Que faire à Petit-Mars en janvier 2027 ?

Une exposition, deux lieux ! Au Frac à Carquefou et au Musée d'arts de Nantes Née d’un souhait de renouveler les collaborations historiques entre leurs collections, le Musée d’arts de Nantes et le Frac Pays de la Loire conçoivent ensemble une exposition croisée qui prend corps dans les deux institutions. Intitulée "Plants and People", elle met en regard des œuvres historiques et contemporaines — photographies, dessins, sculptures, peintures — explorant la place du vivant dans notre rapport au monde. Elle envisage deux approches complémentaires : le végétal au Musée d’arts de Nantes et l’animal au Frac à Carquefou. Cette collaboration, entre les deux institutions, qui prend tout son sens dans un contexte où les équilibres culturels demeurent fragiles, témoigne aussi de l’engagement constant de Nantes à soutenir les acteurs artistiques du territoire et à encourager des propositions accessibles à tous les publics. Plus d'informations sur l'exposition sur museedartsdenantes.nantesmetropole.fr Exposition du 30 janvier 2026 au 3 janvier 2027 : Tous les jours sauf le mardi de 11h à 19h - Nocturne jusqu'à 21h le jeudi En juillet et août : Ouverture dès 10h

Accueillir une création de Benjamin Millepied est toujours un événement. Après son dernier passage en 2012, le chorégraphe de renommée internationale. De Göttingen à Nantes, en passant par Une petite cantate ou Gare de Lyon, ce voyage chorégraphique à travers 24 titres, intemporels ou méconnus, puise dans ses mélodies et ses mots pour en faire la source du mouvement. Dans un espace épuré, baigné de lumière, neuf danseurs incarnent nostalgie, passion et tragédie, comme un écho à son univers. Les corps apparaissent et disparaissent, portés par des valses qui célèbrent la vie. Marqué dès l’enfance par la chanson française, Benjamin Millepied y puise une mémoire intime pour créer un langage unique, où les valses de Barbara deviennent le souffle du mouvement. Loin de l’image de la dame en noir, ce spectacle célèbre sa face solaire : une humanité à fleur de peau, une poésie vibrante, fidèle à celle qui fut l’une des voix les plus bouleversantes du XXe siècle.

Si l’art a toujours constitué le moyen de sortir de la mécanisation du quotidien, d’imaginer des lieux parfaitement autres, de confondre marge et centre, autant d’actions opérantes qui permettent de … Si l’art a toujours constitué le moyen de sortir de la mécanisation du quotidien, d’imaginer des lieux parfaitement autres, de confondre marge et centre, autant d’actions opérantes qui permettent de créer des espaces en partage, quelles pourraient être les formes de la contre-culture aujourd’hui ? À relire Henri David Thoreau, ces formes peuvent être discursives mais surtout actives. Pour réveiller l’idée et même l’envie de la contre-culture nous avons donc chercher des formes qui agissent dans la société, qui s’emparent du discours non pour dire mais pour faire. Cette recherche, imaginée par le Centre Claude Cahun pour la photographie contemporaine à Nantes, dans le cadre du partenariat entre Nantes et Hambourg, s’est opérée dans trois collections : celle de Falckenberg des Deichtorhallen, celle du Fonds Régional d'Art Contemporain des Pays de la Loire et celle du Musée d’arts de Nantes. Ainsi, pour cette exposition, le Centre Claude Cahun a parcouru trois collections en prenant quatre axes de recherches formant aujourd’hui les quatre grands chapitres de cet ensemble. Ces quatre axes sont autant des idées que des modes de vie possibles, ils permettent de circuler dans le foisonnement de propositions révélant des œuvres qui revendiquent un positionnement aussi bien politique qu’artistique. 1/ Revendiquer la multiplication du point de vue et de voix comme une nécessité. Dans ses thèses sur l’histoire Walter Benjamin constate qu’elle est toujours celle des vainqueurs et pour lui il est nécessaire d’écrire aussi le point de vue des vaincus. À sa suite, beaucoup d’artistes, proposent des oeuvres offrant une vision plurielle confrontant des lectures comme les photomontages de Martha Rosler et remettant en cause l’écriture univoque de l’histoire par la révélation des contre-champs comme les vidéos d’Anri Sala ou les tableaux photographique de Sophie Riestelhubert. 2/ Voir, montrer, détourner, dénoncer. Comme l’explique Karl Marx, la posture critique consiste bien souvent à faire la présentation d’une chose, personne ou situation pour que dans cette présentation même s’organise la critique. Cette idée est reprise par beaucoup d’artistes, et notamment Lewis Baltz, qui travaillent l’acte critique par la présentation de faits ou d’archives. Pour Hans Peter Feldman c’est la présentation par l’accumulation qui accuse la mécanisation et chosification de l’homme quand d’autres, comme Robin Collyer, choisissent de montrer pour mieux détourner et dénoncer un état de fait trop normalisé. 3/ Réécrire l’histoire Beaucoup d’artistes s’emparent de leurs disciplines comme moyen de proposer une autre histoire, celle qui se glisse juste à côté de l’histoire officielle, échappant à toute obligation politique pour se concentrer sur la mémoire latente, celle qui travaille les corps et les esprits mais qui est souvent mise de côté par la surface des faits. Ainsi des artistes, comme Walid Raad ou Jeremy Deller, jouent de la fiction pour combler les lacunes d’une mémoire collective en lambeaux, ou d’autres comme Dennis Hopper ou Andrea Stappert choisissent de faire les portraits des artistes comme une mémoire officielle laisser dans l’ombre. 4/ Choquer, secouer, déranger et bouger les lignes : l’absurde comme arme Beaucoup d’artistes enfin déjouent l’incohérence du réel et d’un état de fait en créant des pièces qui dérangent le regard pour mieux dénoncer l’intolérable. Certains choisissent la provocation comme Valie Export ou Wolfgang Tillmans, quand pour d’autres l’absurde devient une forme en soi comme Olaf Breuning. Toutes ces œuvres sont pensées comme des actions qui engagent une révolution résolue. L'exposition s’articule autour de la photographie tout en la mettant en regard d’autres media afin d'imaginer une véritable installation dans les différents espaces où elle se déploie. Elle a donc été pensée comme un manuel de survie en milieu hostile afin de créer des chemins possibles dans l’art contemporain. Il ne s’agit plus d’un matin, mais bien de milliers de matins ouverts qui nous offrent la liberté d’embrasser une révolte aussi bien intime que politique. Avec Les Matins intérieurs nous espérons vous offrir une marche expérimentale aussi belle que celle que pouvait mener Thoreau dans les forêts du Massachusetts.

