Paris 4e(Paris)

Swing — Originaire de région parisienne, Mathieu Meyer est un pianiste au profil éclectique, devenu une référence incontournable de la scène swing. Caméléon musical, du bebop au rock, en passant par la musique électronique, la musique africaine et l'accompagnement lyrique, il est aujourd'hui devenu un des pianistes les plus demandés sur la scène internationale de swing, ragtime et New Orleans. Guidé par son esprit de liberté et sa sensibilité propre, il opère sa propre synthèse des multiples influences qui le traversent, pour le plus grand bonheur du public qui apprécie son phrasé unique et son jeu espiègle. Il s'associe avec deux complices de longue date, Yann-Lou Bertrand et Ophélie Luminati, chacun avec leur personnalité forte, pour explorer les possibilités infinies du trio, dans les pas de ceux qui ont marqué le genre, d'Erroll Garner à Ahmad Jamal, mais aussi des grands maîtres d'avant-guerre qui se sont pliés à l'exercice : Earl Hines, Teddy Wilson, Art Tatum… Entre standards modernes, classiques revisités et compositions, un programme surprenant qui ne laissera personne indifférent. Mathieu Meyer  : piano Yann-Lou Bertrand  : contrebasse Ophélie Luminati  : batterie Le 38Riv : Situé en plein coeur du Marais, le 38Riv est un club de jazz et bar intimiste. C’est le lieu de toutes les rencontres musicales : du jazz au latin jazz en passant par le funk et le baroque. Sa cave voutée du 12e siècle offre une acoustique chaleureuse et authentique.

Fidèle à son engagement à contribuer à favorise une visibilité des artistes lauréat·es, Carré sur Seine poursuit son partenariat avec le Centre Wallonie-Bruxelles I Paris aka le Vaisseau, où se tiendra l’exposition « Indices de présence » au printemps 2026. En cette édition, une greffe avec ArtContest, concours annuel d’art contemporain de référence pour les jeunes artistes belges ou résidant en Belgique de 35 ans, sera opérée et offrira la découverte d’œuvres de trois lauréat·es de ce dispositif : Helen Anna Flanagan, Shervin Sheik Rezaei & Ugo Woatzi. Leurs œuvres seront exposées dans le Bunker du Centre et en cour 2. En cour 1, seront par ailleurs dévoilées deux créations de Jonathan Sullam : CRUNCH 6 et SLICE OF TIME. Par réciprocité, en septembre 2026, seront exposé.es trois artistes issu.es de l’exposition «  Indices de présence  » du Prix Carré sur Seine au Botanique à Bruxelles, à la faveur de l’édition 2026 d’ArtContest. Depuis presque 15 ans, Carré sur Seine s’est imposé comme un véritable accélérateur d’opportunités et un espace de rencontres fertiles entre artistes et professionnels du monde de l’art. Pensé hors des logiques de marché, le dispositif favorise les échanges, la transmission et les liens durables, transformant la rencontre en tremplin. LES FINALISTES 2025 : UNE GÉNÉRATION ENGAGÉE, REFLET DES MONDES CONTEMPORAINS Le jury a retenu dix artistes dont les démarches, à la fois exigeantes et ancrées dans le présent, témoignent d’une génération ouverte, mobile et consciente des enjeux contemporains. Âgés en moyenne d’une trentaine d’années (cinq femmes, cinq hommes), les finalistes incarnent une scène internationale attentive aux questions d’identité, de mémoire, aux formes et usages du numérique. Leurs pratiques - du volume à la performance, de la vidéo à l’art numérique, révèlent un dialogue fécond entre le tangible et le virtuel, le corps et la machine, l’intime et le collectif. Cette édition affirme un véritable parti pris : celui d’une création hybride, libre, en résonance directe avec les mutations du monde. Les œuvres de Maxime Bagni, Alisa Berger, Anna de Castro Barbosa, Léa Collet, Lina Filipovich, Pablo Hnatow, Yosra Mojtahedi, Gabriel Moraes Aquino, Jonathan Potana et Gaspar Willmann seront réunies pour une exposition collective reflétant cette vitalité et cette diversité.

