Saint-Germain-en-Laye(Yvelines)

Aux portes de Paris, plongez dans l’Histoire à la Cité de l’Histoire, où spectacles immersifs et technologies innovantes font revivre les grands événements du passé. 3 expériences inédites pour voyager dans l'histoire Leonardo versus Michelangelo  : un face-à-face artistique monumental où on plonge directement au cœur des ateliers des deux génies de la Renaissance pour revivre leur rivalité à travers l'illusion visuelle. Éternelle Notre-Dame  : une expédition où vous devenez acteur de l'histoire en marchant virtuellement aux côtés des bâtisseurs de la cathédrale, du Moyen Âge jusqu'au chantier de restauration actuel. L'Epée de Charlemagne : de salle en salle, vous suivez la trace de l'empereur au milieu de comédiens, de décors monumentaux et des sons du palais d'Aix-la-Chapelle. A chacun son époque dès 7 ans.

Si On Chantait ? Avant d’être une œuvre, la musique est souvent une chanson. Une mélodie qui se retient, se transmet et se transforme. Pendant des siècles, les frontières entre musique populaire et musique savante n’existent pas telles que nous les concevons aujourd’hui. Les airs circulent d’un milieu à l’autre : les chansons inspirent les compositeurs, les mélodies des opéras sont reprises dans les rues, les œuvres les plus raffinées deviennent des refrains populaires. Chanter est alors un acte partagé par tous, quel que soit son rang ou sa condition. Cette saison, le Festival Baroque de Pontoise explore cette histoire de la chanson à travers quatre compositeurs qui, chacun à leur manière, ont placé la voix au cœur de leur art. De la Renaissance anglaise au XXe siècle, ils témoignent de la permanence du chant comme moyen privilégié d’expression des émotions humaines. 400e anniversaire de la mort de John Dowland (1563-1626) Compositeur, chanteur et luthiste anglais, Dowland est l’une des figures majeures de la Renaissance européenne. Ses Songspour voix et luth, empreintes d’une mélancolie devenue légendaire, ont marqué durablement l’histoire de la chanson anglaise. Des œuvres comme Flow my Tears ou Come Again continuent aujourd’hui d’émouvoir par leur simplicité et leur profondeur. 350e anniversaire de la naissance de Louis-Nicolas Clérambault (1676-1749) Organiste du roi et compositeur français, Clérambault est considéré comme le maître de la cantate française. Dans ces œuvres destinées aux salons aristocratiques, il unit l’élégance de la langue française à l’expressivité héritée de l’Italie, donnant naissance à un véritable théâtre chanté en miniature. 200e anniversaire de la mort de Ludwig van Beethoven (1770-1827) Si son nom évoque d’abord les symphonies et les sonates, Beethoven a également consacré une part importante de son œuvre à la voix. Lieder, chants populaires harmonisés, musique chorale et pages lyriques témoignent de son intérêt constant pour le pouvoir expressif du chant, jusqu’à l’ultime célébration de la fraternité humaine dans la Neuvième Symphonie. 50e anniversaire de la mort de Benjamin Britten (1913-1976) Compositeur majeur du XXe siècle, Britten a renouvelé l’art vocal sous toutes ses formes. Ses opéras, ses cantates, ses cycles de mélodies et ses arrangements de chants populaires anglais révèlent une attention exceptionnelle au texte et à la voix. Héritier de Purcell autant que des traditions populaires britanniques, il demeure l’un des plus grands compositeurs vocaux de son temps. À travers ces quatre figures, le Festival invite à parcourir quatre siècles d’une histoire où la chanson demeure le point de rencontre entre l’art et la vie, entre l’émotion individuelle et la mémoire collective. Car quelles que soient les époques ou les esthétiques, la voix humaine reste le plus universel des instruments.

Cette formation-résidence a pour but lʼapprentissage des méthodes de création, la définition de son identité artistique, la réalisation de son projet et son accompagnement à la professionnalisation. 7 mois d'accompagnement entièrement dédiés à la création et la réalisation artistique des artistes sur Paris : trouver son identité et créer en côtoyant d'autres artistes, rencontrer les professionnels du métier, choisir son parrain/directeur artistique, enregistrer son EP et construire son set scénique live à présenter au public. Du 5 octobre 2026 au 11 mai 2027. Trame pédagogique • Apprendre et utiliser les différentes méthodes techniques et technologiques du processus de création : écriture, composition et arrangement. • Maitriser et effectuer une veille technique de sa voix pour une interprétation juste. • Trouver et solidifier sa singularité et son identité artistique • Monter son équipe artistique et choisir son Directeur Artistique. • Comprendre les arcanes du « music business » et rencontrer ses acteurs principaux (éditeurs, producteurs, labels, tourneurs, patron de salles, etc…). • Manager sa propre carrière. • Provoquer les rencontres artistiques et professionnelles et la mise en réseau de lʼartiste. • Réaliser son projet artistique via lʼenregistrement studio de 3 titres et la mise en place dʼun set scénique. • Présentation de son projet devant public et professionnels. Retrouvez toutes les informations ici.

