Que faire à Le Vésinet cette semaine du 4 au 10 mai 2026 ?

François Salque, violoncelle / Vincent Lê Quang saxophone / Fédia Amice guitare / Baptiste Archimbaud contrebasse Vincent Lê Quang et François Salque allient créativité exceptionnelle et déconcertante virtuosité ! Leur élégance, leur intelligence féconde et leur maitrise des différents langages, sur quatre siècles d'histoire de la musique, leur permettent d'offrir, en compagnie de leurs partenaires de très haut vol, un fascinant panorama de standards revisités avec brio et de compositions originales innovantes inspirées des différentes traditions de l'histoire du jazz, plus savoureuses les unes que les autres. Un jazz poétique où s'épanouit à chaque instant richesse mélodique et foisonnement harmonique dans de magnifiques cascades sonores novatrices ! "_Une langue nouvelle s'invente : rayonnante, provocatrice, déchirante ou jubilatoire !_ " - Sud-ouest

Durant les vacances d'avril, la Maison de la culture du Japon à Paris invite les enfants à des ateliers et des activités autour de la culture nipponne. Voici les ateliers et les activités proposées pendant les vacances. Entre stages intensifs, ateliers, et jeux, chacun y devrait trouver son bonheur !

Le musée du quai Branly-Jacques Chrirac vous invite à plonger au cœur d’une décennie révolutionnaire où l’art, la guerre et les cultures du monde se croisent pour redessiner notre modernité. Une exposition immersive et inédite.

En février 1976, la bibliothèque Trocadéro ouvrait ses portes pour la première fois dans le Paris des années 1970. En 2026, plongeons dans ce Paris d'il y a 50 ans par la magie de la collection "C'était Paris" de la Bibliothèque historique de la Ville de Paris (BHVP). La bibliothèque Germaine Tillion (ex-Trocadéro) propose un aperçu du 16e arrondissement en 1970 à travers un choix de 20 clichés. En 1970, la Fnac organisa un grand concours photo, sous l’impulsion de la Mairie de Paris. En effet le visage de la capitale se métamorphosait. L’idée fut alors de conserver une image, un souvenir, une trace de ce moment où tout était en train de changer. Ainsi, pendant les deux mois du printemps 1970, des milliers de photographes amateurs arpentèrent la ville et la mirent en boîte pour la figer. C’est grâce à ces «  témoins sur commande  » animés d’une vraie volonté politique de documenter les transformations de Paris, que naquit ce fonds exceptionnel. Paris fut divisé en 1 755 carrés de 250 m sur 250 m et chacun des plus de 2 000 participants tirèrent au sort un carré à photographier. Le fonds, ainsi recueilli par la Fnac puis cédé à la Ville de Paris en 1970, se trouve constitué des dossiers de candidature des photographes amateurs, incluant les photos soigneusement sélectionnées par leur auteur et soumises au concours. Au total, ce fonds hors du commun regroupe plus de 100 000 documents  : 70 0000 tirages en noir et blanc et 30 000 diapositives en couleurs. Les 30 000 diapositives ont été numérisées récemment. C'est parmi elles qu'une vingtaine de clichés, des carrés 665 à 706, ont été choisis. Très loin d'un Paris qu'on imaginerait volontiers "pop", on découvre une ville marquée par une vie qui nous apparaît exotique mais aussi éternelle. Pour partir à la découverte de Paris en 1970 ou https://bibliotheques-specialisees.paris.fr/archives-manuscrits/les-inventairespuis Bibliothèque historique de la Ville de Paris et Archives du concours de photographie amateur C'était Paris en 1970 Dans le cadre de L'Original du mois et du cinquantenaire de la bibliothèque Germaine Tillion/Trocadéro. ; Crédits : Bibliothèque Germaine Tillion

