Que faire à Marignane en janvier 2027 ?

Le musée Granet d’Aix-en-Provence présente du 4 juillet 2026 au 3 janvier 2027, pour la première fois en France, une exposition exceptionnelle des photographies de Paul McCartney, célèbre chanteur … Le musée Granet d’Aix-en-Provence présente du 4 juillet 2026 au 3 janvier 2027, pour la première fois en France, une exposition exceptionnelle des photographies de Paul McCartney, célèbre chanteur des Beatles, intitulée %b%Paul McCartney, photographe 1963-64 : Eyes of the Storm%/i% . Cette exposition de plus de 250 clichés, pris par le musicien entre 1963 et 1964, retrace une période charnière du groupe au moment où sa célébrité va dépasser les frontières de Liverpool et du Royaume-Uni, pour devenir un véritable phénomène planétaire. C’est grâce à la redécouverte en 2020 dans les archives de Paul McCartney de près d’un millier de photographies prises par l’artiste avec un appareil photo de 35 mm, qu’est livré ce témoignage profondément personnel sur cette période décisive dans l’évolution du groupe. L’artiste immortalise le parcours extraordinaire des Beatles, de ville en ville, de l’Europe aux États-Unis : Liverpool et Londres à la fin de l’année 1963, Paris, puis les États-Unis en février 1964 où leur performance dans l’émission « The Ed Sulivan Show » est vue par environ 73 millions de téléspectateurs. Ces images révèlent une partie de l’intimité de ces quatre garçons de Liverpool en tournée, qui commencent à parcourir le monde et découvrent pour la première fois les États-Unis. Nous sommes à moins de 20 ans de la fin de la Seconde Guerre mondiale, ce pays est vu par Paul McCartney - et plus largement par de nombreux européens -, comme celui qui a libéré l’Europe. Il incarne à l’époque une certaine modernité. Il fascine. Ces clichés racontent l’intensité des concerts, des longues journées passées en répétition, dans les hôtels, sur la route, soumis au regard des médias à chaque étape de leur parcours. Pour ces quatre jeunes garçons déjà célèbres, tout est découverte…Ils montrent aussi des atmosphères, une esthétique propre à ces années 60. Avec ces photographies, les visiteurs vont (re)découvrir une société aujourd’hui disparue, au travers ici d’une lunette arrière de voiture ou d’une vitre de train, là d’un bout de trottoir devant l’Olympia à Paris où les Beatles sont programmés avec Sylvie Vartan… autant de photos souvent prises « à la volée », floues, parfois cadrées de manière plus rigoureuse. Paul McCartney aime la photographie qu’il pratique avec son frère dès l’enfance, grâce au premier appareil familial, un Kodak Brownie. L’exposition va ainsi s’articuler de façon chronologique et en 7 temps forts : Derrière l’objectif ; Liverpool et Londres ; Paris ; Départs et arrivées : New York ; De New York à Washington ; Miami. Exposition organisée par Paul McCartney avec Sarah Brown pour le compte de MPL Communications Limited et Rosie Broadley de la National Portrait Gallery, Londres, et présentée par le musée Granet – Ville d’Aix-en-Provence. Cette exposition est incluse dans la programmation des Rencontres de la photographie d'Arles (Grand Arles Express)

Paul Reas fait partie des photographes qui ont révélé la classe ouvrière et montré le déclin industriel du Royaume-Uni. Paul Reas fait partie des photographes qui ont révélé la classe ouvrière et montré le déclin industriel du Royaume-Uni. Fables of Faubus aborde l’oeuvre de ce photographe documentaire britannique qui s’étend sur trente années (1982-2012). L'exposition est composée en six chapitres : Industry, Penrhys Estate, Valleys, I Can Help, Flogging a Dead Horse et From a Distance Sa photographie, loin d’être purement documentaire, est un art politique : un regard sans illusion, mais pas sans espoir, sur les récits que la société se construit pour oublier ceux qu’elle laisse derrière. Ces différentes séries sont compilées dans le livre Fables of Faubus, publié chez Gost Books. Le livre sera proposé à la vente pendant l’exposition.