Une formation immersive de 9 mois pour booster votre potentiel créatif et affirmer votre identité sonore. Cette formation a pour objectif de fournir aux producers les compétences nécessaires pour exceller dans la production musicale. En couvrant des aspects essentiels tels que l'utilisation des logiciels de production, l'enregistrement audio, la création musicale, l'analyse, le mixage et le mastering, nous visons à développer une compréhension approfondie et pratique des processus de production musicale. De plus, l'accent est mis sur le développement créatif et la connaissance de l'industrie musicale pour garantir une préparation complète à une carrière réussie. Du 28 septembre 2026 au 9 juin 2027. Retrouvez toutes les informations ici. Trame pédagogique Logiciels de production / MAO Utilisation efficace des logiciels de production musicale populaires. Concepts de base de l'interface utilisateur et fonctionnalités clés. Enregistrement Principes fondamentaux de l'enregistrement en studio. Compétences pratiques en manipulation de matériel d'enregistrement. Création musicale Création de mélodies, harmonies et structures de morceaux cohérents. Techniques de création de rythmes et boucles percutantes. Manipulation de samples et création de sonorités originales. Approches de composition pour divers genres musicaux. Analyse musicale Décodage et analyse de compositions existantes. Principes théoriques des formes et esthétiques musicales. Mixage et Mastering Équilibrage des pistes, spatialisation et traitement des effets. Création d'un mix sonore professionnel et dynamique. Développement personnel et créatif Capacité à relever des défis créatifs pour stimuler l'innovation. Projets concrets pour appliquer les compétences en contexte réel. Industrie musicale Aspects juridiques et contractuels de l'industrie musicale. Bases du marketing musical, de la promotion et de la gestion de carrière.

Dans la lignée des expositions « Icônes de l’art moderne », consacrées aux grands collectionneurs tels que Sergueï Chtchoukine, les frères Mikhaïl Morozov et Ivan Morozov, ainsi que Samuel… Ce projet d’envergure investit l’ensemble des espaces de la Fondation Louis Vuitton selon un parcours en deux volets — Gustave Fayet collectionneur et Gustave Fayet, créateur — révélant la singularité d’un parcours où collection, création et engagement artistique se répondent. L’exposition dessine ainsi le portrait d’un acteur essentiel de la modernité au tournant du siècle et aujourd’hui injustement oublié. L’exposition constitue un événement sans précédent. Elle réunit, d’une part, pour la première fois depuis un siècle, plus de 250 œuvres d’une collection extraordinaire, aujourd’hui dispersée dans le monde entier et, d’autre part, 325 créations de Gustave Fayet, pour la plupart jamais montrées au public et restaurées pour l’occasion. Le parcours met en lumière un ensemble de 10 tableaux de Vincent van Gogh, 78 œuvres de Paul Gauguin, de 88 œuvres d’Odilon Redon, mais aussi de peintures et de pastels d’Edgar Degas, Paul Cézanne, Henri de Toulouse-Lautrec, Pierre-Auguste Renoir, Berthe Morisot, Paul Signac, Pierre Bonnard, Edouard Vuillard et Henri Matisse. Fruit d’une enquête de plusieurs années, l’exposition bénéficie du soutien de 64 institutions internationales et 71 collections privées. Cette exposition inédite, dévoile une personnalité de premier plan, peu à peu reléguée dans l’oubli : Gustave Fayet (1865-1925), collectionneur passionné, artiste mais aussi créateur fécond, fut un entrepreneur infatigable et exceptionnel, visionnaire dans le domaine des arts décoratifs. Derrière ce nom méconnu se cache en effet l’un des plus grands défenseurs et découvreurs de l’avant-garde de son temps, un homme qui contribua activement à faire émerger l’art moderne sous toutes ses formes. Gustave Fayet est en effet parmi les premiers à collectionner van Gogh, à exposer Picasso ou à constituer chez lui, en plein cœur de Paris, un « musée Gauguin », riche de près de 200 œuvres, où se pressent tous les artistes et grands collectionneurs de l’époque. Ami et amateur fervent de Redon, il lui offre l’occasion de réaliser un grand décor, resté secret, dans son abbaye du Midi de la France à Fontfroide. Gustave Fayet n’est pas seulement un collectionneur d’exception qui a rassemblé plus de 740 œuvres majeures d’art moderne (hors estampes). Il fut aussi dans la deuxième partie de sa vie un créateur dont le succès marque les arts décoratifs du début du 20ème siècle. Peintre, aquarelliste, céramiste, décorateur, créateur de tapis, de tissus et de papiers peints, illustrateur de livres, il incarne cette génération pour laquelle l’art irrigue tous les aspects de la vie. Ses créations, diffusées dans les plus grandes galeries et importants salons de son époque, séduisent des figures aussi influentes que Paul Poiret, Jacques Doucet ou Jeanne Lanvin. De l’Art Nouveau à l’Art déco, Fayet participe pleinement à l’invention d’un nouvel art de vivre où beaux-arts et arts décoratifs fusionnent. Pour Gustave Fayet, collectionner et créer s’unissent dans un même élan. Ce premier événement d’envergure internationale consacrée à cette figure singulière et pionnière à bien des égards, dévoile un univers foisonnant et ouvre un nouveau chapitre de l’art moderne et des arts décoratifs du début du 20ème siècle. Ce projet ambitieux rassemble au total 740 œuvres et documents répartis entre les deux volets de l’exposition.

