Paris 12e(Paris)

Pour la sortie de son 1er album, l'Êtrangère (Eugénie Mérieau) vous invite à fêter la fin du monde (et de sa trentaine) au Supersonic Records. Pour la sortie de son 1er album, l'Êtrangère (Eugénie Mérieau) vous invite à fêter la fin du monde (et de sa trentaine) au Supersonic Records à Bastille, pour découvrir une douce fusion électrique entre post-rock et chanson à textes, aux échos tantôt folk, tantôt punk : PJ Harvey en français dans le texte, Barbara avec une touche de Bérurier. Après avoir dévoilé son premier titre "Bientôt la fin du monde" dans la Dernière de Radio Nova, fait une tournée dans toute la France, assuré des premières parties pour les Fatals Picards ou partagé la scène avec Jeanne Added, le tout en solo avec sa guitare baryton, son looper et sa boîte à rythmes, l'Êtrangère revient en full band à 4 (Chloé Legrand, Jeremy Lainé, Julien Rosa) pour dévoiler son 1er album, #je vous écris en cours de chute - Si vous aimez les guitares en boucle, les batteries noyées de reverb, les breaks de basse sur 48 mesures et les morceaux qui durent vingt minutes (sans solo), et surtout la poésie révolutionnaire, venez électriser votre spleen post-caniculaire avec l'Êtrangère et ses excellent-es musicien-nes. Spoiler : il y aura aussi une performance-surprise et quelques invité-es mystère.

Le SAGASDOM célèbre la richesse des gastronomies d’Outre-mer et la diversité des cuisines du monde. Une ambition : faire rayonner les saveurs, les cultures, les talents et les savoir-faire qui nous rassemblent. Le salon se tiendra cette année du 02 au 04 octobre 2026 au Pavillon Gravelle . BABETTE DE ROZIÈRES fondatrice du SAGASDOM Figure emblématique de la gastronomie française et ultramarine, Babette de Rozières a imaginé le SAGASDOM avec une ambition forte : offrir aux gastronomies des Outre-mer et à leurs talents une vitrine à la hauteur de leur richesse. Au fil des éditions, elle a porté cette vision avec conviction et contribué à installer le salon comme un espace de rencontres, de transmission et de valorisation des territoires. Dix ans après sa création, le SAGASDOM entre dans une nouvelle décennie. "Une décennie que nous voulons plus ouverte, plus audacieuse et toujours profondément fidèle à ce qui fait notre identité : la transmission, les territoires, les talents et le partage". Des Outre-mer à la Caraïbe, de l’Afrique aux cuisines du monde, de nouvelles histoires restent à raconter, de nouveaux talents à révéler et de nouvelles passerelles à construire. Le SAGASDOM a 10 ans. et son avenir commence maintenant. Les gastronomies des Outre-mer Des territoires d’exception, des traditions vivantes et des savoir-faire transmis de génération en génération. Découvrez la richesse culinaire des Outre-mer à travers leurs produits, leurs recettes emblématiques, leurs chefs, leurs artisans et leurs producteurs. Pendant 3 jours, vivez une expérience unique mêlant gastronomie, culture, transmission, entrepreneuriat, innovation et rencontres professionnelles. ; Crédits : SAGASDOM Les cuisines du monde Un voyage au cœur des cultures, des épices, des traditions et des saveurs venues d’ailleurs. Explorez la diversité des cuisines internationales, rencontrez celles et ceux qui les font vivre et laissez-vous surprendre par des expériences culinaires uniques. Cette année Haïti est l'invité d'honneur du salon. Terre de créativité, de transmission et de patrimoine. Haïti est à l’honneur de cette 10ᵉ édition anniversaire. Gastronomie, artisans, entrepreneurs, artistes et expressions culturelles feront découvrir au public toute la richesse et la diversité du pays. Des talents venus d’ailleurs Cette année, le SAGASDOM élargit encore ses horizons. Outre-mer, Caraïbe, Afrique, France hexagonale et cuisines du monde se retrouveront à Paris. Des chefs invités spécialement pour cette 10 ᵉ édition feront le déplacement pour partager leurs cuisines, leurs histoires et leurs inspirations avec le public et les professionnels. 