Un véritable OVNI théâtral ! Happy Apocalypse explore avec humour et poésie les limites de l’humain, mêlant conte futuriste, musique live et scénographie époustouflante. Dans un monde en mutation, une famille vit une aventure hors norme : celle de Perle, première mutante de l’histoire, enfant mi-femme mi-reptile, dont la singularité défie les normes. Science, métaphysique, burlesque et émotion s’y croisent pour une performance où neuf interprètes évoluent dans un univers visuel saisissant. Décors modulables, costumes et masques d’animaux, lumières hypnotiques, musique pop rock live… Une atmosphère imprégnée de futurisme, de rêve et d’humanité profonde. Mêlant réflexion et émerveillement, cette fable contemporaine célèbre la différence et l’altérité, des thèmes universels tels le droit d’exister et la fragilité comme force.

Sept jeunes prodiges du cirque ukrainien, réfugiés en France, nous offrent un spectacle d’une grande virtuosité technique, où se mêlent onirisme et combativité. Sous une ambiance sonore envoûtante, leurs corps athlétiques, sculptés par des jeux de lumières en clair-obscur, déploient portées, jonglerie, contorsions, tissus aériens… L’écriture chorégraphique est ciselée, alternant mouvements collectifs et solos époustouflants. Alors que les tableaux poétiques s’enchaînent, l’orage gronde en permanence, comme un écho à la guerre qui assombrit chaque rêve. Tour à tour, ils passent de l’insouciance enfantine, jouant et sautant avec grâce, à la tension du combat, comme sur la corde lisse, où chaque ascension devient une lutte acharnée. Le cirque y incarne alors la résistance, où la beauté défie l’absurdité de la guerre. Plus qu’un simple titre, Rêves s’impose comme un manifeste, soulignant la détermination de ces artistes à vivre, résister et rêver, envers et contre tout.

Rêves est une création en exil, une histoire de ténacité et de virtuosité. Elle est le témoignage d’une jeunesse renversée par un conflit et un formidable exemple de l’exigence du cirque ukrainien. L’énergie de la résistance et la haute virtuosité des artistes du _cirque Inshi_ se combinent ici dans un spectacle de haute volée, vibrant et poétique. Dans une ambiance de clair-obscur, sur des airs de Saint-Saëns, Chopin, Debussy, Vivaldi, Philip Glass… associés à des musiques folkloriques ukrainiennes, les interprètes font preuve d’un engagement sous tension. Des mouvements collectifs aux numéros solo, les gestes précis et l’écriture chorégraphique ciselée soulignent la détermination de ces artistes à vivre, résister et rêver, envers et contre tout. Entre solennité et lyrisme, confession et combativité, les artistes du cirque Inshi livrent ici une performance inédite.

Une petite table, des verres et c’est parti pour une dégustation pas comme les autres ! Dans un cabaret-laboratoire intimiste, le public goûte des breuvages mystères et de la danse. Une petite table et quelques verres et c’est parti pour une dégustation pas comme les autres… Au fait, déguster c'est quoi ? C'est prendre le temps, analyser, savourer, se questionner, s’extasier !
Dans un écrin intimiste, comme un cabaret-laboratoire, le public déguste des breuvages mystères et aussi de la danse ! Arôme Arôme invite petits et grands à explorer les liens entre saveurs, mouvements et imaginaires. Les papilles gustatives éveillent les gestes et nourrissent la danse. Un spectacle à boire et à danser : tchin ! _Dans le cadre de la saison culturelle Hors-saison, les échappées culturelles en Erdre & Gesvres._

Créé à la Comédie-Française en 2015, ce spectacle en dernière tournée nous embarque à bord du Nautilus, vaisseau légendaire du capitaine Nemo. Christian Hecq et Valérie Lesort y proposent une version époustouflante, où six comédiens-manipulateurs donnent vie aux personnages et aux créatures marines (méduses, poissons-lanternes, poulpes géants…). La scénographie et les costumes sont signés Éric Ruf de la Comédie Française. Une expérience scénique unique où, sans recourir aux projections vidéo, les jeux de lumière, de son et de matière recréent l’illusion des profondeurs et d’un monde sous-marin à la fois réaliste et fantastique. Fidèle à l’esprit de Jules Verne, cette mise en scène mêle aventure, poésie et humour, tout en abordant les thèmes de la liberté, de l’écologie et de la complexité humaine de Nemo, ce « pirate moderne » à la fois misanthrope et humaniste.