Cette exposition, est conçue en 6 chapitres : industry, penryhs estate, valleys, I can help, flogging a dead horse frome a distance. La photographie de Paul Reas est loin d'être purement documentaire. Elle est un art politique : un regard sans illusion, mais pas sans espoir....

Résister, c’est s’opposer, détourner, hacker, déranger. C’est aussi subvertir, transformer l’impact, traverser la faille, construire dans la fissure, créer. Mais certaines formes de lutte ne crient pas, elles dansent, elles rient, elles chantent. Ces approches ne nient pas le réel, elles ne l’édulcorent pas — elles choisissent de le traverser autrement. Elle crée des espaces de puissance collective, des fictions désirables, des rituels de résistance fondés sur la relation plutôt que sur la confrontation. Les deux dimensions ne s’opposent pas : elles coexistent dans les pratiques artistiques contemporaines comme autant de réponses sensibles et politiques. Plusieurs axes de développement : L’hacktivisme comme pratique artistique Des artistes utilisent le hacking comme outil critique et créatif pour révéler les mécanismes invisibles de surveillance, de contrôle et de pouvoir inscrits dans les technologies numériques. Esthétiques du détournement et poétiques de la dissonance Le détournement des interfaces, des algorithmes et des usages technologiques devient un moyen de perturber les discours dominants et de produire de nouvelles formes poétiques et critiques. Résistances intimes : vulnérabilité, corps et subjectivités Cette thématique explore la manière dont les pratiques numériques peuvent porter des récits sensibles liés au corps, à la mémoire, au soin et aux identités fragilisées ou marginalisées. Esthétiques de la résilience : soin, mémoire, réparation Au-delà de la contestation, certain·es artistes choisissent des gestes réparateurs. Ils travaillent la mémoire blessée, la saturation émotionnelle. La résilience devient ici une poétique du soin – pour les corps, les territoires, les récits, les infrastructures numériques elles-mêmes. Contre cartographies et désorientation techno politique En détournant les outils de la surveillance, les artistes peuvent aussi produire des cartographies alternatives, des récits minoritaires ou invisibilisés, qui interrogent les logiques de contrôle et d’exploitation. Ce sont ces formes de désorientation volontaire – dans l’espace, dans le langage, dans la donnée – que la Biennale souhaite mettre en lumière. Esthétique de l’ombre et stratégies de disparition Face à l’injonction permanente à la visibilité, cette approche valorise l’anonymat, le camouflage et l’opacité comme formes de résistance artistique et politique. Fictions technologiques et imaginaires alternatifs Résister, c’est aussi imaginer. Imaginer d’autres futurs technologiques, d’autres ontologies numériques, d’autres formes de relation entre humain, machine et vivant. Les œuvres spéculatives proposent des mondes de rechange, entre utopie bricolée et dystopie critique, entre fabulation politique et création symbolique.

En explorant les arts visuels, le spectacle vivant, l’espace public, les arts sonores et la création immersive, la Biennale des Imaginaires Numériques explore la présence et l’usage des technologies … En explorant les arts visuels, le spectacle vivant, l’espace public, les arts sonores et la création immersive, la Biennale des Imaginaires Numériques explore la présence et l’usage des technologies dans l’art, se déploie en Région, au plus près des gens et donne la parole aux artistes nationaux·ales et internationaux·ales d’horizons différents. De fin octobre 2026 à janvier 2027, dans plusieurs villes de la région Sud — Aix-en-Provence, Marseille, Avignon, Arles et Istres — elle proposera une programmation pluridisciplinaire consacrée aux arts et cultures numériques, mêlant créations visuelles et sonores, spectacle vivant et installations dans l’espace public. Après une 4ème édition ponctuée de succès et ayant rassemblé plus de 102 500 visiteur·euses, la Biennale revient avec une programmation riche et accessible à tou·tes, réunissant des propositions françaises, méditerranéennes et internationales autour du thème « Résistances ». Par cette thématique, il s’agit d’examiner comment les pratiques numériques – qu’elles soient issues de la performance, de l’installation, du spectacle vivant, de la réalité augmentée, de la vidéo ou de l’écriture algorithmique – peuvent devenir des espaces de lutte symbolique, politique et esthétique. Cette cinquième édition s’inscrit dans un vaste récit méditerranéen en mettant à l’honneur la diversité de ses artistes et créateur·ices engagé·es dans de multiples formes de création numériques.

