Paris 3e(Paris)

Fou rire garanti ! Pendant 1h, un artiste de stand-up vous embarque pour une visite de nos collections qui décoiffe : engins fantaisistes, découvertes improbables et même inventions extravagantes… Vendredi 3 avril 19h (1h) À partir de 18 ans Tarif : 26 € Les objets d’hier n’ont rien perdu de leur humour… et vous non plus !

Commandement n 28: Vous ne faux-Trépas - Comédie Musicale de La CoMu. Chers spectateurs, je vous conseillerai de bien faire attention à vos poches… Vous êtes conviés à l'enterrement d'Eleanor Bucket, grande scientifique parfois incomprise. Quoi? Excusez moi, on me dit dans l'oreillette que la personne dans le cercueil n'est pas la bonne… Ah bon? On me dit aussi qu'elle est portée disparue! Chers amis, vous devenez maintenant enquêteurs avec tous les invités de la cérémonie. Qu'est-il arrivé à Eleanor? Est elle vraiment morte? Un invité serait-il responsable? Du 02 au 04 avril 2026, de 20h à 23h Lieux: Théâtre Déjazet Étudiants et moins de 18 ans : 15 euros Adultes : 25 euros Groupe de 10 étudiants : 130 euros Commandement n 28: Vous ne faux-Trépas - La 28éme Comédie Musicale de L'association de Comédie Musicale de l'ESCP - La CoMu

Salon solidaire d'art contemporain du Secours populaire organisé avec le soutien de la Ville de Paris, Solid'Art revient pour une cinquième édition du jeudi 2 avril au dimanche 5 avril 2026 ! Une œuvre achetée, c'est un enfant qui part en vacances ! Solid’Art, c’est une magnifique initiative du Secours populaire : faire partir un maximum d’enfants en vacances en collectant des dons lors d’un salon d’art contemporain. Les fonds récoltés seront convertis en « journées vacances offertes » afin de faire partir un maximum d’enfants cet été. Encore aujourd’hui, 1 enfant sur 3 ne part pas en vacances. Après une quatrième édition fructueuse en mai 2025, grâce à laquelle près de 4 000 journées de vacances ont été organisées pour des enfants, le salon d’art solidaire réinstalle ses cimaises au Carreau du Temple. Il s’agit là d’un marché d’art contemporain au sein duquel artistes et publics ont un accord tacite et heureux : une œuvre achetée, c’est un enfant qui part en vacances ! Plusieurs techniques artistiques y sont représentées : peinture, photographie, street art, sculpture, gravure, dessin, sérigraphie ; à travers la présence d'une centaine d'artistes. Après Montpellier (Zénith Sud), Lille (Hôtel de Ville), Le Carreau du Temple est ravi de représenter la plateforme francilienne de ce projet se situant à un juste point de jonction entre démarche solidaire et valorisation de la création artistique contemporaine. Horaires par jour : Jeudi 2 avril 2026 : 18h à 22h - Vernissage (entrée libre et accessible à tou·tes) Vendredi 3 avril 2026 : 14h30 à 19h30 Samedi 4 avril 2026 : 11h à 20h Dimanche 5 avril 2026 : 10h à 18h30 Solid’Art, salon solidaire d’art contemporain du Secours populaire Aujourd’hui encore, 1 enfant sur 3 ne part pas en vacances. Après le 15 août, l’enfant qui n’est pas parti en vacances, a peu de chance de parti Abdelsem Ghazi, Secrétaire Général du Secours populaire de Paris,

