Tarcenay-Foucherans(Doubs)

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Le Frac Franche-Comté consacre une première exposition monographique d’envergure à Nina Laisné dont l’œuvre transdisciplinaire se déploie dans le champ des arts visuels, de la musique, du spectacle vivant et du cinéma. Si Nina Laisné est aujourd’hui reconnue pour ses créations scéniques marquantes, elle poursuit parallèlement une œuvre majeure dans le champ des arts visuels dont témoignent les pièces conservées par le Frac et l’exposition présentée aujourd’hui où figurent de nombreuses créations inédites. Chez Nina Laisné, les œuvres scéniques et les œuvres plastiques sont intrinsèquement liées : elle y célèbre également les métamorphoses, les identités hybrides et les confluences musicales. L’artiste insuffle à ses productions plastiques une esthétique théâtrale, tandis qu’elle imagine pour la scène des compositions picturales. La porosité est telle que l’on retrouve au cœur de l’exposition l’œuvre monumentale Arca ostinata conçue avec le musicien Daniel Zapico : « un théorbe qui se rêve édifice (…) orné de bestiaires fantastiques, de chimères et d’oiseaux empruntés à l’ornementation baroque ». Dans un mouvement de va-et-vient permanent, les recherches plastiques nourrissent ainsi les performances scéniques et inversement. Le dialogue entre image, musique et chant est omniprésent, irrigué par des traditions populaires, des récits oraux ou des fables concernant des êtres au genre fluide ou en voie de mutation animale. Ces figures ambiguës, dont l’ancestralité est ici mise en lumière, rejoignent des préoccupations très actuelles relatives à l’identité et à la visibilité des minorités. La démarche de Nina Laisné s’enracine dans une archéologie rigoureuse de l’archive : partitions oubliées du XVIIe siècle, récits de la période coloniale, iconographies marginales et folklores ruraux. Elle s’emploie à dévoiler les failles des représentations et discours officiels et hégémoniques pour construire des contre-récits. Ainsi, dans les installations Na maré cheia, là no meio da mata, Na maré baixa, surge a resistência (2026) et Portulanos virados (2026), elle révèle l’histoire d’une exploitation à la fois ethnocide et écocide au Brésil : celle du bois de Pernambouc, pillé dès le XVIe siècle par les colons français pour ses qualités tinctoriales et la fabrication d’archets. Ailleurs, elle explore avec l’autrice Célia Houdart les multiples récits ibériques autour de la « femme-ours » (A Mulher ursa, 2024-2026), interrogeant notre rapport à l’altérité. Ses recherches, qui s’étendent souvent sur plusieurs années, se métamorphosent en propositions immersives d’une grande puissance poétique. Le visiteur est baigné dans un univers visuel hanté par la peinture de la Renaissance, où la lumière – traitée par le prisme des ultraviolets dans Frati uccelli (2023) – révèle ce que l’œil nu ne peut percevoir. La musique et le chant, issus des répertoires ibérique, vénézuélien, brésilien ou encore italien, constituent la matière première et vibrante de chaque pièce. Ils deviennent ici l'outil d'une tentative de réparation symbolique, redonnant corps et voix aux invisibilisés. Intitulée un monde renversé d’après un livret baroque du compositeur Estienne Moulinié, cette exposition embrasse plus de dix années de création : des premiers essais vidéographiques aux installations les plus récentes qui habitent l’espace architectural du Frac avec une force singulière et une beauté troublante. Sylvie Zavatta

