendances et inspire une génération globalisée. Au sommet de cette vague, la K-Beauty impose une approche holistique de la beauté, typiquement coréenne, et établit une véritable esthétique. Dépassant la simple cosmétique, elle forge de nouvelles normes ainsi qu’une imagerie marquante et singulière. Réunissant des chefs-d’œuvre issus des collections du musée Guimet et de grandes institutions sud-coréennes (peintures, photos, publicités, robes et accessoires de beauté du 18e siècle à nos jours) l’exposition « K-Beauty » en décrypte les codes et montre comment ceux-ci s’inscrivent dans une tradition séculaire, entre équilibre et vertu, naturel et sophistication. À la fin du 18e siècle, la Corée dominée par le courant néo-confucianiste célèbre une esthétique féminine particulière : vêtements fluides, peau pâle, maquillage et coiffures raffinées. Les peintres qui immortalisent ces beautés, dont Shin Yun-bok, participent à l’élaboration d’un patrimoine visuel qui influence durablement la culture populaire coréenne. Cette culture raffinée, où les cosmétiques puisent dans la pharmacopée traditionnelle, lie beauté, harmonie et équilibre intérieur. Marqué par des dominations et influences étrangères successives, le 20e siècle en Corée voit l’émergence de codes esthétiques nouveaux. Photographie, cinéma et industrie cosmétique naissante diffusent et ancrent ces nouvelles normes tandis que le « miracle économique coréen » met patrimoine, art et cosmétique au cœur du discours culturel. Dès les années 2000, la Hallyu (la vague coréenne) consacre le soft power sud-coréen : la K-Beauty, mêlant tradition et innovation, marque le cinéma, la mode, la littérature mais aussi la K-Pop, et conquiert le monde entier. À travers cette exposition, les visiteurs découvriront comment s’est consolidée une esthétique proprement coréenne, dont certains canons - forgés depuis le royaume du Joseon tardif (1392-1910) - ont conservé leur attrait jusqu’à nos jours et ont fait l’objet d’hommages et de nombreuses relectures. « K-Beauty » met en lumière l’évolution mais aussi la pérennité du concept de beauté coréenne, de la seconde moitié du 18e siècle au monde contemporain globalisé.