Que faire à Fréjus en juillet 2027 ?

Sêma. De l’image au récit méditerranéen Sêma. De l’image au récit méditerranéen ------------------------------------------- Un regard sur la collection photographique de la Fondation des Treilles Cette exposition propose de revisiter la collection photographique de la Fondation des Treilles à partir d’un imaginaire où la photographie s’inscrit comme un acte de présence et de reconnaissance, dessinant un récit transversal à la culture méditerranéenne. Ici, les regards font présence, les gestes portent la mémoire et le paysage s’impose comme un corps inéluctable. Les sêma — du grec σῆμα, « signe », « indice », mais aussi « trace » révélatrice d’une identité —, qui traversent ces images, ne se contentent pas de représenter : ils dévoilent une trame où affleure un héritage. Les photographies de Julie Bourges, Clément Chapillon, Dana Cojbuc, Bernard Descamps, Hicham Gardaf, Andréa & Magda et Wictoria Wojciechowska, anciens lauréats du Prix photographique, donnent forme à une relation sensible au monde faite de pratiques et d’ancrages, mais aussi à une expérience de la matière, du temps et du territoire qui révèle un socle culturel partagé à l’échelle du bassin méditerranéen.

Le Chaos qui me donne la vie. Atlas d’un pays imaginé est l’œuvre lauréate du Prix Swiss Life à 4 mains 2026-2027, 7e édition. Ce prix artistique, unique en France, est attribué par la Fondation Il 2… Le Chaos qui me donne la vie. Atlas d’un pays imaginé est l’œuvre lauréate du Prix Swiss Life à 4 mains 2026-2027, 7e édition. Ce prix artistique, unique en France, est attribué par la Fondation Swiss Life. Il récompense tous les 2 ans le projet de création croisée et originale d’un.e photographe et d’un.e compositeur.trice. " Nous développons, à quatre mains, une traversée sensorielle de l’exil, où image et musique deviennent des langages capables de circuler au-delà des frontières. Le projet prend racine à El Callao, au Venezuela, territoire façonné par les migrations antillaises liées à l’exploitation aurifère. Le carnaval, le calypso et le créole y portent la mémoire vivante de ces circulations, aujourd’hui mises en tension avec l’un des plus grands exodes contemporains, avec près de 7,9 millions de Vénézuéliens ayant quitté leur pays. Le projet se déploie en quatre chapitres, écrits depuis trois territoires — Guadeloupe, Trinidad et Tobago, Guyane française — et un territoire fantasmé : le Venezuela. Chacun constitue un espace de recherche et de reconnexion, où nous sommes allées chercher, dans les sons, les corps et les rituels, ce qui nous relie encore à notre pays, maintenu dans la mémoire et la sensation. Ces déplacements dessinent une cartographie sensible, faite d’échos, de correspondances et de décalages. Entre proximité et distance, présence et absence, le projet explore ce qui persiste, se transforme ou se déplace lorsque l’on vit hors de sa terre. Il propose ainsi une forme ouverte, où l’expérience de l’exil se recompose à travers des fragments, entre imaginaire et mémoire." Oleñka Carrasco et la Chica