10 ans ça se fête : Trois jours. Deux nocturnes. Une édition que nous voulons inoubliable. Pour ses 10 ans, le SAGASDOM prépare une programmation exceptionnelle, pensée comme un véritable voyage entre gastronomie, cultures, rencontres, musique et transmission. Les 2, 3 & 4 octobre 2026 au Pavillon Gravelle, Paris, des chefs venus de différents horizons, des shows cooking, des concours, des dégustations, des rencontres, des performances artistiques et de nombreuses surprises, rythmeront cette édition anniversaire. Chefs, artisans, producteurs, créateurs, artistes et passionnés vous invitent à découvrir leurs talents, leurs histoires et leurs savoir-faire. Shows culinaires, dégustations, concours, concerts, danses, rencontres et deux nocturnes exceptionnelles rythmeront ces 3 jours de célébration. Visiter le SAGASDOM, c’est partir à la rencontre des richesses des Outre-mer et du monde, retrouver les saveurs qui nous rassemblent et découvrir de nouveaux talents dans un cadre convivial, populaire et ouvert à tous. Shows culinaires, dégustations, concours, concerts, danses, rencontres et deux nocturnes exceptionnelles rythmeront ces 3 jours de célébration. Découvrez le programme Rendez-vous le 5 septembre pour découvrir la programmation officielle du SAGASDOM 2026. Que vous veniez en famille, entre amis ou dans un cadre professionnel, vous êtes ici chez vous.

Biblis en folie 2026 Pendant 30 minutes, laissez-vous guider par un·e bibliothécaire et faites le tour des 2e et 3e étages qui accueillent les collections de la bibliothèque ; découvrez les différents bureaux d’information ; repérez les lieux ressources : loges handicap, cafétéria, local photocopies… Ces visites sont aussi l’occasion de découvrir le nouveau service de carte interactive des collections de la bibliothèque, les ressources numériques accessibles à distance, ainsi que les médiations et la programmation culturelle hors les murs.

Pour la sortie de son 1er album, l'Êtrangère (Eugénie Mérieau) vous invite à fêter la fin du monde (et de sa trentaine) au Supersonic Records. Pour la sortie de son 1er album, l'Êtrangère (Eugénie Mérieau) vous invite à fêter la fin du monde (et de sa trentaine) au Supersonic Records à Bastille, pour découvrir une douce fusion électrique entre post-rock et chanson à textes, aux échos tantôt folk, tantôt punk : PJ Harvey en français dans le texte, Barbara avec une touche de Bérurier. Après avoir dévoilé son premier titre "Bientôt la fin du monde" dans la Dernière de Radio Nova, fait une tournée dans toute la France, assuré des premières parties pour les Fatals Picards ou partagé la scène avec Jeanne Added, le tout en solo avec sa guitare baryton, son looper et sa boîte à rythmes, l'Êtrangère revient en full band à 4 (Chloé Legrand, Jeremy Lainé, Julien Rosa) pour dévoiler son 1er album, #je vous écris en cours de chute - Si vous aimez les guitares en boucle, les batteries noyées de reverb, les breaks de basse sur 48 mesures et les morceaux qui durent vingt minutes (sans solo), et surtout la poésie révolutionnaire, venez électriser votre spleen post-caniculaire avec l'Êtrangère et ses excellent-es musicien-nes. Spoiler : il y aura aussi une performance-surprise et quelques invité-es mystère.