Exposition personnelle de Shun Okada à la Galerie Sato. Inspirées des premiers jeux vidéo, les peintures de Shun Okada explorent l’instant où la progression se fige. Le temps se suspend, l’espace vacille, un bruit visuel apparaît. Dans cet état suspendu, la pause n’est pas vide. Elle est chargée, saturée, irrésolue. Ce qui reste devient bruit. PAUSE | Shun Okada Cette exposition se déploie comme un état de suspension. Non pas une fin, mais une pause, le moment où un système cesse de progresser tout en demeurant actif. Le temps hésite. L’espace se maintient. Le flux est interrompu. Ce qui suit n’est pas le silence, mais le bruit. Conçue comme la plus vaste exposition personnelle de Shun Okada à ce jour, cette présentation réunit des peintures récentes et un ensemble de grandes œuvres réalisées en 2015. Plutôt que de retracer une évolution linéaire, l’exposition propose une lecture en boucle : une circulation continue entre passé et présent, où les œuvres antérieures ne fonctionnent pas comme des origines, mais comme des composantes actives d’un système momentanément suspendu. Ce qui peut apparaître comme de l’abstraction dans le travail d’Okada n’est pas un choix stylistique, mais le symptôme visible d’un système sous tension. Ancrées dans la logique des premiers jeux vidéo et des environnements pixelisés, ses peintures ne citent pas l’imagerie numérique : elles en poussent les structures jusqu’au point d’interruption. Le pixel n’est plus une unité d’image, mais une unité de mémoire, chargée de répétition, de latence, d’erreur et d’accumulation. Shun Okada ne peint pas des jeux ; il peint ce qui reste lorsque la progression est mise en pause. Ses œuvres existent dans un état suspendu, où l’avancée se rompt sans disparaître. Le temps ne s’écoule plus vers l’avant, l’espace devient instable, et un bruit visuel émerge — fait de densité, d’interférences et de résidus. Si sa pratique est profondément nourrie par la culture numérique, elle demeure solidement ancrée dans la peinture. En dialogue avec les traditions impressionnistes et postimpressionnistes, Okada construit ces perturbations par un processus physique et minutieux, élaborant ses surfaces à l’aide de coups de pinceau horizontaux à l’huile, déposés millimètre par millimètre. De subtiles variations apparaissent alors au cœur de l’image, là où le contrôle et l’instabilité coexistent. Cette approche inscrit Okada dans une génération post-Superflat, tout en l’éloignant des esthétiques fondées sur la surface. Là où le Superflat privilégie la planéité et la clarté, Okada travaille par saturation, compression et fracture. Ses peintures ne réduisent pas l’image : elles la surchargent. La surface devient un espace de pression, où la logique numérique entre en collision avec la résistance matérielle de la peinture à l’huile. Les grandes œuvres réalisées en 2015 occupent une place centrale dans l’exposition. Loin d’être présentées comme des œuvres de jeunesse, elles fonctionnent comme un matériau source. Excessives et instinctives, elles contiennent déjà les tensions qui structurent encore aujourd’hui la pratique d’Okada. Relues depuis le présent, elles révèlent que l’avenir de son travail y était déjà inscrit, en attente de réactivation. Né en 1992 à Ibaraki, au Japon, Shun Okada s’est formé à la peinture à la Tokyo Zokei University avant d’achever ses études supérieures à la Tama Art University. Son travail a été présenté à l’international, notamment à Tokyo, Hong Kong, Paris, Séoul, Moscou et Los Angeles. Dans cette exposition, la pause n’est pas vide. Elle est chargée, saturée, irrésolue. La progression est suspendue — et ce qui reste devient bruit. Exposition: Du 19 mars au 5 avril de 11h à 19h (Ouvert du Mardi au Samedi, exceptionnellement le 5 avril ) Vernissage: Mercredi 18 mars, de 17h à 21h Galerie Sato 58 rue Charlot, 75003 Paris

Du 29 mars au 2 mai 2026, la galerie Galerie Les filles du calvaire présente Rouge, Vert, Bleu, une exposition d’Abdelhak Benallou. À travers sa peinture, l’artiste développe une réflexion sensible sur les comportements et les relations sociales, interrogeant les dynamiques intergénérationnelles et les mutations induites par les transformations technologiques. Ses toiles, d’un réalisme saisissant, captivent d’abord par leur maîtrise technique. Mais au-delà de la virtuosité, c’est la densité émotionnelle et la précision presque tactile de son regard qui retiennent l’attention. En jouant avec les effets de clair-obscur et les artifices de la lumière, Abdelhak Benallou propose une vision singulière, où le réalisme pictural devient vecteur d’étrangeté. À travers une série de grands formats, l’artiste explore les relations sociales et les identités à l’ère numérique. Nourries de références aux maîtres anciens — de Rembrandt à Diego Velazquez — ses peintures conjuguent virtuosité technique et esthétique contemporaine. Les figures, souvent isolées dans des intérieurs épurés, sont baignées de lumières artificielles rouges, vertes ou bleues évoquant les écrans. Entre présence et distance, réalisme et étrangeté, Rouge, Vert, Bleu met en tension la tradition picturale et les mutations technologiques, offrant une réflexion sensible sur une humanité hyperconnectée, à la fois proche et profondément seule.

Du 12 mars au 25 avril 2026, la galerie Galerie Les filles du calvaire présente la première exposition personnelle de Julia Haumont, sculptrice et céramiste formée aux Beaux-Arts. Intitulée Dans ma robe, couleur du temps, l’exposition explore ce moment fragile où l’enfance bascule vers l’adolescence. À travers un ensemble de sculptures, textiles et gravures, l’artiste met en scène une figure féminine juvénile, démultipliée, saisie dans des postures d’étirement ou de danse. Ces corps, à la fois singuliers et pluriels, évoquent l’intimité collective des cours de danse, avant l’apparition des premières pudeurs. À l’étage, le parcours se fait plus introspectif : une jeune fille en robe de mariée – fragment emprunté à l’univers de Jacques Demy et à son Peau d’Âne  – incarne l’éveil à la conscience du corps, du regard et du désir. Entre déchirure, métamorphose et apparition d’une figure d’Arlequin, l’exposition interroge les récits qui façonnent l’imaginaire féminin, du conte au mythe du « plus beau jour de la vie ». En filigrane, l’artiste convoque aussi bien les réflexions de l’autrice américaine Melissa Febos que l’histoire de l’art, de Edgar Degas à la figure troublante de la jeune danseuse. À travers une progression sensible des œuvres, Dans ma robe, couleur du temps tisse le récit d’une adolescence en tension — entre innocence et construction sociale, entre effusion et malaise — et invite à relire les histoires qui conditionnent notre rapport au corps et au féminin.