Dans la lignée des expositions « Icônes de l’art moderne », consacrées aux grands collectionneurs tels que Sergueï Chtchoukine, les frères Mikhaïl Morozov et Ivan Morozov, ainsi que Samuel Courtauld, la Fondation poursuit son exploration des figures pionnières qui ont façonné l’histoire de l’art moderne avec une exposition exceptionnelle : « Gustave Fayet, collectionneur - créateur », présentée du 9 octobre 2026 au 8 mars 2027. Ce projet d’envergure investit l’ensemble des espaces de la Fondation Louis Vuitton selon un parcours en deux volets — Gustave Fayet collectionneur et Gustave Fayet, créateur — révélant la singularité d’un parcours où collection, création et engagement artistique se répondent. L’exposition dessine ainsi le portrait d’un acteur essentiel de la modernité au tournant du siècle et aujourd’hui injustement oublié. L’exposition constitue un événement sans précédent. Elle réunit, d’une part, pour la première fois depuis un siècle, plus de 250 œuvres d’une collection extraordinaire, aujourd’hui dispersée dans le monde entier et, d’autre part, 325 créations de Gustave Fayet, pour la plupart jamais montrées au public et restaurées pour l’occasion. Le parcours met en lumière un ensemble de 10 tableaux de Vincent van Gogh, 78 œuvres de Paul Gauguin, de 88 œuvres d’Odilon Redon, mais aussi de peintures et de pastels d’Edgar Degas, Paul Cézanne, Henri de Toulouse-Lautrec, Pierre-Auguste Renoir, Berthe Morisot, Paul Signac, Pierre Bonnard, Edouard Vuillard et Henri Matisse. Fruit d’une enquête de plusieurs années, l’exposition bénéficie du soutien de 64 institutions internationales et 71 collections privées. Cette exposition inédite, dévoile une personnalité de premier plan, peu à peu reléguée dans l’oubli : Gustave Fayet (1865-1925), collectionneur passionné, artiste mais aussi créateur fécond, fut un entrepreneur infatigable et exceptionnel, visionnaire dans le domaine des arts décoratifs. Derrière ce nom méconnu se cache en effet l’un des plus grands défenseurs et découvreurs de l’avant-garde de son temps, un homme qui contribua activement à faire émerger l’art moderne sous toutes ses formes. Gustave Fayet est en effet parmi les premiers à collectionner van Gogh, à exposer Picasso ou à constituer chez lui, en plein cœur de Paris, un « musée Gauguin », riche de près de 200 œuvres, où se pressent tous les artistes et grands collectionneurs de l’époque. Ami et amateur fervent de Redon, il lui offre l’occasion de réaliser un grand décor, resté secret, dans son abbaye du Midi de la France à Fontfroide. Gustave Fayet n’est pas seulement un collectionneur d’exception qui a rassemblé plus de 740 œuvres majeures d’art moderne (hors estampes). Il fut aussi dans la deuxième partie de sa vie un créateur dont le succès marque les arts décoratifs du début du 20ème siècle. Peintre, aquarelliste, céramiste, décorateur, créateur de tapis, de tissus et de papiers peints, illustrateur de livres, il incarne cette génération pour laquelle l’art irrigue tous les aspects de la vie. Ses créations, diffusées dans les plus grandes galeries et importants salons de son époque, séduisent des figures aussi influentes que Paul Poiret, Jacques Doucet ou Jeanne Lanvin. De l’Art Nouveau à l’Art déco, Fayet participe pleinement à l’invention d’un nouvel art de vivre où beaux-arts et arts décoratifs fusionnent. Pour Gustave Fayet, collectionner et créer s’unissent dans un même élan. Ce premier événement d’envergure internationale consacrée à cette figure singulière et pionnière à bien des égards, dévoile un univers foisonnant et ouvre un nouveau chapitre de l’art moderne et des arts décoratifs du début du 20ème siècle. Ce projet ambitieux rassemble au total 740 œuvres et documents répartis entre les deux volets de l’exposition.

