Que faire à Six-Fours-les-Plages en juin 2027 ?

Depuis de nombreuses années, l’équipe scientifique de la Division du Patrimoine Culturel de la Métropole Aix-Marseille Provence travaille en partenariat avec le laboratoire d’histoire et du Centre… Depuis de nombreuses années, l’équipe scientifique de la Division du Patrimoine Culturel de la Métropole Aix-Marseille Provence travaille en partenariat avec le laboratoire d’histoire et d’archéologie du Centre Camille Jullian (UMR 7299 CNRS - Aix-Marseille Université). Cette collaboration prend notamment la forme de missions photographiques sur les chantiers de fouille archéologique ou de campagnes de prises de vues des collections conservées au musée d’Istres ou ailleurs. Les photographes du Centre Camille Jullian, Loïc Damelet et Lionel Roux, étant amenés à se déplacer sur de nombreux sites et musées à travers la Méditerranée, disposent d’un fonds photographique exceptionnel. Toutefois, une grande partie de celui-ci reste inexploitée. En effet, leur mission consiste le plus souvent à photographier des vestiges ou des objets archéologiques. Mais au milieu de ces séries, se cachent des clichés qui n’étaient pas, au départ, destinés à être diffusés au public. Ce sont des photographies prises sur le vif, qui montrent l’arrière-plan, l’ambiance et au final qui documentent les métiers du patrimoine et de l’archéologie rencontrés sur tous les terrains. Or, il s’agit véritablement de vues artistiques, à l’esthétique soignée qui attirent le regard et suscitent l’émotion. Jusqu’à présent, aucune exposition n’a été consacrée spécifiquement à ces métiers du patrimoine dissimulés derrière les beaux vestiges et objets archéologiques dont le parcours suit une longue chaîne opératoire menant les plus remarquables à être fièrement exhibés dans les musées.L’exposition est donc l’occasion de valoriser, pour la première fois, des photographies prises par Loïc Damelet et Lionel Roux, sous l’eau, à terre et dans les airs depuis le fond de la Méditerranée jusqu’aux sommets des Alpes.

Le [mac] musée d’art contemporain de Marseille s’associe au projet national de célébration du centenaire de la naissance de François Morellet, avec un accrochage monographique inédit au sein de son parcours permanent. Cet événement est l’occasion de présenter pour la première fois l’ensemble des six œuvres de l’artiste conservées dans les collections des musées de Marseille, dont la première œuvre acquise très tôt en 1971. Des prêts du Studio Morellet, du Frac Sud - Cité de l’art contemporain et du Fonds M-Arco viennent compléter cette présentation et sont ainsi l’opportunité d’un dialogue entre les collections privées et publiques du territoire attestant ainsi de l’ancrage et de la présence de François Morellet à Marseille. ► Afin d'être certain(e) de pouvoir bénéficier de la visite complète de toutes nos salles d'exposition, nous vous invitons à contacter le Musée avant votre visite. ► Afin de favoriser l’accès à la culture pour toutes et tous, la Ville de Marseille rend gratuit l’accès aux expositions temporaires le premier jour de leur ouverture ainsi que chaque premier dimanche du mois. ► Toutes les visites et activités autour de l'exposition sont disponibles sur le site musees.marseille.fr

L'exposition plonge le visiteur dans un voyage où les archives familiales de cinq générations deviennent le terrain d’une exploration collective. Sabine Villiard, artiste visuelle et dernière héritière d’un fonds photographique exceptionnel, explore à travers La Dernière Gardienne, les thèmes de la mémoire, l’identité et la transmission. Tout commence en 2020, à la mort de son père, lorsqu’elle découvre une collection familiale immense transmise depuis près de deux siècles, révélant l’apport de cinq générations de photographes amateurs au sein de sa propre famille. Depuis, elle indexe méthodiquement, enquête avec rigueur et réincarne ce patrimoine. Elle s’approprie cette mémoire intime, historique et universelle telle une mémoire vivante : c’est un acte de résilience et de résistance poétique à l’oubli. Cette première exposition présentée à la Villa Tamaris, révèlera l’identité visuelle des douze membres photographes qui ont constitué ces archives et les évènements historiques majeurs qu’ils ont capturés. La Dernière Gardienne plonge le visiteur dans un voyage sensible où les archives de cinq générations deviennent le terrain