"Voix Publiques" est une installation sonore destinée à l’espace public. L’installation est constituée d’enregistrements de textes poétiques interprétés par des artistes du continent africain et de la diaspora. Pièce sonore composée de voix, "Voix Publiques" est un programme qui rend compte de la diversité des écritures et des interprétations poétiques. Il vise le décloisonnement de la perception des textes et la valorisation des interprétations. "Voix Publiques" privilégie la participation d’auteurs de différentes générations issus du continent africain. Les interprètes sont poètes, artistes lyriques ou issus du spoken word, artistes plasticiens, auteurs-compositeurs, comédiens ou simplement amateurs et lecteurs de poésie. Conçue pour être déployée en extérieur - rue, place, espaces verts - Voix Publiques renoue avec une tradition de diffusion poétique populaire, au cœur de la ville et des quartiers, afin de faire entendre au public la littérature poétique dans ses formes diverses et dans différentes langues. Auteurs et interprètes joignent leurs voix et leurs souffles et participent à un programme dans lequel le continent africain regarde et dit le monde. "Voix Publiques" est une œuvre et un programme conçus avec une dimension collaborative. L’œuvre et le programme de diffusion poétique sont voués à s’enrichir des contributions artistiques qui se constituent lors de sa mise en place et de sa présentation dans les différents lieux concernés. Dans sa volonté d’envisager et de promouvoir les productions poétiques locales, "Voix Publique"s intègre deux dimensions : l’œuvre et le programme constituent à la fois une archive et une mémoire vivante de la production littéraire poétique, qu’elle soit texte ou voix. Pour la Saison Méditerranée 2026, "Voix Publiques" s’intéresse à la production poétique des pays africains de la Méditerranée, avec un focus sur la création poétique algérienne. Auteur·e·s envisagé·e·s (liste non exhaustive) : Lamis Saidi, Ramzy Naili, Abderazzak Boukeba, Kateb Yacine, Tahar Djaout, Habiba Djahnine, Samira Negrouche, Anna Greki et Souad Labbize, Salah Badis Partenariats : rhizome, Alger CIPM, Marseille [mac] musée d’art contemporain / Centre de la Vieille Charité / Musée Cantini / CIPM Création sonore labellisée Saison Méditerranée - Institut français Du 19 septembre 2026 à janvier 2027 ► Afin d'être certain(e) de pouvoir bénéficier de la visite complète de toutes nos salles d'exposition, nous vous invitons à contacter le Musée avant votre visite. ► Afin de favoriser l’accès à la culture pour toutes et tous, la Ville de Marseille rend gratuit l’accès aux expositions temporaires le premier jour de leur ouverture ainsi que chaque premier dimanche du mois. ► Toutes les visites et activités autour de l'exposition sont disponibles sur le site musees.marseille.fr

À l’occasion du Bicentenaire de la Photographie, les Archives municipales de Marseille invitent à découvrir la richesse et la diversité de leurs fonds photographiques, à travers le prisme singulier … À l’occasion du Bicentenaire de la Photographie, les Archives municipales de Marseille invitent à découvrir la richesse et la diversité de leurs fonds photographiques, à travers le prisme singulier du portrait. Ce patrimoine sera mis à l’honneur dans une exposition présentée du 21 novembre 2026 au 30 avril 2027. Celle-ci propose une sélection de portraits réalisés du milieu du XIXe siècle à la fin du XXe siècle, permettant d’explorer à la fois les évolutions techniques du médium photographique et le processus de démocratisation qui a accompagné son développement. L'exposition explore 150 ans de pratiques, depuis la transposition du portrait peint en photographie, réservée à une élite, jusqu'au selfie pratiqué par tous. Des premières expérimentations d'amateurs en studio aux photographes-filmeurs de rue, le photographe, simple observateur ou complice, capteur d'émotions, construit une relation avec le modèle, aspirant à laisser une trace, entre affirmation de soi et appartenance à un groupe social.

