Paris 4e(Paris)

Jazz traditionnel, standards — La chanteuse Sarah King, basée à New York, fait sa première apparition en France avec deux soirées de jazz intimistes et totalement différentes. Sa carrière s’étend du chant à la danse et au théâtre, avec une expérience allant de la performance de rue aux scènes de théâtre, du cinéma à la télévision, notamment dans The Marvelous Mrs. Maisel ainsi que sur les scènes Off-Broadway. Son interprétation nuancée et son approche ludique des standards de jazz témoignent d’un lien profond avec le jazz traditionnel et la musique populaire américaine des années 1920 aux années 1950. Accompagnée des musiciens locaux Clément Trimouille et Kim Baiunco, chaque soirée propose un programme unique. Sarah King  : voix Clement Trimouille  : guitare Kim Baiunco  : contrebasse Le 38Riv : Situé en plein coeur du Marais, le 38Riv est un club de jazz et bar intimiste. C’est le lieu de toutes les rencontres musicales : du jazz au latin jazz en passant par le funk et le baroque. Sa cave voutée du 12e siècle offre une acoustique chaleureuse et authentique.

Dans le cadre de la Rétrospective « William Klein : Films, etc. », cette séance vous invite à découvrir le film « Mode In France ». Le film sera précédé d’une sélection de 17 publicités réalisées par William Klein pour différents annonceurs. Parmi lesquels Dim, Yves Saint-Laurent, Le Bourget, Lux, Fabergé, Kelton, Renault, la Pie qui Chante… Klein a réalisé de très nombreuses publicités qui lui permettaient de financer ses projets. %i%Mode In France %/b% 80 minutes, 1985 Réalisation William Klein Sur une idée de Teri Wehn Damisch. Presque 20 ans après avoir réalisé Qui êtes-vous Polly Maggoo ? William Klein filme à nouveau le monde de la mode dont il se moque volontiers, mais qui le fascine malgré tout. Mode In France, qui est une commande du ministère de la Culture, devait être un film de promotion de la mode et des créateur·ices émergent·es en France. Finalement Klein livrera un anti-documentaire, carnaval de tout ce que la mode des années 80 avait d’expérimental et de décalé. C’est un monde au croisement des figures de la mode, de l’art contemporain, de la nuit parisienne et des années « Palace » que Klein filme à sa façon ; ironique, déconstruite et percutante. « Un film sur la MODE, sur le IN, en FRANCE. Mais c’est surtout un film, même douze films, allant du slapstick au polar, de la comédie au ballet, de la vidéo au collage. Grace Jones quitte James Bond pour Alaïa et Marivaux. Des enfants de quatre ans démontrent que l’habit fait le moine. Nous Deux psychodramatise : des mannequins, couchés en double page dans un confessionnel horizontal, s’épanchent. Dans un Hard Mode Shop, des obsédés ‘voyeurisent’ dans les cabines, Live et autres peep shows. Trois Mack Sennett covergirls traversent la mode du 20ème siècle en accéléré acrobatique. Des adolescents jouent la gamme de tous les looks possibles. Sapho devient caissière chantante, Tcheky Karyo, commissaire de police, est saisi par le fox-trot. Pour Castelbajac, Arielle Dombasle fait la meneuse de revue, Voulzy et des mannequins Voulzettes chantent, Ben et Di Rosa peignent des robes en direct. Un magicien met une soirée mondaine dans sa poche. Jean-Paul Gaultier habille tout un quartier de Paris, bouchers, ménagères et pickpockets. Etc. Etc. » William Klein

L’exposition Dialogue propose une rencontre entre plusieurs visions du glamour et de la mise en scène photographique. À travers les œuvres de Markus Klinko, William Helburn, Jean-Daniel Lorieux ou Ormond Gigli, se dessine une même fascination pour l’élégance, le désir et la fabrication de l’image comme fiction. L’univers de Markus Klinko se distingue par une esthétique puissante et cinématographique où chaque photographie devient une construction visuelle sophistiquée. Icônes contemporaines, lumières sculptées, tension dramatique : ses images transforment la beauté en langage et le portrait en mythe moderne. Face à ces œuvres contemporaines, les photographies historiques présentées par GADCOLLECTION révèlent des correspondances inattendues. Toutes racontent une époque, un idéal de liberté et une certaine idée du luxe, tout en affirmant le pouvoir de la photographie à créer des imaginaires durables. Plus qu’une exposition, Dialogue est une conversation entre générations et sensibilités artistiques, où chaque image répond à une autre dans un subtil jeu d’échos.