Trois sœurs, trois anniversaires, une villa qui s’effrite. En transposant Tchekhov dans notre époque, Rebekka Kricheldorf signe une œuvre aussi drôle que désespérée. Dans ce salon bourgeois où le temps semble suspendu, nous découvrons des êtres cultivés jusqu’à la paralysie, conscients de leur condition mais incapables de s’en extraire. Le spectateur devient complice de ces rituels où l’on parle sans agir, où les velléités de changement se heurtent à l’attrait secret de l’immobilisme. Quand des éléments extérieurs viennent perturber cet équilibre fragile, l’ambivalence des personnages éclate au grand jour. Des parents cultivés et russophiles ont donné à leurs enfants, outre le goût de l’art, des prénoms tchekhoviens. Irina, l’éternelle étudiante qui traîne en pyjama, est la cadette, entre Olga, enseignante et rationnelle, et Macha, la benjamine, qui s’échappe quotidiennement d’un mariage tiède en traversant la rue pour rejoindre la maison familiale, ses sœurs et son frère Andreï, qui n’en finit pas de peaufiner son futur livre. Projet plus que jamais relégué au second plan car il est tombé amoureux. L’arrivée de Janine, la copine, si elle provoque une série de décalages, apporte un souffle neuf, un sens certain des réalités. Et puis il y a Georg, ami d’Andreï, visiteur assidu de cette villa où il trouve l’air et la fantaisie dont le prive son existence engluée entre une femme suicidaire et une carrière dont la banalité le désole. Année après année, rien ne change, les anniversaires sont invariablement gâchés. La famille s’agrandit, le temps coule, les mots resurgissent, comme les maux, triviaux et métaphysiques. Car on parle, et beaucoup, entre les murs de la Villa Dolorosa – figurés dans une sorte d’opulence dépouillée. On se dit tout, sans filtre et sans tabou, entre les membres de la famille Freudenbach (ruisseau de joie, littéralement). Tout. Avec une franchise exubérante et mélancolique, une férocité terrible parfois. Avec surtout un amour qui, pour cruel qu’il soit, déborde de partout. De : Rebekka KricheldorfTraduction : Leyla-Claire Rabih et Frank Weigand, aux Éditions Actes SudMise en scène : Mario AguirreAvec : Anna Bajger, Carola Urioste, Isaline Paris, Rebeca Maher, Romain Mondon, Juan Cristobal FernandezCrédit photo : Rose Abdel Khalek

La galerie des Ateliers de Paris présente l’exposition « Multiples, penser l’objet en série », rassemblant une quinzaine de designers autour de la question de la conception et la production des… Née dans le sillage de la révolution industrielle, la fabrication en série a longtemps porté la promesse d’une production standardisée et économique. Face aux enjeux écologiques, économiques et sociaux de notre époque, la multiplication des objets qui nous entourent interroge notre capacité à faire face à l’instabilité future. L’exposition Multiples donne la place à une quinzaine de designers qui cherchent à repenser leurs rapports à la série. Détournement de savoir-faire, dialogues avec les maisons d’éditions, domestication de procédés industriels, autoproduction, série différenciée : les projets présentés expérimentent de nouveaux modèles pour tisser des liens plus attentifs aux milieux, aux gestes et aux ressources. Reprenant les codes de l’espace de travail et de la production en série, la scénographie se déploie à travers toute la galerie sous la forme d’une ligne de montage. Les œuvres y dialoguent avec des éléments de production présentés aux murs, complétés par des rideaux à lanières qui prolongent l’imaginaire industriel. Curation et scénographie : Lucien Icard et Kevin Lebouvier - Klaes studio Design graphique : Sophie Cure  Julie Richoz x Vitra ; Crédits : Vitra  Lampe aplat par le studio CPRV ; Crédits : CPRV  Surfaces par KLAES Studio ; Crédits : KLAES Studio  Phosphène par Selah Creative Office ; Crédits : Selah Creative Office  Projet S par Jules Levasseur ; Crédits : Jules Levasseur  Lampe Rosace par Laure Philippe ; Crédits : Laure Philippe  Demi-mesure par Lucien Icard ; Crédits : Lucien Icard  Focaccia par Camille Viallet et Théo Leclercq ; Crédits : Camille Viallet & Théo Leclercq  Lila Guédin, chaise Echelle 1 ; Crédits : Lila Guédin  Gier par CLUZEL PLUCHON ; Crédits : Cluzel Pluchon  Malin par Nicolas Verschaeve ; Crédits : Nicolas Verschaeve  UU Tiles par Unknown, Untitled ; Crédits : Unknown, Untitled  Guéridon Mikado par le studio poirier bailay ; Crédits : studio poirier bailay  Vue in situ de l'exposition Multiples - Galerie des Ateliers de Paris ; Crédits : Charlotte Bommelaer  Vue in situ de l'exposition Multiples - Galerie des Ateliers de Paris ; Crédits : Charlotte Bommelaer  Vue in situ de l'exposition Multiples - Galerie des Ateliers de Paris ; Crédits : Charlotte Bommelaer