A découvrir au Vaisseau Centre, les installations « CRUNCH VI » & « SLICE OF TIME » de Jonathan Sullam. CRUNCH VI , 2026, Création Impression digitale et Sérigraphie à l’encre sur aluminium 200 x 200 x 140 cm Le projet de série Crunch est une exploration sur l’exode de la famille de l’artiste qui prend genèse dans le bassin méditerranéen et le Moyen-Orient. Sur cinq générations, des mouvements migratoires auront connu l’exil en Syrie, en Égypte, en Turquie et au Liban. Plus spécifiquement, l’observation historique des migrations s’est toujours fondée sur le point de vue des individus traversant les frontières et territoires. Le projet Crunch aborde la définition de l’exil comme le lieu à partir duquel les gens ont été effacés plutôt que des gens fuyant vers un ailleurs. Cette hypothèse tente de réinitialiser la question d’une identité culturelle et territoriale : comment celle-ci peut-elle se proclamer si une partie en est rejetée ? Crunch propose une matérialisation de ce postulat, à savoir l’exil comme une mise à distance, une sorte d’étirement spatial du lieu qui a été abandonné et parallèlement une volonté de résoudre cette réalité par l’aspiration de réduire et d’en compresser l’écart. Le processus de travail est le suivant : les images sont imprimées numériquement sur aluminium, puis retravaillées avec des techniques de sérigraphie, créant un ensemble de textures réfléchissantes et de superpositions qui remettent en question la lecture des images originales. Ces dernières sont comprimées modifiant la forme physique de l’œuvre, introduisant un élément d’imprévisibilité et altérant la lecture de l’œuvre. Aucun membre de la famille n’est présenté, effacé de chaque image, l’artiste propose des toiles de fond floues qui rappellent un lieu lointain et abandonné. De plus, ce point de référence interprète l’exil comme le lieu d’où les gens ont été effacés plutôt que comme des gens fuyant vers un autre pays, remettant en question l’idée d’une identité territoriale sans communauté. Jonathan Sullam accorde aux histoires qui lui ont été transmises l’importance de la fiction et la façon dont elles incarnent à leur tour un sens profond. La plupart de ces lieux ont été décrits en termes idylliques, devenant des souvenirs vivants d’expériences non vécues. Ils vivent à l’intérieur de l’individu, dans le présent, confrontés à lui. Les événements historiques traumatisants tels que la question de l’exil sont difficiles à transmettre, mais l’un des défis est d’essayer de recréer une expérience physique qui remet en question la logique d’acceptation et d’accoutumance qui accompagne de tels circonstances. Le principe est de montrer ce qui a disparu, comme une sorte d’archéologie immatérielle des individus via des lieux ou des villes, mais aussi comme un document qui témoigne de ce qui s’est passé. À une époque caractérisée par l’imagerie numérique éphémère, où les photographies n’ont de valeur temporelle que d’une seconde en moyenne, l’acte de réutiliser d’anciennes photographies pour les reconstituer apparaît comme une intervention critique dans le discours de la mémoire, de l’identité et de la représentation culturelle. Cette pratique transcende la simple nostalgie, il s’agit d’une forme d’engagement matériel avec le passé qui remet en question la nature même de la consommation visuelle dans la société contemporaine. En transformant des images éphémères en artefacts tangibles, nous perturbons les récits socio-technologiques dominants qui donnent la priorité à l’instantané et au superflu. La reconstitution de ces photographies sert de mécanisme pour offrir des expériences alternatives au-delà de leurs contextes d’origine. Ce processus met en évidence les complexités de la mémoire, à la fois collective et individuelle et nous incite à réfléchir à la manière dont nos souvenirs sont affectés par la technologie, la temporalité et l’acte de représentation lui-même. En s’engageant dans ces images imprimées, l’artiste Jonathan Sullam soutient une réflexion critique, interrogeant les dynamiques de pouvoir inhérentes à la culture visuelle et à la marchandisation de la mémoire. En outre, cette interaction entre le passé et le présent critique l’obsession contemporaine pour