Une histoire de famille : La Compagnie Alexis Gruss, c’est plus de 50 ans d’histoire, de création et de spectacles, mais avant tout une histoire de famille, de passion et de transmission. Elle vous présente son spectacle dans son nouvel écrin, lieu unique au monde, dessiné avec ses partenaires industriels, conçu par et pour la Compagnie. Une histoire de famille La Compagnie Alexis Gruss, c’est plus de 50 ans d’histoire, de création et de spectacles, mais avant tout une histoire de famille, de passion et de transmission. Au fil des générations, la famille Gruss a su préserver des valeurs fortes et des traditions, tout en faisant vivre un véritable patrimoine équestre et artistique. Chaque spectacle est construit autour de cette histoire familiale, de ce savoir-faire transmis avec exigence et de ce lien unique qui unit l’homme et le cheval. La Compagnie Alexis Gruss, c’est aussi une famille soudée et profondément attachée à son métier, qui œuvre ensemble pour faire perdurer un univers devenu rare. Derrière chaque représentation se cachent des années de travail, de discipline, de sacrifices et de passion. À travers ses spectacles, la compagnie souhaite transmettre bien plus qu’un moment de divertissement : elle défend l’importance du travail collectif, de la persévérance, de la transmission et du respect du vivant. Car au cœur de cette aventure se trouve un trésor que la famille Gruss protège depuis plus d’un demi-siècle : ses chevaux, son savoir-faire et son patrimoine familial. Un héritage précieux que chaque génération s’engage à faire vivre et à transmettre à la suivante.

Les Folies Gruss sont de retour à Paris pour une nouvelle saison sous le signe de l'art équestre, de la musique et la transmissions. Venez découvrir Les Folies Gruss dans son nouvel écrin parisien jusqu'au 28 mars 2027 avec une comédie musicale, équestre et saltimbanque et une formule restaurant et spectacle. Du 3 octobre 2026 au 28 mars 2027, Les Folies Gruss s’installent dans un nouvel écrin pour présenter une comédie musicale équestre et saltimbanque qui mêle performances artistiques, musique et tradition familiale. Avec une formule associant restaurant et spectacle, la compagnie invite le public à vivre une expérience originale placée sous le signe du partage et de la convivialité. Les Folies Gruss proposent un univers où les chevaux occupent une place essentielle, au cœur d’une création qui célèbre la complicité entre l’homme et l’animal. Les arts équestres rencontrent la musique et l’esprit saltimbanque pour donner vie à un spectacle vivant, porté par l’engagement des artistes et la richesse d’un savoir-faire transmis au fil des générations. Cette nouvelle saison offre ainsi l’occasion de découvrir une discipline artistique exigeante, dans laquelle chaque geste témoigne de nombreuses heures de travail et de préparation. Depuis plus de 50 ans, la Compagnie Alexis Gruss perpétue une histoire familiale exceptionnelle. Au fil du temps, elle a su préserver un patrimoine équestre et artistique rare, en faisant de la transmission une valeur fondamentale. La passion, la persévérance, le travail collectif et le respect du vivant constituent les piliers de cette aventure qui traverse les générations. Derrière chaque représentation se trouve une famille unie par un même métier et la volonté de faire perdurer un héritage précieux. Les chevaux, véritables partenaires des artistes, incarnent cette relation de confiance patiemment construite et entretenue. Pour prolonger ce moment, la formule restaurant et spectacle permet de réunir plaisirs de la table et émotions artistiques. Les Folies Gruss donnent ainsi rendez-vous aux spectateurs du 3 octobre 2026 au 28 mars 2027 pour une saison qui célèbre la créativité, l’excellence équestre et la passion du spectacle vivant.