Que faire à Montesson en février 2026 ?

Paris Sport Dimanches, c'est l'occasion de pratiquer du sport gratuitement en extérieur, tous les dimanches matins, à 10H, dans les 4 coins de Paris. Avant votre brunch ou votre déjeuner du dimanche, une brève session sportive est recommandée ! Paris Sport Dimanches est ouvert à tous que vous veniez seul, en groupe ou en famille. L'accès est gratuit et ne nécessite aucune inscription préalable. Rendez-vous simplement à l'un des points de rassemblement pour une séance sportive de deux heures, de 10h à 12h, le dimanche. Venez suivre une activité de remise en forme tous les dimanches au parc André Citroën (15e) : séance en extérieur. Conseil : venez avec vos affaires de sport, une bouteille d'eau, une serviette et votre bonne humeur. Inscriptions Sans inscription préalable, rendez-vous directement sur l'un de nos créneaux Paris Sport Dimanches, dans la limite des places disponibles. Capacité d'accueil : 24 personnes Point de rendez-vous : esplanade André Chamson, entre les 2 grandes Serres.

La Maison du Danemark – Le Bicolore présente Liberté & Tradition, une exposition gratuite et ouverte à tous consacrée à quatre figures majeures de la scène artistique danoise contemporaine – Bjørn Nørgaard, Tal R, Kirstine Roepstorff et Alexander Tovborg – sous le commissariat de Christine Buhl Andersen. Liberté & Tradition a pour point de départ une commande exceptionnelle de seize tapisseries passée en 2018 par la Fondation Ny Carlsbergfondet à l’occasion du 750e anniversaire du château royal de Koldinghus (Danemark). Celle-ci a donné lieu à une collaboration étroite de plus de six ans, entre les artistes Bjørn Nørgaard, Tal R, Kirstine Roepstorff et Alexander Tovborg et les licières des Manufactures de Beauvais et des Gobelins à Paris, ainsi que d’ateliers privés d’Aubusson. Invités à créer en toute liberté, les artistes ont conçu des motifs en résonance avec l’histoire du château, tout en explorant chacun des thématiques différentes, tandis que les licières se sont attachés à traduire leurs cartonniers en tapisseries. Chaque artiste a réalisé une tapisserie monumentale de 3 x 6 mètres ainsi que trois pièces intermédiaires dites Entre-Fenêtres de 3 x 1 mètre. Les tapisseries monumentales ont été réalisées dans les ateliers historiques de Beauvais et des Gobelins à Paris, tandis que les pièces intermédiaires ont été confectionnées dans des ateliers privés d’Aubusson, dans la Creuse, sous la supervision artistique du Mobilier national. L’exposition Liberté & Tradition présentera un ensemble de matériels et photographies retraçant le projet. En attendant la réalisation de la dernière tapisserie, et dans le prolongement de l’exposition présentée au Grand Palais durant l’été 2025, - où les trois tapisseries monumentales déjà achevées ainsi que l’ensemble des pièces intermédiaires avaient été exposées - la Maison du Danemark réunit les quatre artistes danois impliqués dans le projet à travers une sélection de leurs œuvres originales. Appartenant à différentes générations et travaillant dans des médiums variés, Bjørn Nørgaard, Tal R, Kirstine Roepstorff et Alexander Tovborg incarnent ensemble la diversité et la vitalité de la scène artistique danoise contemporaine. L’exposition met en lumière leurs univers artistiques singuliers à travers une sélection d’œuvres originales de chacun des artistes, visant à explorer à la fois la rencontre unique entre le Danemark et la France, ainsi que le monde de l’art et de la culture, suspendu entre les concepts de liberté et de tradition. Par son titre, Liberté & Tradition évoque le dialogue fécond entre la liberté de l’art contemporain et la tradition artisanale des manufactures, engagées dans la préservation et la transmission de savoir-faire d’exception. La création contemporaine offre ainsi un regard renouvelé sur l’artisanat français, à travers la rencontre de ces quatre artistes danois et des traditions de la tapisserie. Une relation étroite s’est développée entre artistes et licières au fil de ce projet unique, constituant une rencontre exceptionnelle entre l’art danois et le savoir-faire français.