"William Klein / Fernand Léger. Mêmes combats" "William Klein / Fernand Léger. Mêmes combats" Une expostion organisée par le GrandpalaisRmn et les musées nationaux du XXe siècles des Alpes-Maritimes. À l’occasion du Bicentenaire de la Photographie en 2026-2027, le musée national Fernand Léger met en lumière, de manière originale et inédite, un dialogue artistique entre l’oeuvre du photographe américain William Klein (1926-2022) et l’oeuvre du pionnier des avant-gardes modernes, Fernand Léger (1881-1955). Dans l’immédiat après-guerre, en 1947, William Klein s’installe à Paris pour étudier à l’université de La Sorbonne puis suit l’enseignement de Fernand Léger au sein de son école de peinture, « L’Académie moderne », située à partir de 1924 dans le quartier de Montparnasse. Tout au long de son parcours, le photographe s’est régulièrement exprimé sur le peintre pour lequel il éprouvait une forte admiration. Il aurait d’ailleurs eu en sa possession un tableau des « Constructeurs » qu’il aurait acheté dans l’atelier du peintre. En 2017, William Klein lui rendait ainsi hommage: « Pour moi c’était une révélation. Je ne connaissais pas le monde de l’art, mais Léger, il détonnait. Il avait une allure de boxer, de paysan normand. » Pour le public, l’exposition sera l’occasion de découvrir l’oeuvre peint de William Klein qui, avant de se tourner vers son médium de prédilection et de devenir l’un des plus grands photographes du XXe siècle, aspirait à devenir peintre. Ses premiers tableaux, datés de la fin des années 1940, témoignent d’une influence prégnante des oeuvres de Léger tant par le choix des sujets iconographiques – la représentation de l’homme dans la ville moderne, des corps en mouvement ou encore la nature morte revisitée – que par les moyens plastiques utilisés – goût pour les couleurs puissantes posées en aplat et la géométrisation des formes. Bien que leurs modes d’expression soient fondamentalement différents, le poids de l’enseignement du peintre Fernand Léger sur le photographe William Klein est perceptible à travers des préoccupations esthétiques proches : célébration des paysages urbains et du monde de la rue, introduction de la typographie puisée dans l’esthétique publicitaire ou encore tentation d’une abstraction géométrique pure influencée par les avant-gardes modernistes. Parmi leurs passions communes, tous deux ont exprimé leur fascination pour New York et ses lumières électriques dont ils transcrivent les effets miroitants et les contrastes violents dans leurs oeuvres respectives. Lors de son exil aux États-Unis entre 1940 et 1945, Léger s’enthousiasme pour « le spectacle le plus colossal du monde 1», pour la beauté géométrique de la ville, cette « apothéose de l’architecture verticale », symbole d’un monde neuf, jeune et tourné vers l’avenir. » Autour de 1942, Léger renouvelle sa peinture au contact de New York en inventant le procédé de la « couleur en dehors » qui rend hommage aux lumières mobiles et colorées de Broadway. En 1956, William Klein publie un ouvrage photographique dédié à sa ville natale, Life is Good & Good for You in New York, bientôt connu sous le seul titre New York, chef-d’oeuvre fondateur de la photographie contemporaine par sa liberté de ton et son audace formelle. En 1958, il réalise son tout premier film, Broadway by light, film expérimental mettant en mouvement les multiples néons de Times Square à Manhattan. Sur le plan plastique, les oeuvres de Klein et de Léger se rejoignent autour de caractéristiques communes : une place essentielle accordée aux effets de contrastes puissants et à la fragmentation des formes, des corps et des objets, reflet de la rapidité et du rythme trépidant du monde moderne. Pour eux, la question du gros plan est également primordiale, comme en témoignent le livre photographique de Klein publié en 1989, Close up et les compositions picturales de Léger. L’artiste a souvent rappelé que sa découverte dans les années 1920 du gros plan, dans le cinéma novateur du réalisateur Abel Gance, a eu une incidence déterminante sur son travail de peintre. Bien que William Klein soit principalement identifié comme un immense photographe du XXe siècle, son oeuvre n’en reste pas moins totalement ouverte et pluridisciplinaire. À la fois photographe, peintre, cinéaste et graphiste, Klein pousse l’expérimentation jusqu’à fusionner ces différentes disciplines artistiques, notamment avec ses « Contacts peints », une série d’oeuvres hybrides initiée dans les années 1980, entremêlant de façon organique, photographie et peinture. Cette fusion des techniques donne naissance à un langage plastique original et personnel, mettant en lumière la méthode de travail de l’artiste ainsi que la dimension graphique de son oeuvre. William Klein et Fernand Léger apparaissent aussi comme deux chroniqueurs de leur époque sur laquelle ils portent un regard critique et engagé. Leur oeuvre, photographique pour l’un, pictural pour l’autre, se fait l’écho des profondes mutations sociales de leur temps. Leur esthétique percutante transmet un message fort tout en défendant avec conviction l’idéal d’un art accessible à toutes et à tous par-delà les clivages de la société contemporaine. Avec Klein et Léger, l’art descend littéralement dans la rue pour être au plus près du mouvement de la vie. En 1945, Léger adhère au Parti Communiste français à son retour d’exil aux États-Unis tandis que Klein réalise des films documentaires engagés sur les événements de mai 68 ou sur le boxeur noir américain Muhammad Ali. De cette plongée au coeur de la société du XXe siècle, émane une démarche humaniste qui dépasse l’engagement politique des artistes pour exprimer une sincère indignation devant les inégalités sociales et une inextinguible soif de liberté. L’exposition s’accompagne de la publication d’un catalogue richement illustré, publié aux Éditions de GrandPalaisRmn, d’une programmation culturelle et d’une offre de médiation spécifiques adaptées aux différents publics du musée.

Exposition d'une série de cyanotypes de Benjamin Gavaudo, issue d'une relecture de son travail photographique depuis son entrée au CMN. Réalisés par ses soins en grand format en vue d'un archivage le… Exposition d'une série de cyanotypes de Benjamin Gavaudo, issue d'une relecture de son travail photographique depuis son entrée au CMN. Réalisés par ses soins en grand format en vue d'un archivage dans le fonds photographique de la bibliothèque du CMN, cet ensemble présentera des points de vue originaux sur nos monuments et nos collections, dans une technique photographique qui retrouve depuis plusieurs années ses lettres de noblesse.