La galerie des Ateliers de Paris présente l’exposition « Multiples, penser l’objet en série », rassemblant une quinzaine de designers autour de la question de la conception et la production des objets en série. Née dans le sillage de la révolution industrielle, la fabrication en série a longtemps porté la promesse d’une production standardisée et économique. Face aux enjeux écologiques, économiques et sociaux de notre époque, la multiplication des objets qui nous entourent interroge notre capacité à faire face à l’instabilité future. L’exposition Multiples donne la place à une quinzaine de designers qui cherchent à repenser leurs rapports à la série. Détournement de savoir-faire, dialogues avec les maisons d’éditions, domestication de procédés industriels, autoproduction, série différenciée : les projets présentés expérimentent de nouveaux modèles pour tisser des liens plus attentifs aux milieux, aux gestes et aux ressources. Reprenant les codes de l’espace de travail et de la production en série, la scénographie se déploie à travers toute la galerie sous la forme d’une ligne de montage. Les œuvres y dialoguent avec des éléments de production présentés aux murs, complétés par des rideaux à lanières qui prolongent l’imaginaire industriel. Curation et scénographie : Lucien Icard et Kevin Lebouvier - Klaes studio Design graphique : Sophie Cure Julie Richoz x Vitra ; Crédits : Vitra Lampe aplat par le studio CPRV ; Crédits : CPRV Surfaces par KLAES Studio ; Crédits : KLAES Studio Phosphène par Selah Creative Office ; Crédits : Selah Creative Office Projet S par Jules Levasseur ; Crédits : Jules Levasseur Lampe Rosace par Laure Philippe ; Crédits : Laure Philippe Demi-mesure par Lucien Icard ; Crédits : Lucien Icard Focaccia par Camille Viallet et Théo Leclercq ; Crédits : Camille Viallet & Théo Leclercq Lila Guédin, chaise Echelle 1 ; Crédits : Lila Guédin Gier par CLUZEL PLUCHON ; Crédits : Cluzel Pluchon Malin par Nicolas Verschaeve ; Crédits : Nicolas Verschaeve UU Tiles par Unknown, Untitled ; Crédits : Unknown, Untitled Guéridon Mikado par le studio poirier bailay ; Crédits : studio poirier bailay Vue in situ de l'exposition Multiples - Galerie des Ateliers de Paris ; Crédits : Charlotte Bommelaer Vue in situ de l'exposition Multiples - Galerie des Ateliers de Paris ; Crédits : Charlotte Bommelaer Vue in situ de l'exposition Multiples - Galerie des Ateliers de Paris ; Crédits : Charlotte Bommelaer

Vanities Gallery aura le plaisir de recevoir l'artiste néerlandais Bernard de Wolff «RIVIERES SANS RETOUR» -------------------------- Exposition solo du 16 septembre au 1O octobre 2026 Vernissage : mercredi 16 septembre à partir de 18h30 Vanities Gallery présente Rivières sans retour, un ensemble d’huiles de Bernard de Wolff. La Seine, le Yangzi, la mémoire des fleuves d’Amazonie : un peintre néerlandais installé à Paris y accumule la couleur en couches si épaisses qu’elles mettent parfois des années à sécher. Il appelle cela sa « peinture braille ». UNE PEINTURE QUI SE LIT DE BIAIS Il faut commencer par ce que l’on voit avant d’avoir rien compris : la matière. Chez Bernard De Wolff, l’huile n’est pas un moyen de figurer, c’est un dépôt. Les couches se superposent, se recouvrent, s’épaississent jusqu’à former un relief qui accroche la lumière rasante et renvoie, selon l’endroit où l’on se tient, deux tableaux différents. « Oil paint lives, it has an effect that other materials do not have » — la peinture à l’huile est vivante, elle produit un effet qu’aucun autre matériau ne donne. La formule est de l’artiste, et elle est à prendre au pied de la lettre : certaines de ses toiles sèchent encore. Le nom qu’il donne à cette pratique — « peinture braille » — est plus retors qu’il n’y paraît. Le braille est une écriture que l’on ne lit qu’en la touchant ; un tableau est précisément ce que