l’immédiateté et le caractère jetable de l’image numérique. En mettant l’accent sur la permanence de l’image physique, l’artiste plaide pour un engagement plus profond avec les récits qu’elle contient, en éclairant la manière dont ces moments remettent en question ou renforcent les constructions liées à la société. Ce faisant, Joanathan Sullam n’est pas simplement conservateur de la nostalgie mais participe à un discours qui cherche à articuler les intersections de l’histoire, de la mémoire et de l’identité dans un monde de plus en plus fragmenté. Cette récupération de la fabrication des images encourage à repenser l’éthique de la représentation et les implications de nos pratiques visuelles, affirmant finalement la résilience de l’expérience humaine face à un paysage culturel en évolution rapide. SLICE OF TIME , 2021, Image imprimée, néon, pied de batterie transfo 120 x 30 x 40 cm Autour de l’installation CRUNCH VI, seront exposés de façon inédite trois éléments sculpturaux constitués de néons extraits de l’installation SLICE OF TIME, composée de tubes fluorescents, recouverts d’images issues du télescope spatial Hubble. Ces vues d’étoiles, dont beaucoup sont déjà mortes, incarnent une réflexion sur le temps perçu comme un objet, aux dimensions infinies. Elles mettent en lumière la coexistence complexe du temps et de l’espace, deux notions inséparables dans leur relation. La relativité restreinte montre que la distance dans l’espace et celle dans le temps sont intrinsèquement liées : plus un déplacement est rapide dans l’espace, plus le temps se contracte ou ralentit. Ainsi, le temps et l’espace forment un paysage flexible et dynamique, déformé par la matière, où chaque mouvement dans l’un influence la mesure de l’autre. Chaque objet ou individu trace sa propre trajectoire à travers ce tissu, qu’on appelle la « ligne d’univers », reliant tous les événements—passés, présents et futurs. L’œuvre de Sullam se déploie alors sur cette toile cosmique, évoquant la manière dont la perception du temps peut fluctuer selon l’état de l’œuvre et le contexte d’observation. De plus, cette expérience se déploie en deux temporalités complémentaires. La première, celle du temps écoulé, est perceptible à travers le gaz néon qui illumine l’image, permettant de la voir concrètement. La seconde, celle du néon éteint, active la mémoire de l’image, évoquant ainsi la dimension intemporelle et subjective de l’œuvre. En somme, Sullam invite à une réflexion sur la relativité de la perception, où le temps et l’espace sont constants mais toujours en fluctuation, dépendant de notre position, de notre mouvement, et de l’état de l’œuvre elle-même. Jonathan Sullam utilise des matériaux industriels comme une référence à une ère post-industrielle où l’artiste est autorisé à intervenir et à en modifier l’utilisation, en soustrayant les fonctions assignées, inventant l’objectif et l’expérience du matériau afin de lui adjoindre une poésie, une histoire. Son travail protéiforme se caractérise par une fusion poétique entre la notion de territoire et les histoires qui ont marqué un espace donné. Une coalescence dans laquelle il intègre sa propre mythologie, donnant naissance à de nouveaux champs d’expérimentation. Ces réflexions explorent l’image, la matière et la mémoire, offrant une réflexion sur notre rapport au passé et à l’espace. Le travail examine la diaspora de la famille de l’artiste, exilée de différents pays du Moyen-Orient. Les œuvres naviguent entre présence et absence, une manière d’exister qui reflète l’histoire familiale liée aux déplacements et aux éloignements vécus, ainsi qu’à l’interprétation que l’artiste en a faite. L’ascendance de Jonathan Sullam s’étend sur plusieurs générations d’exil : les membres de la famille ont dû fuir l’Europe, subir les expulsions du foyer d’Égypte, de la Syrie ou d’Irak lorsque les pouvoirs en place se sont retournés contre leurs citoyens. De chaque patrie qu’ils ont quittée, les membres ont rapporté des langues, des cultures, des habitudes, ainsi que des photographies. Ces archives et cette mémoire collective ont fortement influencé le travail de l’artiste, qui se manifeste à travers une contemplation des lieux dont sa famille a dû s’éloigner.

