Tourcoing(Nord)

### Avec une acuité extraordinaire du regard, Serge Najjar parvient à sublimer ses photographies prises sur les chantiers libanais en de véritables tableaux faisant échos aux grands maîtres de la ou… Avec une acuité extraordinaire du regard, Serge Najjar parvient à sublimer ses photographies prises sur les chantiers libanais en de véritables tableaux faisant échos aux grands maîtres de la peinture abstraite géométrique tels Mondrian, Malévitch, Kandinsky, Bridget Riley ou Aurélie Nemours. Ce faisant, il nous offre une vision atypique du Liban, loin du pittoresque des vieilles pierres si souvent associé au patrimoine libanais. Serge Najjar, né à Beyrouth en 1973, à la veille de la guerre civile, est un photographe dont la notoriété rapide et immense est le fruit des réseaux sociaux. Il se fera connaître sous le nom de « serjios » sur Instagram. Largement autodidacte, il travaille d’abord avec son smartphone avant de se tourner vers la photographie argentique. En 2011, il est nominé au prix Pictet pour une photographie prise à l’aide de son téléphone portable. Il remporte ensuite le prix Photomed en 2014. La prédilection de Serge Najjar pour le béton, matériau mal aimé, signe d’une urbanisation sauvage, peut étonner. Pourtant, seul le béton rend possible les tracés les plus audacieux, les textures et les couleurs les plus variées. L’œil se perd dans des surfaces presque irréelles qui dé-coupent l’espace avec une précision graphique. Est-ce une photographie ou un tableau ? On s’approche pour comprendre ce que l’on voit, on hésite : angles, lignes, couleurs, textures, superpositions composent l’abstraction. C’est une photographie. Face à son objectif, les murs dont il ne cache pas les irrégularités, semblent porter en eux des toiles vivantes. On y lit les plus grands artistes abstraits et constructivistes du XXe siècle. Mais attention, Najjar révèle sans jamais s’inspirer. La clairvoyance de son regard est d’autant plus frappante qu’il ne met jamais en scène ses sujets et qu’il ne retouche jamais ses prises de vue. Il ne fait que révéler ce que le regard pressé ne saurait voir, ce qu’Henri Cartier Bresson, qu’il admire, appelait « l’instant décisif ». Quand un ouvrier passe dans le cadre, il fera partie de la composition. Son regard nous permet de revisiter notre monde contemporain à l’échelle des hommes, qui apparaissent et humanisent les architectures. Serge Najjar est dans la lignée des artistes photographes esthètes, de Man Ray à Lucien Clergue, qui impriment leurs marques attestant d’une intention artistique. De sorte que ses photographies ne sont jamais un calque de la réalité mais son exact inverse. Dans un pays marqué par la guerre, ces photographies prennent une dimension symbolique, politique. Entre construction, destruction et reconstruction, le Liban n’a de cesse de se réinventer après chaque blessure. Les immeubles de Najjar racontent aussi un pays qui continuellement se relève. Chaque photographie devient alors une suspension fragile entre deux états : la destruction et la promesse.