Avec l'exposition Prom, sa première exposition personnelle à Paris, Diego Marcon transforme Lafayette Anticipations en un cinéma hybride. Il y mêle les codes architecturaux du théâtre à l'italienne de la fin de la Renaissance - lieu de représentation sociale où l'on vient autant pour voir que pour être vu - au minimalisme, confort et accessibilité des cinémas modernes, qui sont autant d’évolution de notre relation aux images et au divertissement. L’exposition présente quatre films réalisés à partir d'une combinaison de techniques d'animation, d’accessoires et de figurines animées: The Parents' Room (2021), Dolle (2023), La Gola (2024) et Krapfen (2025) *. Chacun explore les mécanismes de production d'émotions en convoquant différents genres cinématographiques tels que la comédie musicale ou burlesque, le mélodrame ou le film d'horreur. Tous s'ancrent dans l'intimité d'un foyer pour interroger les normes et tabous qui régissent les relations humaines. Les personnages, souvent ambivalents, évoluent dans des situations grotesques, parfois violentes, qui suscitent autant le malaise que l'empathie. L'artiste n'impose toutefois ni moralité ni conclusion, évitant toute forme de résolution. Pour la première fois, Diego Marcon dévoile certains des objets créés et utilisés pour la réalisation de ses films Exposés en coulisses, animatroniques, prothèses, meubles, et décors brisent l'illusion de l'image animée et interrogent notre perception de la vérité comme la confiance accordée aux images Le titre de l’exposition, Prom, fait référence avec humour au rituel américain du bal de fin d'année, une célébration populaire qui marque le passage à l’âge adulte. Le travail de Marcon s'appuie sur différents vocabulaires cinématographiques issus notamment des comédies musicales, des mélodrames, des films d’horreur et des comédies burlesques. * Krapfen est le fruit d'une coproduction entre la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo à Turin, Lafayette Anticipations à Paris, le New Museum à New York, la Renaissance Society à Chicago et la Vega Foundation à Toronto. Commissaire : Rebecca Lamarche-Vadel Architectes : Andrea Faraguna, Camilla Morandi, Ari Diamond- Topelson

Pour son exposition Who's Gonna Save the World?, Ladji Diaby présente une installation réalisée à partir de meubles chinés ou trouvés dans la rue. Il a transformé chacune de ces pièces, faisant écho à l'habitude de sa mère de décorer et d'embellir le mobilier de leur maison pour l'imprégner de spiritualité, dans une recherche de proximité avec Dieu. Ladji Diaby se sert de ces meubles comme de vitrines pour des objets abandonnés. Chaque œuvre relève ainsi d'une collaboration symbolique entre l'artiste et l'ancien ne propriétaire de l'objet. Bien que ces artefacts aient peu de valeur matérielle, ils sont perçus différemment une fois installés dans un espace artistique. À travers l'acte d'exposition, Ladji Diaby interroge les systèmes qui déterminent la valeur culturelle en Occident. La question posée par le titre, Who's Gonna Save the World?, est rhétorique. Ladji Diaby considère l'effondrement du monde comme une étape nécessaire à sa reconstruction. Il propose d'accepter sa chute imminente pour avancer vers de nouvelles utopies et éviter ainsi de répéter les erreurs du passé. Pour lui, le salut du monde n'est pas la responsabilité d'un seul individu ; la libération ne peut advenir que par l'action collective. Prises dans leur ensemble, ces œuvres fonctionnent comme des talismans venus d'un monde imaginaire où convergent les aspirations politiques, spirituelles et artistiques de l'artiste. L'attachement de Ladji Diaby à ces artefacts est lié à sa croyance dans leur pouvoir créateur. Selon lui, ce ne sont pas de simples objets, mais des mécanismes d'émancipation, des outils qui lui permettent de s'affranchir du destin que les hiérarchies sociales occidentales prescrivent à un homme d'origine malienne, de confession musulmane, vivant en France. Commissaire : Ben Broome

Découvrez les univers artistiques singuliers de Diego Marcon et Ladji Diaby ! En compagnie d'un·e médiateur·ice, explorez leur goût commun pour le récit de l'intime.