d’une exploration collective. Le passé, ni figé ni oublié, est réveillé, réinventé et partagé. L’exposition transcende le cadre familial pour toucher à l’universel, invitant chaque spectateur à devenir gardien de sa propre mémoire. Des installations immersives, des fragments de textes et des objets disséminés comme des indices guident une enquête journalistique et artistique. Les dispositifs scénographiques, interrogent notre héritage invisible : gestes, silences, résiliences. Images, manuscrits et objets se superposent en strates temporelles, tandis que cadavres exquis et collages illustrent notre identité fragmentée. Qui sommes-nous sinon la somme des êtres et des histoires qui nous ont précédés ? Quels ingrédients transversaux relient les générations entre elles ? La mémoire devient tangible, incarnée dans la photographie, pour nous permettre d’explorer la notion d’épigénétique. Sabine Villiard a photographié des milliers d’objets de la collection familiale, créant un inventaire visuel monumental. Chaque cliché – preuve, relique ou pièce de puzzle – constitue un manifeste contre l’effacement préservant une mémoire à la fois intime et universelle. Son travail interroge la matérialité de l’image et sa force sémantique en jouant avec la transversalité du medium, qui, à l’instar de la famille, est générationnelle, universelle, et sert les autres arts. Chaque archive, chaque fragment de mémoire oubliée devient une métaphore de l’identité fragmentée, point de départ pour explorer l’humain, le monde et les cycles tragiques de l’Histoire. Inspirée par les surréalistes, elle déstabilise les hiérarchies, détourne les règles et scrute les failles du réel, cherchant à rendre visible l’invisible.

La Maison du Tourisme propose à tous les groupes, une visite gratuite du Vieux Village du lundi au vendredi. Cette visite peut s'effectuer sur une journée, une demi-journée ou encore quelques heures. La guide de la Maison du Tourisme vous fera diverses propositions en fonction de vos attentes. Vous pourrez visiter les divers monuments du village, les ateliers des artisans et producteurs du terroir ou encore les expositions du moment. Visite pour les groupes de minimum 15 personnes. Réservations par téléphone ou par mail.

Aux portes de Marseille, à 228 mètres d’altitude au pied du massif de Garlaban, Allauch de par sa situation géographique et son exposition au vent, accueille depuis le 12ème siècle des moulins à vent bâtis dans la tradition provençale. D’abord situés à l’intérieur du château (12ème siècle) puis sur l’actuelle place de l’église Saint Sébastien jusqu’à ce que la construction de celle-ci leur coupe le vent, les moulins ont été déplacés sur l’actuelle esplanade qui n’était alors qu’une butte. Ces moulins, prospères jusqu’à la fin du 18ème siècle, ont cessé de battre le blé à l’aube de l’ère industrielle. En 1900, ayant perdu leurs ailes, ils furent réduits à la fonction de grange à paille. Aujourd’hui, deux moulins sont restaurés : le moulin Camoin, rénové en 1936 pour son gros œuvre et en 1970 pour le toit et les ailes et le moulin Ricard, restauré intégralement avec son mécanisme en 2013. Il peut aujourd’hui moudre le blé comme autrefois. De forme cylindrique, le moulin Ricard est dit de type « tour », son assise fixe est réalisée en maçonnerie et surmontée d’une toiture pouvant pivoter à 360° afin d’orienter les ailes face au vent. Les moulins provençaux n’ont qu’un étage, généralement avec ossature et escalier en bois. Les ailes, entrainées par le vent, actionnent la lanterne et le gros fer qui transmettent leur mouvement à la meule tournante. Le blé, versé dans la trémie, est alors écrasé entre la meule dormante (fixe) et la meule tournante. La mouture est récupérée au rez-de-chaussée dans une huche en bois. Une démonstration complète (ailes en mouvement) ne sera possible qu’en présence d’un vent suffisant. Des visites peuvent être faites en semaine sur réservation pour des groupes de 15 personnes. La réservation peut se faire par téléphone ou par mail. https://www.youtube.com/watch?v=Fu2h5AaU7Y0