Du 15 mai 2026 au 3 janvier 2027, le \[mac\] musée d’art contemporain de Marseille consacre une exposition à l’artiste contemporaine française d’origine russe et algérienne Louisa Babari. Intitulée à… Du 15 mai 2026 au 3 janvier 2027, le \[mac\] musée d’art contemporain de Marseille consacre une exposition à l’artiste contemporaine française d’origine russe et algérienne Louisa Babari. Intitulée _AFRICA_, cette proposition immersive explore les strates antiques et mythologiques de l’Afrique du Nord à travers un corpus d’oeuvres photographiques, plastiques et sonores, où se croisent histoire, fiction et mémoire. Conçue en partenariat avec le Centre d’art contemporain Passages de Troyes et avec le soutien du Conservatoire Pierre Barbizet, l’exposition fait partie de la programmation des Rencontres d’Arles, dans le cadre du Grand Arles Express. Elle a reçu également le label de la Saison Méditerannée. Elle est accompagnée de la création sonore, _Voix Publiques_, produite avec le concours du centre d’art rhizome, Algérie. Le \[mac\] invite Louisa Babari dans l’espace expérimental de la \[mac\]room. En 2024, le \[mac\] musée d’art contemporain de Marseille a fait l’acquisition de _Journal d’un étudiant algérien à Moscou_, oeuvre emblématique de Louisa Babari composée d’archives familiales retraçant le parcours de son père en URSS entre 1962 et 1972. À travers cette micro-histoire intime, l’artiste propose un contrepoint à l’iconographie coloniale et postcoloniale, dessinant une Algérie « hors sol » et ouvrant un dialogue critique avec les grands récits historiques. Souhaitant approfondir cette démarche, le \[mac\] confie à Louisa Babari l’espace expérimental de la \[mac\]room. L’exposition _AFRICA_, conçue en partenariat avec le Centre d’art contemporain Passages de Troyes, s’inscrit dans une recherche au long cours mêlant archéologie des images, mythologie amazighe et création contemporaine. L’exposition s’accompagne d’une pièce sonore conçue spécialement par l’artiste, en collaboration avec les étudiants de la classe de musique électroacoustique du Conservatoire Pierre Barbizet, sous la direction de Jean-Luc Gergonne. _AFRICA_ : entre mythologie amazighe et création contemporaine Le titre de l’exposition fait référence à la déesse berbère Africa – Ifri ou Ifru–, figure mythologique associée au feu, à la guerre, à la fertilité et au commerce. À travers cette référence, Louisa Babari interroge la genèse du nom « Africa » et son extension progressive à l’ensemble du continent, depuis l’Afrique du Nord antique jusqu’à ses réappropriations contemporaines. L’exposition déploie un ensemble d’oeuvres photographiques, collages, photomontages et créations sonores consacrés aux civilisations berbère et numide, dans l’espace algérien. Les recherches menées par l’artiste sur son patronyme – issu de la tribu Babari, originaire des Aurès – nourrissent un imaginaire peuplé de figures guerrières, de cavaliers et cavalières, de lions de Barbarie et de chevaux Barbes, formant un bestiaire antique réactivé par des dispositifs immersifs. Croisant histoire, intuitions personnelles et production artistique, _AFRICA_ propose une réflexion esthétique et subjective sur une Algérie antique, précoloniale et mythologique, encore largement absente des représentations dominantes.