En parallèle du spectacle jeune public "Le Poisson qui vivait dans les arbres" présenté au Théâtre de la Ville du 8 au 11 avril 2026, la bibliothèque Arthur Rimbaud accueillera le travail d'Hervé Walbecq pour une exposition du 24 mars au 18 avril 2026. Hervé Walbecq est auteur, dessinateur et comédien. Son travail prend essentiellement sa source dans l’enfance et le monde animal. Depuis quelques années, il développe également un travail plastique en partenariat avec différentes structures politiques ou culturelles. Ses livres sont publiés aux éditions de l’Ecole des Loisirs ainsi qu’à La Joie de Lire. Son Histoire du Chien qui avait une ombre d’enfant a reçu la “pépite du meilleur roman francophone 2016” au salon de Montreuil. Son travail de comédien et d’auteur sont étroitement liés. Il a co-écrit avec Dorian Rossel L’Oiseau Migrateur et La pièce Le voleur d’animau x, montée par Pierre Guillois, est en quelque sorte la suite de ce travail : passage de l’enfance à l’adolescence, passage de la craie à la terre. Bijou de sensibilité et d’humour, le spectacle Le Poisson qui vivait dans les arbres de Sylvain Riéjou et d'Hervé Walbecq signe la rencontre de la danse et du dessin. La bibliothèque vous propose de découvrir une œuvre graphique et plastique singulière et poétique, sensible et délicate : dessins, figurines, mobiles… Découvrir les créations d'Hervé Walbecq : Hervé Walbecq – Auteur, dessinateur et comédien En savoir plus sur le spectacle : LE POISSON QUI VIVAIT DANS LES ARBRES… avec deux danseurs - Théâtre de la ville de Paris Entrée libre aux heures d'ouverture de la bibliothèque. Tous publics.

Un voyage entre quête de l’impossible et rêves d’émancipation les plus fous. Connaît-on vraiment Emma Bovary ? Pour les uns, elle n’est qu’une scandaleuse bourgeoise de province. Pour d’autres, une icône féministe. Depuis 1857, elle a été analysée sous toutes les coutures. Personnage énigmatique et fascinant, Emma Bovary a traversé les siècles. Éprise de liberté, elle ne cesse de se heurter aux interdits d’une société patriarcale, hypocrite et pudibonde. Christophe Honoré convoque le cirque, la pantomime et le cinéma pour brosser le portrait d’une héroïne qui retrouve le souffle de ses désirs et de ses espérances. Pour en finir avec nos jugements sur la vie et les choix d’une femme. On retrouve ici la famille d’actrices et d’acteurs du metteur en scène, et c’est à Ludivine Sagnier qu’il a confié le rôle d’Emma, celui d’une femme qui n’a jamais renoncé à son destin. Louise Sablon

Comme les étoiles du ciel propose une réflexion sur l’àṣẹ2 à travers le prisme de la filiation, des traumatismes de l’enfance et de la protection. Le titre de l’installation provient de la Genèse : « Et je multiplierai ta semence comme les étoiles du ciel » (26 : 4-5). Cette phrase apparaît à l’artiste alors qu’il suit l’enterrement de son grand-père au Nigéria depuis le Brésil. Malgré la distance – géographique et existentielle – qui les sépare désormais, l’élan vital de l’un perdure dans l’autre, et dans l’ensemble de sa descendance aujourd’hui dispersée à travers le monde. Le lien entre le Nigéria et le Brésil, où la culture yorùbá¹ s’est maintenue et transformée, fait écho aux trajectoires diasporiques ayant conduit à cet éparpillement transatlantique. Comme les étoiles du ciel propose une réflexion sur l’àṣẹ2 à travers le prisme de la filiation, des traumatismes de l’enfance et de la protection. L’àṣẹ, que l’on peut traduire par « la force qui permet aux choses de se réaliser », est une énergie qui infuse la matière : à la fois souffle vital et capacité d’agir sur le monde. Cette continuité du flux d’àṣẹ, transmis de génération en génération, n’est pas seulement source d’émerveillement : elle est aussi douloureuse. Les traumatismes générationnels inhérents à la filiation (grand-père, père, fils) et à la violence paternelle sont mis en résonance avec des gestes de soin et de protection qui se transmettent eux aussi de père en fils. Savons, poudres magiques et objets rituels deviennent les vecteurs de ce que l’artiste nomme comme « African self-care », à la fois intime et spirituel. 