Cette grande rétrospective consacrée à Lucien Clergue inscrit définitivement son nom dans le panthéon de la photographie du XXᵉ siècle. Après l'hommage solennel du Grand Palais en 2015, cette pour la… Cette grande rétrospective consacrée à Lucien Clergue inscrit définitivement son nom dans le panthéon de la photographie du XXᵉ siècle. Après l'hommage solennel du Grand Palais en 2015, cette nouvelle exposition rassemble pour la première fois l'intégralité des grandes séries qui ont jalonné soixante années de création. Des premiers tirages sortis du laboratoire de fortune installé dans la cuisine maternelle aux compositions souveraines de la maturité, c'est l'œuvre entière d'un photographe-poète qui se déploie ici, dans toute sa cohérence et sa puissance. Né à Arles en 1934, Lucien Clergue est un enfant de la Camargue et de la guerre. Sa mère Jeanne, qui tient une modeste épicerie rue de la Roquette, sait reconnaître chez son fils unique cette sensibilité particulière qui appelle l'art. À huit ans, elle lui offre son premier violon ; à treize, son premier appareil photo. Entre ces deux gestes maternels se loge tout l'avenir d'un homme qui ne cessera de tisser musique et image, partition et tirage, mélodie et lumière. Lorsque la maison familiale est éventrée par les bombardements de 1944, Lucien n'a que dix ans et déjà la mélancolie s'installe en lui comme une seconde nature. Sa mère meurt en 1952, le laissant seul avec un appareil photo, une ville en ruines, et l'urgence absolue de créer. C'est cette urgence que l'on retrouve dans la série bouleversante des Saltimbanques, réalisée entre 1954 et 1955. Dans les décombres d'Arles, le jeune photographe convoque ses amis d'enfance, leur taille des costumes d'arlequin et de trapéziste dans ses propres pyjamas, et compose une « grande récréation » funèbre où des acrobates pâles déambulent sous une lumière sans soleil. Ces images, où l'ombre du Picasso bleu affleure sans que Clergue ait encore rencontré son aîné, sont peut-être les plus secrètes, les plus intimes de toute son œuvre. Elles disent la perte, la guerre, l'enfance brisée, mais aussi le sursaut poétique qui transforme la douleur en théâtre. L'année 1953 est celle des révélations. Sur les arènes d'Arles, l'adolescent timide tend ses photographies à un homme dont il vient d'apprendre la présence : Pablo Picasso. Le maître espagnol, frappé par la maturité de ce regard, lui demande de continuer, de revenir, d'envoyer ses tirages. Une amitié naît qui durera vingt ans, jusqu'à la mort du peintre en 1973. Picasso devient pour Clergue à la fois mentor, complice et témoin. Il le présente à Jean Cocteau en 1957, qui à son tour s'enthousiasme et l'invite sur le tournage du Testament d'Orphée aux Baux-de-Provence. Le poète sera si marqué par les photographies d'Arles qu'il en reproduira certaines scènes dans les fresques de la chapelle Saint-Pierre de Villefranche-sur-Mer. « Clergue fut sans doute le seul témoin de la naissance d'Aphrodite, qu'on se le dise », écrira-t-il. C'est également par l'entremise de Douglas Cooper, le grand collectionneur installé au château de Castille près d'Uzès, que Clergue accède au cercle international de l'art moderne. En 1958, il expose au Kunstgewerbe Museum de Zurich, à l'heure même où s'y tient la mythique exposition The Family of Man. Edward Steichen, qui dirige alors le département photographique du MoMA, découvre son travail et acquiert plusieurs tirages (charognes, gitans, taureaux, marais, premiers nus) pour les collections du musée new-yorkais. C'est le début d'une reconnaissance américaine qui ne se démentira jamais. En 1961, lorsque Clergue effectue son premier voyage aux États-Unis avec sa jeune épouse Yolande (Picasso ayant offert le billet de cette dernière), il franchit les portes du MoMA pour y voir Guernica, et traverse, médusé, les salles entières consacrées à la photographie. Là-bas, la photographie est un art à part entière. La France ignore encore cette évidence. De ce choc naîtra une mission qui occupera la moitié de la vie de Clergue : faire reconnaître la photographie comme art majeur dans son pays. Il y faudra quarante-cinq ans, des combats sans relâche, et la création en 2006 de la VIIIᵉ section de l'Académie des Beaux-Arts, dont il occupera le premier fauteuil d'académicien. Mais bien avant cette consécration, Clergue avait déjà transformé Arles en capitale mondiale de l'image. Dès son retour de New York, il fonde avec Jean-Maurice Rouquette, conservateur du Musée Réattu, la première collection publique de photographie d'un musée français, collection qui réunit aujourd'hui plus de cinq mille œuvres. Et en 1969, avec quelques complices, il porte sur les fonts baptismaux les Rencontres