Pour célébrer les 70 ans du jumelage de Paris avec Rome, l'italien est à l'honneur à la bibliothèque Germaine Tillion. Norma Romanelli, professeure des Cours d'Adultes de Paris (CAP), animera trois ateliers de conversation et un club de lecture. « Solo Parigi è degna di Roma, solo Roma è degna di Parigi » (Seule Paris est digne de Rome ; seule Rome est digne de Paris). Telle est la devise du jumelage entre les deux villes, qui fête ses 70 ans le 30 janvier 2026. Dans le cadre de "Langues en Partage", partenariat entre les Cours d'Adultes de Paris et les Pôles de langues, la bibliothèque Germaine Tillion vous invite à cette occasion à une session intensive d'italien en janvier et en février : - un atelier de conversation le jeudi 15 janvier de 15h à 17h (niveau intermédiaire minimal A2 et +) - un atelier de conversation le jeudi 22 janvier de 15h à 17h (niveau intermédiaire minimal A2 et +) - un atelier de conversation le jeudi 5 février de 15h à 17h (niveau intermédiaire minimal A2 et +) - un club de lecture le jeudi 12 février de 15h à 17h (niveau intermédiaire B1 et +) L'intervenante apportera des passages qui seront l'occasion pour les participants de partager leurs ressentis de lecture. Réservation conseillée à partir du 4 décembre Ces ateliers, ouverts à tous, sont gratuits. "Langues en Partage" a lieu dans plusieurs bibliothèques ! Pour retrouver d'autres ateliers de conversation des Cours d'Adultes de Paris, cliquez ici

Du 10 décembre 2025 au 8 mars 2026, le Jardin d’Acclimatation lève le voile sur “le Japon en Lumières”, la 3ème édition de son grand Festival des Lanternes ! 2000 créations lumineuses célèbrent cette année l’âme du Japon, une terre où tradition millénaire et modernité éclatante se rencontrent. Vous êtes conviés à un voyage en 3 étapes et quelques chemins de traverse ! Entrez d'abord dans l’Empire des Traditions avec des torii majestueux, temples merveilleux, costumes traditionnels, ombrelles de soie et la silhouette majestueuse des samouraïs. L'itinéraire continue vers une Odyssée Pop-moderne  : apprêtez vous à découvrir une explosion de couleurs et de néons. L’énergie de Tokyo prend vie ici : petits monstres kawaï, jeux d’arcades et mangas se côtoient pour votre plus grand plaisir. Enfin, rejoignez le Jardin des Songes où souffle la sérénité de la nature japonaise en majesté : sakuras en fleurs, carpes koi, macaques des sources chaudes… et mont Fuji bien sûr se dévoilent ici sous une lumière féerique ! Le voyage ne s’arrête pas là : découvrez dans le foodcourt les saveurs et les parfums du Japon et quelques repères très français : mochis et ramen, chocolat chaud et bretzel se dégustent sous les étoiles. Et.. pour clore la soirée, un tour dans la Grande Roue qui laisse place à une vue magique sur Paris en fête. Cet hiver, le Japon s’invite à Paris, sous 2000 lanternes scintillantes dans nos allées !

