Carquefou(Loire-Atlantique)

Connu pour ses peintures abstraites au tracé très épuré, Marc Gratas l’est aussi pour sa poésie dont le style contenu et exigeant a été salué par Amélie Nothomb. Connu pour ses peintures abstraites au tracé très épuré, Marc Gratas l’est aussi pour sa poésie dont le style contenu et exigeant a été salué par Amélie Nothomb. Dans cette exposition, l’artiste associe textes et peintures, invitant le visiteur à une expérience méditative et émotionnelle. De la navigation en haute mer et de ses marches solitaires, Isabelle Thomas-Isthme retient des fragments de paysages transposés sur la toile — non pour les représenter, mais pour en restituer la sensation. Ancrée dans une abstraction lyrique, son œuvre intuitive et construite inspire une poésie libre, qui fait aussi l’éloge de la beauté de la nature. À découvrir. Rencontre avec les artistes dimanche 21 février à 15h.

Si l’art a toujours constitué le moyen de sortir de la mécanisation du quotidien, d’imaginer des lieux parfaitement autres, de confondre marge et centre, autant d’actions opérantes qui permettent de … Si l’art a toujours constitué le moyen de sortir de la mécanisation du quotidien, d’imaginer des lieux parfaitement autres, de confondre marge et centre, autant d’actions opérantes qui permettent de créer des espaces en partage, quelles pourraient être les formes de la contre-culture aujourd’hui ? À relire Henri David Thoreau, ces formes peuvent être discursives mais surtout actives. Pour réveiller l’idée et même l’envie de la contre-culture nous avons donc chercher des formes qui agissent dans la société, qui s’emparent du discours non pour dire mais pour faire. Cette recherche, imaginée par le Centre Claude Cahun pour la photographie contemporaine à Nantes, dans le cadre du partenariat entre Nantes et Hambourg, s’est opérée dans trois collections : celle de Falckenberg des Deichtorhallen, celle du Fonds Régional d'Art Contemporain des Pays de la Loire et celle du Musée d’arts de Nantes. Ainsi, pour cette exposition, le Centre Claude Cahun a parcouru trois collections en prenant quatre axes de recherches formant aujourd’hui les quatre grands chapitres de cet ensemble. Ces quatre axes sont autant des idées que des modes de vie possibles, ils permettent de circuler dans le foisonnement de propositions révélant des œuvres qui revendiquent un positionnement aussi bien politique qu’artistique. 1/ Revendiquer la multiplication du point de vue et de voix comme une nécessité. Dans ses thèses sur l’histoire Walter Benjamin constate qu’elle est toujours celle des vainqueurs et pour lui il est nécessaire d’écrire aussi le point de vue des vaincus. À sa suite, beaucoup d’artistes, proposent des oeuvres offrant une vision plurielle confrontant des lectures comme les photomontages de Martha Rosler et remettant en cause l’écriture univoque de l’histoire par la révélation des contre-champs comme les vidéos d’Anri Sala ou les tableaux photographique de Sophie Riestelhubert. 2/ Voir, montrer, détourner, dénoncer. Comme l’explique Karl Marx, la posture critique consiste bien souvent à faire la présentation d’une chose, personne ou situation pour que dans cette présentation même s’organise la critique. Cette idée est reprise par beaucoup d’artistes, et notamment Lewis Baltz, qui travaillent l’acte critique par la présentation de faits ou d’archives. Pour Hans Peter Feldman c’est la présentation par l’accumulation qui accuse la mécanisation et chosification de l’homme quand d’autres, comme Robin Collyer, choisissent de montrer pour mieux détourner et dénoncer un état de fait trop normalisé. 3/ Réécrire l’histoire Beaucoup d’artistes s’emparent de leurs disciplines comme moyen de proposer une autre histoire, celle qui se glisse juste à côté de l’histoire officielle, échappant à toute obligation politique pour se concentrer sur la mémoire latente, celle qui travaille les corps et les esprits mais qui est souvent mise de côté par la surface des faits. Ainsi des artistes, comme Walid Raad ou Jeremy Deller, jouent de la fiction pour combler les lacunes d’une mémoire collective en lambeaux, ou d’autres comme Dennis Hopper ou Andrea Stappert choisissent de faire les portraits des artistes comme une mémoire officielle laisser dans l’ombre. 4/ Choquer, secouer, déranger et bouger les lignes : l’absurde comme arme Beaucoup d’artistes enfin déjouent l’incohérence du réel et d’un état de fait en créant des pièces qui dérangent le regard pour mieux dénoncer l’intolérable. Certains choisissent la provocation comme Valie Export ou Wolfgang Tillmans, quand pour d’autres l’absurde devient une forme en soi comme Olaf Breuning. Toutes ces œuvres sont pensées comme des actions qui engagent une révolution résolue. L'exposition s’articule autour de la photographie tout en la mettant en regard d’autres media afin d'imaginer une véritable installation dans les différents espaces où elle se déploie. Elle a donc été pensée comme un manuel de survie en milieu hostile afin de créer des chemins possibles dans l’art contemporain. Il ne s’agit plus d’un matin, mais bien de milliers de matins ouverts qui nous offrent la liberté d’embrasser une révolte aussi bien intime que politique. Avec Les Matins intérieurs nous espérons vous offrir une marche expérimentale aussi belle que celle que pouvait mener Thoreau dans les forêts du Massachusetts.