internationales de la photographie d'Arles, dont l'éclat international ne s'est jamais éteint. Au-delà de ces engagements institutionnels, Clergue n'a cessé d'inventer. Sa carrière se déploie en grandes séries qui dialoguent comme les mouvements d'une symphonie. Les Charognes et les Taureaux disent la fascination pour Thanatos, pour la matière qui se défait, pour la frontière trouble entre vie et mort. Les Gitans, voisins du quartier de la Roquette, sont chantés comme une fraternité d'élection : Clergue accompagne José Reyes, révèle Manitas de Plata, le hisse jusqu'au Carnegie Hall, et la guitare gitane ne quittera plus jamais son œuvre. Les Nus de la mer, inaugurés dès 1956, constituent peut-être sa contribution la plus singulière à l'histoire de la photographie : sur les plages camarguaises, des Vénus sans visage s'enroulent dans la vague, deviennent statues antiques, redeviennent eau. Clergue ose un nu radical, à la fois académique et révolutionnaire, qui se débarrasse de toute anecdote pour ne retenir que la femme originelle, intemporelle, universelle. Et puis il y a le sable. Cette matière humble, infinie, où la lumière rasante grave d'éphémères calligraphies, devient pour Clergue un véritable langage. Sur les plages de Faraman, à quelques pas du village natal de sa mère, il photographie pendant des années les traces d'oiseaux, les sillons d'insectes, les rides du vent et de l'eau, jusqu'à composer une grammaire visuelle inédite. En 1979, il soutient à l'Université de Provence un doctorat de troisième cycle qui fait scandale et école : Langage des sables, thèse sans texte ni parole, où seule l'image parle. Roland Barthes, présent à la soutenance, rédigera la préface du livre paru l'année suivante. Une révolution silencieuse, à la mesure de cet homme discret qui aura toujours préféré faire que dire. L'exposition que nous présentons aujourd'hui suit ce fil patient. Des Saltimbanques aux derniers polaroïds, des planches-contact des années cinquante aux maquettes de livres conçues comme des partitions, elle restitue la cohérence d'une œuvre que l'on a parfois trop simplement réduite à quelques icônes. Un accent particulier y est mis sur le travail en couleur du photographe, longtemps éclipsé par la légende du noir et blanc et pourtant essentiel pour mesurer sa pleine modernité. À partir des années quatre-vingt-dix, Clergue se passionne pour la surimpression. Réalisées intégralement à la prise de vue, sans aucune intervention numérique, ces images superposent dans le même cadre des nus contemporains, des scènes de tauromachie avec des fresques de la Renaissance italienne. Clergue n'est donc pas seulement le photographe de Picasso, des gitans ou des nus camarguais. Il est l'auteur d'une cosmogonie personnelle où les quatre éléments (l'eau, la terre, le feu, l'air) composent et recomposent sans cesse une même méditation sur le temps, la mémoire et le désir. « Donner une image directe de la réalité ne m'intéresse pas, écrivait-il. Mes photos ont une part d'ambiguïté et une part de rêve, ce sont des métaphores. » Cette part de rêve, cette ambiguïté féconde irriguent l'ensemble du parcours proposé. On y verra dialoguer les fresques de Cocteau et les portraits du peintre espagnol, les guitares de Manitas et les charognes du Rhône, les vagues camarguaises et les violons d'enfance. On y entendra surtout, en sourdine, la Chaconne de Bach que Clergue écoutait en travaillant ses livres et qui fut, disait-il, la « colonne vertébrale » de sa vie. Car Lucien Clergue, photographe de la lumière méditerranéenne, fut aussi un grand mélancolique nourri de musique allemande, un Arlésien universel, un autodidacte devenu académicien, un enfant de l'épicerie devenu l'ami des plus grands artistes de son siècle. Cette rétrospective est d'abord un hommage à cette trajectoire exemplaire et à cette œuvre singulière. Mais elle est aussi, plus largement, l'occasion de mesurer la dette que la photographie française doit à celui qui, depuis Arles, a su lui ouvrir les portes des musées, des académies et des consciences. Lucien Clergue s'est éteint en 2014, dans la ville qui ne l'avait jamais vraiment quitté. Son œuvre, elle, continue d'élargir son onde, et chaque génération nouvelle y découvre, intacte, la fraîcheur d'un regard qui sut, mieux que tout autre, voir la vie naître du sable, de la guerre et de la mer. Comissariat de l'exposition : Cyril Bruneau