Cet hiver, une vague manga déferle sur le musée Guimet ! Quel que soit votre âge, quelle que soit votre génération, retrouvez vos héros préférés dans une exposition-événement exceptionnelle, déployée pour la première fois sur les trois étages du musée. Admiré par plusieurs générations de lecteurs, le manga a conquis la France et le monde, qu’il s’adresse aux adolescents ( shonen pour les garçons, shojo pour les filles) ou aux adultes ( seinen, josei, seijin …) Mais connaissez-vous ses origines ? À travers des planches et des revues originales, mises en regard avec des objets et des œuvres graphiques de nos collections, l’exposition Manga. Tout un art ! lève le voile sur la naissance et l’évolution complexe de la bande dessinée japonaise. Des traditions millénaires aux premières influences occidentales, de la presse satirique aux premiers pas du dessin animé, de la créativité des maîtres mangakas des 20e et 21e siècles jusqu’à leur influence sur la mode et la haute couture, la galaxie manga n’aura plus de secret pour vous ! Au deuxième étage, plongez dans le Japon des 18e et 19e siècles et découvrez comment sont déjà présents, sous le pinceau de grands maîtres tels que Kyosai, Hokusai ou Utamaro, des procédés graphiques qui, deux siècles plus tard, se retrouveront dans le manga. Un univers mystérieux peuplé de monstres, de fantômes et de personnages grotesques, où apparaissent des bulles de rêves et des flatuosités explosives témoignant de l’étendue des registres de l’art narratif japonais, allant de l’humour le plus désopilant aux récits les plus édifiants. Enfin, laissez-vous porter par la Grande vague de Hokusai. Dans une salle spécialement consacrée à cette œuvre iconique, une expérience immersive, pédagogique et méditative vous emmènera à la découverte de ce chef d’œuvre absolu de l’art universel. En regard de l’estampe originale, des planches de dessinateurs de BD tels que David Etien, Coco ou Moebius, ainsi qu’une spectaculaire robe de haute couture de la maison Dior illustrent l’influence que continue à exercer cette icône de l’art japonais sur les artistes du monde entier. Et pour prolonger votre expérience, une salle de lecture éphémère est installée dans la splendide bibliothèque historique de Guimet, pour bouquiner jusqu’à la fermeture du musée !

Venez découvrir Végétale, une exposition immersive dédiée à la richesse du végétal sur notre territoire. À travers un parcours sensible et documenté, explorez les multiples visages de la nature argenteuillaise : des grandes heures agricoles aux cités-jardins, en passant par les créations artistiques inspirées des plantes. Fruits, figues, parcs, jardins partagés, motifs floraux, archives inédites et partenariats prestigieux composent une fresque vivante de notre rapport à la nature, d’hier à aujourd’hui. Une exposition à découvrir en famille, pour célébrer l’histoire, la beauté et les enjeux de notre environnement naturel.

Le regard porté sur l’art a évolué depuis le XVIIe siècle. Aujourd’hui, commentateurs ou critiques soulignent volontiers, dans les arts comme dans le sport, la qualité d’une prestation aboutie, la beauté d’un geste, mais sans s’attarder sur les centaines d’heures de recherches ou d’entraînements qui ont permis ce résultat. Le talent est souvent associé à la spontanéité plus qu’à une capacité de soutenir l’effort indispensable pour une performance hors du commun. Balzac, une tension incessante vers la perfection On connaît le perfectionnisme de Balzac qui lui a permis, d’écrivain quasi nul (le manuscrit du Cromwell, sa première œuvre littéraire, témoigne implacablement de la faiblesse des écrits du jeune Honoré), de devenir à plus de quarante ans un véritable styliste et d’être aujourd’hui le romancier français le plus connu au monde. Le musée expose depuis longtemps sa méthode de travail, caractérisée par d’incessantes reprises, édition après édition, dans un désir constant de perfection que seule la mort est parvenue à interrompre. Le principal talent de cet écrivain réside donc moins dans un don naturel que dans cette capacité phénoménale de travail, cette soif inextinguible d’amélioration et d’innovation. Cette qualité n’est pas limitée à Balzac et l’exposition propose une réflexion sur le lien entre labeur et création, en s’appuyant sur des artistes dont l’exigence est comparable, si elle s’exprime autrement. Que les ignorants le sachent ! Si l'artiste ne se précipite pas dans son œuvre, comme Curtius dans le gouffre, comme le soldat dans la redoute, sans réfléchir ; et si, dans ce cratère, il ne