Les œuvres de Benoît Piéron proposent des expériences de temps suspendu, d’attente, d’hallucination et de rêverie par le détournement d’une esthétique fonctionnelle et sanitaire. En réinsérant de la douceur et du désir où ils ont été évacués, l’artiste déploie des récits alternatifs autour des corps, des affects et des espaces liés à la maladie. Plus récemment, la découverte de son intersexuation est venue enrichir le regard que porte Benoît Piéron sur le traitement politique de certaines existences. Cette nouvelle exposition présente un film érotique et abstrait sous la forme d’un théâtre d’ombres, projeté dans une mise en scène d’une inquiétante étrangeté. Empruntant au design fonctionnel urbain comme au registre du merveilleux, ce décor trouble donne ainsi forme à la notion d’impermanence – des statuts, des identités, des états physiques et psychiques – pour devenir un lieu d’imagination collective.

Du 18e siècle à la vague K-Pop, découvrez les racines d’une esthétique qui a conquis le monde ! Puissance culturelle majeure, la Corée du Sud modèle désormais les tendances et inspire une génération globalisée. Au sommet de cette vague, la K-Beauty impose une approche holistique de la beauté, typiquement coréenne, et établit une véritable esthétique. Dépassant la simple cosmétique, elle forge de nouvelles normes ainsi qu’une imagerie marquante et singulière. Réunissant des chefs-d’œuvre issus des collections du musée Guimet et de grandes institutions sud-coréennes (peintures, photos, publicités, robes et accessoires de beauté du 18e siècle à nos jours) l’exposition « K-Beauty » en décrypte les codes et montre comment ceux-ci s’inscrivent dans une tradition séculaire, entre équilibre et vertu, naturel et sophistication. À la fin du 18e siècle, la Corée dominée par le courant néo-confucianiste célèbre une esthétique féminine particulière : vêtements fluides, peau pâle, maquillage et coiffures raffinées. Les peintres qui immortalisent ces beautés, dont Shin Yun-bok, participent à l’élaboration d’un patrimoine visuel qui influence durablement la culture populaire coréenne. Cette culture raffinée, où les cosmétiques puisent dans la pharmacopée traditionnelle, lie beauté, harmonie et équilibre intérieur. Marqué par des dominations et influences étrangères successives, le 20e siècle en Corée voit l’émergence de codes esthétiques nouveaux. Photographie, cinéma et industrie cosmétique naissante diffusent et ancrent ces nouvelles normes tandis que le « miracle économique coréen » met patrimoine, art et cosmétique au cœur du discours culturel. Dès les années 2000, la Hallyu (la vague coréenne) consacre le soft power sud-coréen : la K-Beauty, mêlant tradition et innovation, marque le cinéma, la mode, la littérature mais aussi la K-Pop, et conquiert le monde entier. À travers cette exposition, les visiteurs découvriront comment s’est consolidée une esthétique proprement coréenne, dont certains canons - forgés depuis le royaume du Joseon tardif (1392-1910) - ont conservé leur attrait jusqu’à nos jours et ont fait l’objet d’hommages et de nombreuses relectures. « K-Beauty » met en lumière l’évolution mais aussi la pérennité du concept de beauté coréenne, de la seconde moitié du 18e siècle au monde contemporain globalisé.

Cette année, la capitale va vibrer au rythme des derbies qui opposeront ses différents clubs. Petit tour d'horizon des échéances à ne pas manquer. Football Masculin Dimanche 4 janvier : PSG - PFC, 17e journée de Ligue 1, Parc des Princes (16e) Lundi 12 janvier : PSG - PFC, 16e de finale de la Coupe de France, Parc des Princes (16e) Dimanche 17 mai : PFC - PSG, 34e journée de Ligue 1, stade Jean Bouin (16e) Féminin Samedi 7 février : PFC - PSG, 15e journée d'Arkema Première Ligue Et pour ne rien rater de l'actu sportive, on s'abonne à la NL du mercredi !