1 Ensemble culturel d’Afrique de l’Ouest (né principalement dans l’actuel Nigéria) dont les traditions, notamment religieuses, se sont largement diffusées dans les Amériques à la suite des diasporas issues de l’esclavage. 2  Terme issu de la tradition religieuse yorùbá désignant la force qui permet aux choses d’advenir et de produire le changement, ainsi que l’autorité sociale qui découlent de ce pouvoir. Kévin-Adémọlá Ṣàngósànyà (France/Nigeria) est actuellement en résidence par le biais du programme 2-12

En deuxième partie de Saison, MEP Studio accueille l'artiste anglais Johny Pitts. « La première fois que j’ai entendu ce mot, cela m’a encouragé à me considérer comme entier, sans trait d’union. Ce mot m’obligeait à repenser mon identité dans sa globalité sans rémission possible. J’étais donc afropéen— un espace ouvert dans lequel la culture noire participe à la formation d’identités européennes en général, peu importe que l’on parle de l’Afrique et de l’Europe et, par extension, du pays du Sud ou de l’Occident. Nul besoin d’ajouter « métisse ceci » ou « à moitié cela » ou « noir quelque chose ». Et pour cause : être noir en Europe ne voulait pas forcément dire que l’on était immigré. » — Johny Pitts, Afropean Black Bricolage rassemble photographies, carnets et documents qui témoignent des expériences noires en Europe et au-delà, entre 2004 et 2024. De Paris à Bruxelles, Amsterdam, Berlin, Stockholm, Moscou, Lisbonne, Rome, Marseille ou Saint-Paul-de-Vence, jusqu’aux œuvres plus récentes réalisées à Freetown, Salvador de Bahia et dans le Sud profond américain, Johny Pitts met en lumière des réalités afro-européennes et afro-diasporiques souvent invisibilisées ou mal représentées. Son approche refuse autant la nostalgie que les stéréotypes et privilégie l’ordinaire : les conversations informelles, les cafés, les centres communautaires, les trajets, les lieux de vie.Son travail se construit dans la proximité, l’écoute et l’échange, au contact d’ouvrier·es, d’activistes, de musicien·nes, d’éducateur·ices, d’étudiant·es et de chercheur·ses. Le regard mémoriel de Pitts relie chacune des villes qu’il visite à son passé colonial, son histoire et son présent. Il ne s’agit pas d’un regard surplombant, mais d’un ensemble de fragments, patiemment assemblés au fil des rencontres.

George Sand, dramaturge prolifique, s’est engagée toute sa vie dans l’aventure théâtrale, alternant succès et échecs, dans un 19e siècle où le théâtre occupe une place centrale. L’exposition explore ses racines familiales, ses créations de Nohant, ses grandes pièces et leurs liens avec ses romans, en soulignant la portée morale et politique de son œuvre. Dramaturge prolifique, George Sand a été habituée dès son plus jeune âge à apprécier le théâtre de son temps. Elle a elle-même écrit des oeuvres théâtrales presque jusqu'à ses derniers jours, alternant succès comme échecs, s'engageant avec passion dans l'aventure théâtrale, genre littéraire majeur au 19e siècle. L'exposition évoque notamment la tradition familiale du théâtre, les premiers essais de George Sand, le théâtre à Nohant, les grandes pièces -de Cosima au Marquis de Villemer-, les liens avec les romans - François le Champi, la Petite Fadette, …-, le projet moral et politique au coeur des motivations de George Sand, … Commissariat scientifique : Brigitte Krulic, professeur des Universités (université Paris-Ouest-Nanterre-La Défense), est spécialiste de l'histoire des idées politiques dans une perspective comparatiste France-Allemagne (19e-20e siècles). Co-commissaires : Julie Jolivet et Anne-Sophie Robert. Visites guidées : Le jeudi 16 avril à 18h, le samedi 25 avril à 11h et le mercredi 6 mai à 17h30. Je réserve !