travaille pas comme le mineur enfoui sous un éboulement ; s'il contemple enfin les difficultés au lieu de les vaincre une à une, à l'exemple de ces amoureux des féeries, qui, pour obtenir leurs princesses, combattaient des enchantements renaissants, l'œuvre reste inachevée, elle périt au fond de l'atelier, où la production devient impossible, et l'artiste assiste au suicide de son talent. La Cousine Bette, 1846 Rodin, une exploration tous azimuts Le Balzac monumental dont un bronze orne le boulevard Raspail, est bien connu des Parisiens. On sait moins qu’il a été précédé d’au moins 120 versions étalées sur sept années, dont une vingtaine sont ici présentées. Rodin n’a pas connu Balzac. Les ébauches en terre ou sur papier, les essais réalisés durant cette longue période, prennent appui sur une enquête très approfondie du sculpteur, désireux de connaître au mieux le physique comme l’allure de l’écrivain. Mais Rodin ambitionne de concilier le Balzac de la réalité et l’auteur de La Comédie humaine  : « Le sentiment, l’intimité de l’homme, voilà ce qu’il faudrait rendre. Et là, pensez si c’est commode, l’âme de Balzac ! Je cherche, je cherche, c’est très difficile. Mais je pense bien que j’y arriverai » ( Le Journal, 27 novembre 1894) Et il imagine Balzac debout, assis, statique ou en marche, gras ou maigre, souriant ou sérieux… La diversité des esquisses souligne que Rodin, pour tenter de parvenir à sa vérité artistique, explore tous azimuts des chemins à chaque fois différents, là où Balzac part d’un scénario embryonnaire, qu’il complète et affine au fil des corrections. Picasso et d’autres : de l’intuition à la juste formule Si le processus créatif de Rodin se distingue de celui de Balzac, d’autres artistes ont emprunté des voies encore différentes. Les œuvres des illustrateurs de la fin du XIXe et du XXe siècle respectent des schémas bien établis mais n’en sont pas moins précédées de recherches approfondies. Les cahiers d’étude, dessins préparatoires, essais, esquisses, tentatives rejetées, témoignent de ces tâtonnements, de cette volonté de bien faire ou de mieux faire qui anime presque tous les créateurs. Les recherches de Pablo Picasso sur le portrait de Balzac sont significatives de sa manière de procéder. D’autres artistes contemporains (Vallotton, Marquet, Derain, Giacometti, etc.) se sont livrés au même exercice mais en se limitant en général à un dessin, deux au plus, là où Picasso en réalise plus d’une dizaine, reprend son motif sur des cartes postales adressées à des amis, sur des gravures d’autres format… Qu’il simplifie ou densifie son sujet, Picasso opère au fil des versions une progressive métamorphose pour aboutir à une vision neuve. La complexité du processus créatif régit également des œuvres d’une apparente légèreté. Pour les deux photographies de la série d’Olivier Blanckart « Moi en :… » relatives à Balzac : Moi en : Balzac, et Moi en : Balzac modèle de Rodin, la recherche s’exprime comme le tâtonnement autour d’une formule déjà mûrement réfléchie, jusqu’à ce qu’apparaisse enfin l’expression la plus juste. Pierre Alechinsky : le questionnement sans fin Pierre Alechinsky incarne une forme encore différente de la création : la reprise d’un thème dans la durée. Contacté par l’éditeur Yves Rivière en 1987 pour illustrer le Traité des excitants modernes de Balzac, Pierre Alechinsky entreprend deux ans plus tard une première série de gravure sur cuivre en aquatinte. Le résultat ne le satisfait pas et, au prix d’un pénible travail, il reporte ces réalisations sur le linoléum afin d’obtenir un encrage plus profond. Les plaques en cuivre, d’abord rejetées, sont ensuite réutilisées : la partie laissée vierge est traitée à son tour, cette fois à l’eau-forte, et ornée de motifs commandés par le premier dessin. Les grandes gravures ainsi obtenues sont au fil des années métamorphosées par d’éblouissantes bordures peintes à la tempera puis à l’acrylique. Les inventions de 1989 suscitent ainsi des reprises qui se succèdent jusqu’à aujourd’hui. Les premiers travaux laissent place à de fluides improvisations sur un thème pictural dont le sens est remis en question sans jamais disparaître. La salle retrace l’histoire de l’un des dessins réalisés pour le chapitre « Du tabac », avec les essais préalables à l’édition, les matrices, une reprise gravée en 1991, cette même gravure enrichie à la tempéra en 2009, et enfin une reprise à l’acrylique de 2022 : Si Balzac reprend jusqu’à trente fois la même page, Pierre Alechinsky revient sur le même thème durant plus de trente années.