### Avec une acuité extraordinaire du regard, Serge Najjar parvient à sublimer ses photographies prises sur les chantiers libanais en de véritables tableaux faisant échos aux grands maîtres de la ou… Avec une acuité extraordinaire du regard, Serge Najjar parvient à sublimer ses photographies prises sur les chantiers libanais en de véritables tableaux faisant échos aux grands maîtres de la peinture abstraite géométrique tels Mondrian, Malévitch, Kandinsky, Bridget Riley ou Aurélie Nemours. Ce faisant, il nous offre une vision atypique du Liban, loin du pittoresque des vieilles pierres si souvent associé au patrimoine libanais. Serge Najjar, né à Beyrouth en 1973, à la veille de la guerre civile, est un photographe dont la notoriété rapide et immense est le fruit des réseaux sociaux. Il se fera connaître sous le nom de « serjios » sur Instagram. Largement autodidacte, il travaille d’abord avec son smartphone avant de se tourner vers la photographie argentique. En 2011, il est nominé au prix Pictet pour une photographie prise à l’aide de son téléphone portable. Il remporte ensuite le prix Photomed en 2014. La prédilection de Serge Najjar pour le béton, matériau mal aimé, signe d’une urbanisation sauvage, peut étonner. Pourtant, seul le béton rend possible les tracés les plus audacieux, les textures et les couleurs les plus variées. L’œil se perd dans des surfaces presque irréelles qui dé-coupent l’espace avec une précision graphique. Est-ce une photographie ou un tableau ? On s’approche pour comprendre ce que l’on voit, on hésite : angles, lignes, couleurs, textures, superpositions composent l’abstraction. C’est une photographie. Face à son objectif, les murs dont il ne cache pas les irrégularités, semblent porter en eux des toiles vivantes. On y lit les plus grands artistes abstraits et constructivistes du XXe siècle. Mais attention, Najjar révèle sans jamais s’inspirer. La clairvoyance de son regard est d’autant plus frappante qu’il ne met jamais en scène ses sujets et qu’il ne retouche jamais ses prises de vue. Il ne fait que révéler ce que le regard pressé ne saurait voir, ce qu’Henri Cartier Bresson, qu’il admire, appelait « l’instant décisif ». Quand un ouvrier passe dans le cadre, il fera partie de la composition. Son regard nous permet de revisiter notre monde contemporain à l’échelle des hommes, qui apparaissent et humanisent les architectures. Serge Najjar est dans la lignée des artistes photographes esthètes, de Man Ray à Lucien Clergue, qui impriment leurs marques attestant d’une intention artistique. De sorte que ses photographies ne sont jamais un calque de la réalité mais son exact inverse. Dans un pays marqué par la guerre, ces photographies prennent une dimension symbolique, politique. Entre construction, destruction et reconstruction, le Liban n’a de cesse de se réinventer après chaque blessure. Les immeubles de Najjar racontent aussi un pays qui continuellement se relève. Chaque photographie devient alors une suspension fragile entre deux états : la destruction et la promesse.

Les heures discrètes Les heures discrètes -------------------- Franchir le seuil de l'intime, saisir un instant suspendu, révéler l'ordinaire dans ce qu'il a d'extraordinaire, telle est l'ambition de l’exposition des Archives municipales. À travers leurs photographies, nos ancêtres tourquennois partagent des fragments de vie, des habitudes quotidiennes et des émotions discrètes. Ces images composent une mosaïque sensible où chaque regard raconte une histoire singulière et pourtant universelle. Entre intimité, émotions et spontanéité, cette exposition invite le public à découvrir Tourcoing sous un angle humain et authentique.

L’exposition Panorama permet de découvrir plus de 50 œuvres inédites, dans les domaines de l’image, du son et de la création numérique, réalisées par les artistes du Fresnoy. Pour sa 28e édition, Panorama, le rendez-vous annuel du Fresnoy – Studio national des arts contemporains, présente près de 50 œuvres inédites réalisées par les artistes du Fresnoy : films, installations, performances et créations numériques et interactives. \[…\] La question des invisibles est particulièrement importante aujourd’hui, alors que nos sociétés valorisent de plus en plus la visibilité permanente. Être visible semble devenu une condition d’existence sociale : il faut se montrer, se raconter, se documenter, produire continuellement des traces. Pourtant, à force de tout voir, que regardons-nous ? Pour les artistes, regarder et écouter les invisibles devient ici un acte d’attention, presque de soin. Leurs œuvres s’attachent à ce qui se tient au seuil de la perception : le presque effacé, l’enfoui, dans les terres, dans les âges, l’infiniment petit, le périphérique, le latent, le souterrain, l’oublié… Annabelle Ténèze, commissaire de l’exposition et directrice du Louvre-Lens

Le Concert d’Astrée, chœur et orchestre Les mots nous manquent pour exprimer les plaisirs exquis que “le Messie” a offert à un auditoire nombreux et rempli d’admiration. Le sublime, le grandiose, le tendre mis au service des mots les plus solennels et émouvants, s’unissaient pour créer une envolée et une séduction qui ensorcelaient le cœur autant que l’oreille. Voici ce qu’on pouvait lire après la première représentation à Dublin en 1742. Le plus célèbre oratorio de Haendel se compose de trois grandes parties dont la deuxième s’achève sur le chœur qui entonne le célèbre “Alléluia” PROGRAMME Georg Friedrich Haendel (1685-1759) Messiah HWV 56 (Le Messie) Oratorio pour solistes, chœur et orchestre Créé en 1742 à Dublin Emmanuelle Haïm © Elizabeth Asher DISTRIBUTION Lucy Crowe soprano Carlo Vistoli contre-ténor Lunga Eric Hallam ténor Ashley Riches basse Le Concert d’Astrée chœur et orchestre Emmanuelle Haïm direction