Par leur simple évocation, les « momies » ravivent tout un imaginaire qui ramène à l’Égypte antique. Pourtant, la momification dépasse largement ce cadre spatio-temporel. Cette nouvelle exposition propose d’explorer l’histoire de quelques individus momifiés, de découvrir l’importance et la diversité de cette pratique à travers le monde, et d’interroger ses processus de patrimonialisation. Intrigantes, fascinantes, parfois terrifiantes, les « momies » inspirent un grand nombre d’œuvres et de récits. On les retrouve dans les films, séries, livres et bandes dessinées, où elles sont enfouies dans des tombeaux, dissimulées dans des sarcophages dorés, le corps couvert de bandelettes usées. Cette popularité a participé à forger un archétype de « la momie » qui les fige dans l’espace et dans le temps car, le plus souvent, ces images qui nous viennent à l’esprit renvoient à l’Égypte antique. Pourtant, la momification est une pratique qui remonte à plus loin ! Les plus anciens corps momifiés connus à ce jour datent de 9 000 ans et appartiennent à la culture des Chinchorros. Découverts sur un territoire situé entre le Pérou et le Chili actuels, ils sont une preuve que cette pratique existe à différents endroits de la planète. En témoignent également l’enfant momifié retrouvé en 1756 aux Martres-d'Artières, en plein cœur de la campagne auvergnate ; la jeune reine de culture guanche provenant des îles Canaries ou encore la « momie Chachapoya » des Andes péruviennes qui a été exposée au musée d’Ethnographie du Trocadéro dès 1878 et a inspiré le peintre Edvard Munch pour son célèbre tableau intitulé Le Cri. Depuis les temps anciens, la momification perdure et ce jusqu’à aujourd’hui, où elle est encore pratiquée dans de nombreuses sociétés. L'exposition À la rencontre des « momies » L’exposition vous propose d’aller à la rencontre de personnes qui ont été intentionnellement momifiées, que ce soit en Amérique du sud, en Égypte, en France ou ailleurs, car si la momification naturelle existe, la majorité des personnes retrouvées momifiées l’ont décidé. Elle interroge aussi la place que ces individus occupent au sein de leur société, avant et après leur momification. Alors que le corps est naturellement voué à disparaître, l’exposition vous invite à explorer les raisons qui ont poussé tant de cultures à opter pour l’une des pratiques les plus poussées en termes de préservation du corps. Techniques et rites de momification Présentés allongés, assis ou accroupis, le corps dénudé, habillé ou couvert de bandelettes, ces témoins du passé, dont l’apparence s’éloigne des clichés habituels, nous transmettent des indices sur la manière dont leur corps a été transformé pour pouvoir traverser les âges. Ce processus très codifié fait appel à des spécialistes du funéraire et s’accompagne d’un certain nombre de rites. À travers quelques objets emblématiques, notamment du mobilier funéraire, des illustrations et des dispositifs pédagogiques, l’exposition vous fait découvrir une grande variété de techniques et rites de momification. De l’Égyptomanie aux enjeux de conservation des restes humains À travers des archives inédites, l’exposition revient sur l’essor de l’archéologie et la création des musées dans son sillage. En effet, au XIXe siècle, l’archéologie est en vogue mais les fouilles, menées avec frénésie par les puissances coloniales. Ainsi, de nombreux corps momifiés intègrent les collections des musées occidentaux et attisent la curiosité du public, en particulier lors d’événements populaires et médiatisés. Aujourd’hui, la démarche a évolué : les musées mènent des enquêtes de provenance et s’interrogent sur la trajectoire de ces défunts. Cette exposition est l’occasion de montrer les réflexions éthiques qui sont menées, notamment au Muséum, autour des enjeux de conservation et de présentation. Des recherches scientifiques pluridisciplinaires Enfin, l’étude scientifique des défunts momifiés fournit des réponses inédites sur les vies passées. Qui étaient-ils ? Quel était leur mode de vie ? À quoi pouvaient-ils bien ressembler ? Quel était leur condition physique avant de mourir ? Avaient-ils contracté une maladie ? Quel était leur rapport à la mort ? Autant de questions qui traversent la recherche. Découvrez comment, aujourd’hui, les scientifiques étudient et reconstituent la vie de ces défunts momifiés.