Voici une chevaleresse des temps modernes, une survivante de l’indicible qui se dresse pour affronter son histoire et en faire une parole partagée. ur scène, seule face au public dans une scénographie épurée où un tulle noir filtre des silhouettes, la comédienne donne voix à la petite fille qu’elle a été, à celle qu’elle est devenue et qui exige aujourd’hui justice. Soutenue par un chœur d’une dizaine de femmes cachées derrière ce voile, elle passe du murmure à la clameur, incarnant avec brio dans tous les personnages. Leur chant en breton, hommage à ses racines, tisse une dimension poétique et solidaire, comme une vague sonore qui porte sa parole. Un spectacle nécessaire et poignant, dont le titre, Chevaleresses, pourrait être le nom donné à toutes ces femmes qui luttent contre le silence, pour briser le tabou et célébrer la résilience. \> Texte lauréat de l’Aide à la création des textes dramatiques ARTCENA (Centre national des arts du cirque, de la rue et du théâtre).

Triomphe à sa sortie en 1994, Art de Yasmina Reza est devenue un classique du théâtre contemporain. François Morel et ses complices des Deschiens, Olivier Broche et Olivier Saladin, Dans un intérieur bourgeois dépouillé, signé Édouard Laug (le scénographe de la première version), un canapé et le célèbre monochrome blanc deviennent le terrain d’un affrontement aussi drôle que cruel. Marc, ingénieur, Serge, dermatologue, et Yvan, employé dans une papeterie, se connaissent depuis des décennies. Pourtant, l’achat de ce tableau, qualifié de « merde » par Marc, suffit à ébranler leur relation et à en révéler les non-dits. De ce texte à l’efficacité implacable, le trio, amis dans la vie comme sur scène, en révèle toute l’authenticité avec une candeur touchante. Moins un pamphlet contre l’art contemporain qu’un hymne à l’amitié, leur interprétation dévoile toute la complexité des rapports humains, entre disputes, mauvaise foi et joie de la réconciliation. \> Molières 2026 : quatre nominations dans les catégories Spectacle Théâtre Privé, Comédien (François Morel et Olivier Saladin) et Mise en scène (François Morel).

Depuis deux décennies, entre une discographie exigeante, des échappées littéraires et des rôles au cinéma, Bertrand Belin s’est imposé comme une figure majeure de la scène française. Avec Watt, son huitième album, il explore des paysages sonores élégants : le piano, les synthétiseurs et les cordes y dialoguent avec subtilité. Ses textes ciselés conservent cette poésie énigmatique qui le caractérise, mêlant humour et mélancolie, évoquant l’errance, la mémoire ou encore nos questionnements sur le monde. Sur scène, entre nonchalance apparente et allure dandy, cultivant le sens du mystère et un phrasé minimaliste, Bertrand Belin se joue des contrastes et captive le public. Il y déploie toute la palette de son univers : un mélange de rock, d’électro et de blues, où chaque note et chaque mot résonnent avec justesse.

Après nous avoir bouleversés avec Personne n’est ensemble sauf moi, Clea Petrolesi revient avec Pause, un théâtre de l’humain et du sensible où elle donne la parole aux acteurs du système judiciaire. Dix années d’interventions au SPIP (Service pénitentiaire d’insertion et de probation) du Val-d’Oise l’ont marquée à jamais : elle y a entendu les témoignages d’auteurs de violences conjugales et leur rapport complexe à la justice. Comme elle le raconte : « Dans les couloirs du SPIP, après une séance ou entre deux rendez-vous, on rit, on se raconte, on s’agace. Ce sont ces moments de vie que j’ai envie d’explorer ». De cette réalité a surgi l’idée d’une salle de pause fictive, où, sur scène, elle met en scène six comédiennes professionnelles et quatre femmes issues du milieu judiciaire (conseillère au Planning familial, enquêtrice au Parquet de Paris, avocate, médecin légiste). Ensemble, elles restituent la réalité de ce qui s’y vit. Une parole rare et essentielle qui célèbre celles et ceux qui oeuvrent au quotidien à l’éradication de la violence tout en explorant la difficile conciliation de volontés parfois paradoxales : comprendre, juger, réparer, protéger.