Abdelkader Benchamma présente Signs and Wonders, sa quatrième exposition personnelle à la Galerie Templon. L’artiste y transforme l’espace en un vaste manuscrit contemporain, où le dessin devient énergie, envahissant murs et surfaces dans un jeu d’échelles fascinant. Longtemps marqué par le noir et blanc, son travail explore désormais la couleur à travers des formats inédits, entre fresque et tableau. Nourries de références littéraires, ethnologiques et ésotériques, ses œuvres composent un atlas imaginaire situé à la frontière du visible et de l’invisible. L’exposition puise notamment dans deux manuscrits anciens : le Kitab al-Bulhan (Livre des merveilles), traité médiéval mêlant astronomie, magie et figures mythiques, et le Book of Miracles, recueil allemand du XVIe siècle relatant prodiges et visions apocalyptiques. En écho à ces récits anciens, Benchamma convoque également des mythologies contemporaines, des phénomènes célestes aux spéculations sur les OVNI, révélant la permanence des peurs et des croyances à travers les siècles. Pensée comme un organisme en mouvement, Signs and Wonders fait de la galerie un espace traversé de passages vers d’autres mondes, oscillant entre inquiétude cosmique et désir de réenchantement. L’exposition marque un moment clé dans le parcours de l’artiste, qui rejoindra en 2026 la Villa Albertine à New York pour une résidence de recherche consacrée aux archives de l’American Society for Psychical Research.

Cecilia Edefalk est l’une des références incontournables de l’art contemporain en Suède. Depuis les années 1980, elle développe une œuvre intuitive et personnelle qui, partant d’images préexistantes et de formes figuratives, s’oriente progressivement vers une expression plus abstraite. Sa pratique mêle souvenirs, visions, motifs hérités de l’histoire de l’art et éléments de la nature. Depuis de nombreuses années, Cecilia Edefalk entretient des conversations avec des artistes disparu·es – Hilma af Klint, parmi d’autres – qu’elle documente et intègre à son processus de travail. La première discussion a eu lieu avec l’artiste et écrivain August Strindberg, qui l’a approchée dans un parc de Stockholm et aujourd’hui guidée dans le choix des œuvres pour cette exposition. Un ouvrage publié en 2024 aux éditions Ersatz rassemblent les dialogues de l’artiste avec ses confrères et consœurs défuntes. Des extraits traduits en français accompagnent l’exposition. Le travail de Cecilia Edefalk a toujours dialogué avec son époque et participé à l’émergence de questionnements artistiques. Mais aujourd’hui, alors que sa carrière s’étend sur plusieurs décennies et qu’elle a bâti une œuvre considérable, le vacarme du présent semble se retirer pour laisser entendre plus nettement sa voix unique. Ses œuvres sont une concentration de vie, de différentes formes d’expressions et techniques, et de grandes questions, artistiques ou existentielles. L’exposition invite à découvrir une œuvre subtile et profondément personnelle, attentive aux forces qui relient les êtres, les images et le temps qui les traverse. Elle révèle la manière dont Cecilia Edefalk prolonge, aujourd’hui, les courants spirituels et artistiques venus du Nord. L’exposition comprendra la diffusion en continu d’un documentaire inédit intitulé Cecilia Edefalk, Jag är inte här, jag drömmer (« Je ne suis pas là, je rêve »), en suédois sous-titré français. Cecilia Edefalk est née en 1954 à Norrköping, dans l’est de la Suède. Elle a été formée à Konstfack et à l’Académie royale des beaux-arts de Stockholm. Son œuvre a été présentée au Moderna Museet à Stockholm, à Kunsthalle Bern, au Whitney Museum à New York, au Berkeley Art Museum, au Kunsthalle Kiel, à BOZAR à Bruxelles, ainsi qu’en dialogue avec Hilma af Klint au Nordic Watercolour Museum près de Göteborg. En 2020, une vaste rétrospective lui a été consacrée au Norrköpings konstmuseum. Elle a participé à la Biennale de São Paulo en 1994 et à Documenta 11 en 2002. Remerciements à l’Ambassade de Suède en France. Merci tout particulier aux ami·es et bienfaiteur·rices de l’Institut suédois pour leur généreux soutien. Informations pratiques Entrée libre sans réservation