Hemiolia Aussi tristement célèbres que celles du Nil, les rives du Tibre ont été témoins de nombreux crimes, assassinats d’empereurs ou de rivaux, embuscades, autres crimes passionnels et exécutions sommaires. À l’ère baroque, dans ces palais où se manigancent les conspirations, les Grands écoutent de la musique : des cantates. Certaines se font l’écho des faits sanglants qui ont agité les bords du Tibre. Si le fleuve garde jalousement ses noirs secrets, Hemiolia vous invite à en percer les mystères. PROGRAMME Michel Pignolet de Montéclair (1667-1737) La Morte di Lucrezia Georg Friedrich Haendel (1685-1759) Alpestre monte / Agrippina condotta a morire Giovanni Bononcini (1670-1747) Trio Sonata / Vorrei, pupille belle / Trio Sonata DISTRIBUTION * Hemiolia * Camille Poul soprano * Emmanuel Resche-Caserta violon * Augusta McKay Lodge violon * Claire Lamquet-Comtet violoncelle * Pierre Rinderknecht théorbe * Gabrielle Resche clavecin * Denis Comtet orgue

Une rétrospective photographique de Jacques Grossemy. Jacques Grossemy est photographe professionnel spécialisé dans le portrait depuis 1987, installé à Roncq. Formé auprès de grands noms de la photographie tels que Christian Chamourat, Andréa Westelynck, Paolo Roversi, Fernande Kuypers... En parallèle, il est passionné de musique, et plus particulièrement de jazz depuis sa découverte de Miles Davis. Il est également musicien amateur et animateur de 1986 à 2006, de l’émission « Jazz Toxique » sur Radio Boomerang à Roubaix. En 1989, il découvre le TJF et se voit confier le rôle de photographe officiel du festival. Dès lors, il conjugue ses deux passions, la musique et la photographie, et parcourt salles et festivals, capturant au fil des années les visages des musiciens, majoritairement en argentique. Son travail est publié dans la presse spécialisée, sur des pochettes et livrets de CD, ainsi que dans des programmes de concerts. Il est présent depuis presque les débuts à chacune des éditions du festival. À travers son regard, le portrait devient un instant suspendu : expressions, lumière et espace composent des images où l’on devine l’intensité du jeu musical. Qu’il s’agisse d’un regard en quête de la note bleue ou d’un geste habité, il saisit la puissance de l’instant. À partir d’une sélection issue de plus de 3 700 musiciens répertoriés dans sa photothèque, en couleur comme en noir et blanc, il compose une véritable mémoire visuelle, rendant hommage aux musiciennes et musiciens qui ont fait vivre ces 40 années de Jazz à Tourcoing ! Exposition réalisée en partenariat avec l'association Hélio - Centre de promotion et de création photographique, et le réseau des médiathèques de Tourcoing. Vernissage – Meet Quintet Samedi 10 octobre – 11h00 Dans le cadre du Tourcoing Jazz Festival, les étudiants du département jazz du Conservatoire se produisent à l’occasion du vernissage de l’exposition photographique « Portrait(s) d’un festival – 40 ans de Jazz à Tourcoing ». Une rencontre entre musique vivante et mémoire photographique, pour célébrer quarante années de jazz à Tourcoing et mettre en lumière la jeune génération de musiciens formés au Conservatoire.

Les Siècles invitent deux stars internationales de la musique dans un programme qui réunit deux œuvres majeures de Tchaïkovski Les Siècles invitent deux stars internationales de la musique dans un programme qui réunit deux œuvres majeures de Tchaïkovski, composées à des moments charnières de sa vie, et révélatrices de la tension constante qui traverse son œuvre entre lyrisme, virtuosité et profondeur tragique. Longtemps jugé “injouable”, son Concerto pour violon conjugue une virtuosité redoutable à une inspiration mélodique d’une grande liberté. Sa Symphonie n°6 “Pathétique” est la dernière œuvre symphonique du compositeur. Tchaïkovski évoquait une œuvre “imprégnée de subjectivité”, souvent perçue comme un testament musical. PROGRAMME Piotr Ilitch Tchaïkovski (1840-1893) Concerto pour violon en ré majeur, op. 35 Symphonie n°6 en si mineur, op. 74 Programme interprété sur instruments de la fin du 19e siècle DISTRIBUTION Les Siècles Maxim Emelyanychev direction Patricia Kopatchinskaja violon