EXPOSITION “JEAN-CLAUDE CARBONNE, COLLABORATIONS ARTISTIQUES” Né dans les années 1950, Jean-Claude Carbonne découvre la photographie à l’âge de 16 ans et intègre le service communication de la ville d’Aix-en-Provence. Il entame dès 1996 une collaboration étroite avec le Ballet Preljocaj, tout en contribuant à la réalisation de nombreux ouvrages consacrés à l’opéra, à la danse, au théâtre et au cirque. Son œuvre personnelle s’articule principalement autour de thèmes tels que l’oubli, le passage du temps et l’empreinte humaine. Disparu en 2024, au moment même où Théâtres en Dracénie exposait quelques-uns de ses plus beaux clichés, il laisse derrière lui grâce à son regard sensible, certaines des plus belles images de l’œuvre d’Angelin Preljocaj. Une exposition conçue en partenariat avec l’unité Art Contemporain Artothèque

À l’occasion du Bicentenaire de la Photographie (1826-2026), la Fondation des Treilles propose un projet éditorial qui met en dialogue mémoire, territoire et contemporanéité. À l’occasion du Bicentenaire de la Photographie (1826-2026), la Fondation des Treilles propose un projet éditorial qui met en dialogue mémoire, territoire et contemporanéité. Développé dans le cadre du Prix Escourbiac – Fondation des Treilles, ce projet d’édition place au centre le travail d’un photographe contemporain dont la recherche visuelle interroge la Méditerranée comme espace de circulation et de dialogue. Par le biais d’une résidence et d’un accompagnement éditorial, un photographe est invité à travailler sur une sélection de ses œuvres, afin de la publier sous l’égide de la maison d’édition Odyssée et de l’imprimerie Escourbiac. Visant à soutenir le travail autour d’une publication monographique, le Prix constitue une forme concrète de soutien à la création contemporaine, à la valorisation de l’image comme outil de narration et de mémoire, et à la diffusion éditoriale de la photographie en tant qu’objet culturel et artistique. Les lauréats des éditions précédentes : Francine Cathelain, Jeanne Taris et Delphine Warin. La résidence qui l’accompagne offre au photographe un temps et un cadre de travail pour mener à bien et dans les meilleures conditions la sélection des œuvres et la postproduction des images. Par la diffusion dans des contextes de rencontres, ateliers et présentations publiques, le Prix Escourbiac – Fondation des Treilles contribue à la reconnaissance du livre photographique comme une forme d’expression à part entière, où la pensée visuelle dialogue avec la conception éditoriale.

Cette exposition retrace l’histoire de la photographie comme on parcourt un album de photos de famille. C’est Kodak N°1 Diodak, né en 1934 à Rochester (État de New York, États-Unis) qui est le... Exposition Photo de famille : quand les appareils racontent l’histoire photographique -------------------------------------------------------------------------- Roger BELLONE ------------- Du 31 mars au 25 septembre 2027 Vernissage mardi 30 mars 2027 _Bibliothèque patrimoniale Villa Saint-Hilaire - Grasse_ Cette exposition retrace l’histoire de la photographie comme on parcourt un album de photos de famille. C’est Kodak N°1 Diodak, né en 1934 à Rochester (État de New York, États-Unis) qui est le narrateur de cette saga familiale. L’exposition s’articule autour d’objets conservés à la bibliothèque : appareils et matériels, négatifs sur plaques de verre, tirages anciens, ouvrages sur la photographie… et met en valeur le fonds de Roger Bellone (1927-2025), journaliste-photographe grassois de renommée internationale, auteur de manuels techniques et lauréat de nombreux concours. De la chambre noire au Polaroïd, les personnages de cette histoire racontent le temps, la lumière, la mobilité et le passage du noir & blanc à la couleur !

L’exposition consacrée à André Villers, organisée à l’été 2027 dans la salle Eden rebaptisée à son nom, mettra en lumière son lien profond avec Vallauris, ses amitiés artistiques majeures et ses de … L’exposition consacrée à André Villers, organisée à l’été 2027 dans la salle Eden rebaptisée à son nom, mettra en lumière son lien profond avec Vallauris, ses amitiés artistiques majeures et ses nombreuses expérimentations plastiques. Riche de la collection du musée et de prêts de plusieurs institutions nationales et régionales, elle offrira un parcours thématique autour du territoire, des artistes et de la création. L’événement sera accompagné d’un catalogue, d’actions de médiation et d’un parcours photo en ville sur les lieux historiques de ses prises de vue.