L’exposition présente près de trente années de création du peintre et sculpteur Olle Bærtling (1911-1981), figure iconique de l’abstraction, en dialogue avec les œuvres de sept artistes internationaux·les : Cécile Bart, Rana Begum, Ulla von Brandenburg, Jacob Dahlgren, Bernd Ribbeck, Bella Rune et Brooklin A. Soumahoro. À travers des approches et des médiums très différents, il⸱elles renouvellent l’art abstrait géométrique et interrogent sa pertinence aujourd’hui. « L’art ? Pour moi, depuis toujours : mouvement abstrait. Tout est mouvement, tout se meut. Rien de fixe, d’immobile dans l’univers. Mais tandis que le mouvement cosmique est d’ordre physique, le mouvement abstrait est au diapason de la pensée humaine. » Ainsi commence le Prologue à un manifeste de la forme ouverte (1970), texte fondateur écrit par Olle Bærtling, employé de banque devenu artiste à l’âge de 23 ans. Dès les années 1950, il théorise le concept de « forme ouverte », un système d’angles refusant tout fond et tout motif géométrique clos. Les formes s’élancent hors cadre, au-delà de la toile, vers l’infini. Cette peinture de l’espace, nourrie par ses séjours à Paris et ses échanges avec le groupe Espace (André Bloc, Nicolas Schöffer, Victor Vasarely…) et Auguste Herbin, inscrit Bærtling dans une modernité radicale. Au-delà de ce nouvel usage de la géométrie, il se révèle coloriste audacieux : la couleur, pour lui, est un agent perceptif qui active la rétine et dynamise la pensée. Ses compositions monumentales, par le concours de teintes vibrantes et de triangles jamais finis, affirment une abstraction en mouvement, ouverte, décentrée, tendant perpétuellement vers un hors champ. Au sein d’une scénographie singulière, l’exposition explore les ramifications mondiales de l’abstraction géométrique et sa pertinence aujourd’hui. Elle met en regard l’iconique Bærtling avec l’art abstrait de sept artistes contemporains qui déploient à leur tour la notion de forme ouverte de manières tout à fait inédites. En filigrane, une question émerge : où en est l’utopie qui imprégnait l’œuvre de Bærtling ? L’idéal d’un langage universel qui, par sa forme abstraite, s’adresserait et serait compris de tou⸱tes est-il toujours d’actualité ? L’exposition invite à penser l’abstraction non comme un héritage figé, mais comme une recherche toujours vivante. Révélant des abstractions en marge, elle ose le décentrement, comme Bærtling le faisait déjà, pour interroger ce qui, dans l’art abstrait, continue de nous mouvoir. « Formes ouvertes » s’inscrit dans une série d’expositions à l’Institut suédois qui met en lumière des artistes pionnier·es en leur temps, en dialogue avec des créateur⸱rices contemporain⸱es. Commissaires : Marion Alluchon et Marjolaine Lévy Remerciements à la Fondation Olle Bærtling, Hallands Konstmuseum, l’Ambassade de Suède en France, Barbro Osher Pro Suecia Foundation, Swedish Art Council et tous les prêteur·rices privés. Merci tout particulier aux ami·es et bienfaiteur·rices de l’Institut suédois pour leur généreux soutien. Avec le soutien de Houdini Sportswear. Informations pratiques Entrée libre sans réservation

Jazz traditionnel, standards — La chanteuse Sarah King, basée à New York, fait sa première apparition en France avec deux soirées de jazz intimistes et totalement différentes. Sa carrière s’étend du chant à la danse et au théâtre, avec une expérience allant de la performance de rue aux scènes de théâtre, du cinéma à la télévision, notamment dans The Marvelous Mrs. Maisel ainsi que sur les scènes Off-Broadway. Son interprétation nuancée et son approche ludique des standards de jazz témoignent d’un lien profond avec le jazz traditionnel et la musique populaire américaine des années 1920 aux années 1950. Accompagnée de musiciens locaux — Clément Trimouille, Kim Baiunco et Cesar Poirier — chaque soirée propose un programme unique. Sarah King  : voix Clement Trimouille  : guitare Kim Baiunco  : contrebasse Cesar Poirier  : clarinette, saxophone Le 38Riv : Situé en plein coeur du Marais, le 38Riv est un club de jazz et bar intimiste. C’est le lieu de toutes les rencontres musicales : du jazz au latin jazz en passant par le funk et le baroque. Sa cave voutée du 12e siècle offre une acoustique chaleureuse et authentique.