l’on ne touche pas. De Wolff fabrique donc une écriture tactile réservée au seul regard, et transfère au spectateur la charge du déchiffrement : pour lire, il faut se déplacer, longer l’œuvre, laisser la lumière faire le travail que feraient les doigts. On songe à sa formation — histoire de l’art et archéologie classique à l’université d’Amsterdam —, discipline où l’on apprend que la surface d’un objet est déjà son récit, et que l’usure en dit autant que l’image. CE QUE LE TITRE ENGAGE Rivière sans retour est le titre français du film d’Otto Preminger de 1954. L’emprunt n’est pas décoratif : De Wolff range Buñuel, Fellini, Eisenstein, Visconti et Godard parmi ses maîtres, et il construit ses toiles comme des plans, avec un hors-champ. Mais le titre énonce surtout une loi physique. Un fleuve se définit par l’impossibilité d’y revenir. « L’eau que tu touches dans les fleuves est la dernière de celles qui s’en sont allées et la première de celles qui viennent ; ainsi en est-il du temps présent », notait Léonard de Vinci. L’empâtement de de Wolff obéit à la même règle. Une couche posée ne se retire pas : elle se recouvre. Le tableau s’écrit par alluvions, comme un lit de rivière, et conserve dans son épaisseur la mémoire de tous ses états antérieurs sans qu’aucun soit récupérable. C’est, au sens technique du terme, une peinture sans repentir. FILIATIONS : AU-DELÀ DE L’ÉTIQUETTE IMPRESSIONNISTE Guardi (1712-1793) et les impressionnistes sont bien là, encore faut-il dire ce qui leur est pris. De Guardi, de Wolff ne retient pas la veduta, la ville-portrait ; il retient le tocco, cette touche brisée qui réduit les passants à des virgules de matière et confie au ciel plus de travail qu’à l’architecture. De l’impressionnisme, il ne garde pas la clarté mais l’obstination : peindre le même motif jusqu’à ce que le motif cède. Deux généalogies moins fréquentées éclairent mieux ce travail. La première est néerlandaise et fluviale. Johan Barthold Jongkind (1819-1891), Hollandais monté à Paris, peignit la Seine et ses quais avant tout le monde ; Monet en fit son « vrai maître ». Jan Voerman (1857-1941), resté à Hattem, passa sa vie à peindre l’IJssel depuis la même fenêtre — un fleuve, mille fois. De Wolff, Néerlandais parisien depuis 2010, occupe exactement ce poste : celui de l’étranger qui enseigne à un pays la lumière de ses propres eaux. La seconde est celle de la pâte. Il faut nommer ici Eugène Leroy (1910-2000), dont les figures finissent englouties sous la matière au point qu’on ne les trouve qu’en les cherchant, et Leon Kossoff (1926-2019), qui chargeait ses vues de Londres jusqu’à leur donner un poids de maçonnerie. Chez ces trois-là, l’épaisseur n’est pas un effet : c’est du temps rendu visible. Reste une troisième direction, que l’artiste revendique lui-même et qui ne saurait être anecdotique dans une galerie tournée vers la scène chinoise : la tradition du lavis fondée sous les Tang (618-907) et portée par les moines-peintres, de Mu Qi (1210-1269) à Sesshū (1420-1506) — l’art de laisser le vide travailler et de saisir l’essence plutôt que la ressemblance. Qu’un même peintre revendique la pâte la plus lourde et l’encre la plus économe n’est pas une contradiction : ce sont deux façons de refuser la description. L’ACCROCHAGE L’exposition réunit des panneaux de quinze centimètres de côté, peints sur carton, et des toiles dépassant le mètre vingt. Trois fleuves y circulent, qui sont trois continents : la Seine (La Seine, Vue on rue Royale), le Yangzi (Yangtze River with Birds), et la mémoire amazonienne des années passées au Surinam, où l’artiste avait bâti une maison en forêt. Un motif y revient : le pont — seule construction humaine qui contredit la loi du fleuve, seul endroit où l’on traverse sans se laisser emporter. BERNARD DE WOLFF Né à Amsterdam, Bernard De Wolff étudie l’histoire de l’art à l’université d’Amsterdam de 1982 à 1988 — archéologie classique, anthropologie culturelle, esthétique et philosophie de la culture. Après plusieurs années de production vidéo pour le musée Allard Pierson, il se consacre à la peinture dans les années 1990 et expose aux États-Unis, où il donne des conférences sur la peinture de paysage. Il vit ensuite près de dix ans à Paramaribo, au Surinam. Il est installé à Paris depuis 2010.