Le musée national de la Marine consacre une expo au plus grand exploit maritime de tous les temps : l’expédition de Magellan (1519-1522). On a vu « Magellan, un voyage qui changea le monde », et on vous donne 3 bonnes raisons d’y foncer tête baissée. 1 > La scénographie est ultra immersive Comment retranscrire, de manière fidèle et intéressante, la toute première circumnavigation de l’histoire de l’humanité ? En mélangeant habilement plusieurs dispositifs théâtraux, audiovisuels et textuels. À l’inverse d’une expo classique, c’est la voix off d’un narrateur qui n’est autre qu’Antonio Pigafetta, auteur du seul journal de bord complet de l’expédition, qui nous guide ! Les étapes les plus importantes du voyage (les préparatifs, la descente de l’Atlantique, l’hivernage en Patagonie, le passage du détroit entre le Chili et la Terre de Feu…) nous sont contées par l’intermédiaire de petites pastilles vocales, basées sur les écrits du marin italien. À cela s’ajoutent des illustrations projetées sur grand écran mélangeant prises de vues réelles des lieux traversés par Magellan (les paysages sont à couper le souffle) et images animées, imaginées par l’artiste Ugo Bienvenu. Un mix aussi étonnant que réussi, complété par des infographies détaillées et des structures impressionnantes (mention spéciale à celle inspirée de la cale d’un navire !). 2 > La proposition artistique est unique Impossible de ne pas en parler. Si l’expo réussit parfaitement son pari d’immersion, c’est grâce à son identité visuelle unique. De l’affiche aux écrans géants installés, les illustrations d’Ugo Bienvenu sont omniprésentes. Parfois figés, parfois animés, ces dessins sont des œuvres d’art à part entière. À la fois crues, réalistes et oniriques, les images ont une esthétique qui se rapproche de celle que l’on trouve dans les romans graphiques. Une proposition artistique peu commune qui sert parfaitement le récit de l’expo et qui renforce la gravité et la difficulté du périple entrepris par Magellan. L’info en plus Avant de tapisser les murs et les écrans du musée, les dessins d’Ugo Bienvenu ont d’abord été imaginés pour illustrer la minisérie L’Incroyable périple de Magellan, sortie en 2022 sur Arte. D’ailleurs, des planches inédites, qui n’avaient pas été utilisées dans le montage final du documentaire, font également partie de l’expo. 3 > On apprend mille et une choses sur la navigation au XVIe siècle Si l’expo brille par son côté immersif et son identité visuelle différente, elle n’en reste pas moins didactique. De très nombreuses infographies extrêmement précises viennent jalonner le parcours, nous permettant ainsi d’en apprendre plus sur les détails de l’expédition (nombre de vivres sur les bateaux, composition des équipages, kilomètres sillonnés…) et les spécificités de la navigation au début du XVIe siècle. Des cartes animées, nous montrant la progression de la flotte de Magellan en temps réel, sont également présentes. Idéal pour bien remettre en perspective la portée de l’exploit accompli par Magellan et son équipage ! Adrien D.H.