Loin des créatures hybrides et inquiétantes, voire monstrueuses, de nos récits anciens, l’exposition Chimères propose un autre regard sur la vie. Ici, l’hybridation des mondes humain, végétal, animal et minéral devient le symbole d’une alliance fertile. En explorant la porosité de ces règnes, les œuvres révèlent une humanité qui ne saurait être une entité refermée sur elle-même, mais un être de relation, façonné par ses échanges avec son environnement. Conçue dans le prolongement de l’exposition de Nina Laisné, Chimères, qui est composée d’œuvres de la collection du Frac, s’ouvre par un dialogue organique entre Anastasia Simonin et Kazuo Yagi Marsden dont le travail explore la perméabilité sensorielle. Dans leur double autoportrait Hum, le noyer et l’étain se conjuguent pour figurer deux unités neuronales géantes dont les ramifications, à la fois dendrites nerveuses et branches végétales, cherchent la connexion. Cette fusion entre biologie humaine et structure ligneuse nous rappelle que nos corps, tout comme nos cerveaux, sont traversés par les mêmes forces que celles qui irriguent la forêt. L’exploration de l’identité se déploie également dans la ronde de chimères orchestrée par Annette Messager. Fidèle à sa pratique du « bricolage » — où elle assemble photographies, peluches, dessins et tissus — l’artiste donne vie ici à des entités hybrides flottant entre rêve et réalité. Au cœur de cette chorégraphie, l’œil humain demeure omniprésent et ces organismes singuliers nous observent autant que nous les découvrons. Arborant des nageoires ou des attributs aériens, ils participent à une parade qui achève de dissoudre la hiérarchie des espèces. Ce prolongement du vivant trouve un écho minéral dans le travail de Julien Discrit, qui sonde la mémoire immuable de la pierre. Sa sculpture immortalise un geste de préhension archaïque : une main se referme sur une roche jusqu’à devenir également pierre. L’œuvre fige l’instant où l’organique et le minéral s’unissent, créant un fossile artificiel où la fugacité de la vie humaine s’inscrit dans le temps long de la géologie. À la solidité minérale de l’œuvre précédente répond, chez Patrick Neu, une autre forme de fossilisation, plus fragile et paradoxale. En détournant un gantelet d’armure, qu’il façonne à partir de milliers d’ailes d’abeilles, il transmute l’acier en une parure chamanique d’une délicatesse absolue. Ce gantelet ne protège plus le guerrier, il expose la vulnérabilité de l’insecte dont notre propre survie dépend, mettant ainsi en tension notre « armure » technologique et la menace écologique. L’exposition s’achève avec Lois Weinberger, dont l’œuvre entière célèbre la puissance de la « végétation rudérale » — ces plantes sauvages et indomptables qui germent dans les interstices de nos villes et qui ne connaissent pas de frontières. Ici, l’artiste révèle la fragilité intrinsèque du végétal en découpant méticuleusement une feuille d’arbre jusqu’à y faire apparaître la silhouette d’un crâne humain. Il met ainsi à nu une anatomie partagée. Ce memento mori végétal, où la nervure devient suture crânienne, nous rappelle que l’humain appartient au même cycle biologique que la plante la plus humble. Avec des œuvres où nos visages s’entrelacent aux racines ou aux feuilles, nos mains à la pierre, nos armures aux ailes des insectes, cette exposition entend briser l’illusion d’une humanité isolée. Chacune nous rappelle que nous habitons un monde de continuités et que nous sommes une mosaïque biologique, mêlant les dimensions minérale, végétale et animale : un mélange de chimie inorganique, de mécanismes cellulaires partagés et d’une architecture biologique spécifique. En somme, une invitation à reconnaître que nous sommes à nous-mêmes des chimères. Avec les œuvres de : Julien Discrit, Annette Messager, Patrick Neu, Anastasia Simonin et Kazuo Yagi Marsden, et Lois Weinberger. commissariat : Sylvie Zavatta, directrice du Frac

Un spectacle de théâtre qui redonne la parole à la mémoire ouvrière du Pays de Montbéliard. Adapté du livre « Mémoires de l’Enclave » de Jean-Paul Goux, il revient sur le temps des usines, quand Peugeot seul survivait à une crise industrielle qui avait emporté l’empire Japy et l’industrie textile. Porté par cinq jeunes comédiens, il fait résonner cette histoire avec notre monde actuel, ses tensions et ses contradictions.

À travers une sélection d’œuvres issues des collections patrimoniales bisontines, l’exposition revient sur les débuts de ce nouveau médium et sur sa capacité, dès le XIXe siècle, à retenir les êtres et les lieux dans un monde en transformation. Cette exposition trouve naturellement sa place au musée du Temps, dont les collections invitent à interroger notre rapport au temps. À ses débuts, la photographie bouleverse le rapport aux images et au temps ; elle semble capable de restituer le monde tel qu’il est, avec une précision inédite, et de conserver uniquement ce que le temps condamne à disparaître. Mais peut-on vraiment saisir un instant ? Les premières photographies nécessitent de longs temps de pose : les modèles doivent rester immobiles tandis que les passants et le mouvement des villes s’effacent ou deviennent fantomatiques. Plus qu’un instant, les images enregistrent alors une durée, prélevant un fragment de temps. Cette capacité à fixer une présence fait rapidement de la photographie un outil privilégié de la mémoire. Le portrait, longtemps réservé à l’aristocratie et à la riche bourgeoisie, se démocratise au fil des décennies. Pose, vêtements, décor et accessoires sont soigneusement mis en scène pour composer une image de soi. Avec la diffusion des procédés sur papier et la multiplication des tirages, les portraits circulent et rejoignent des albums de famille où se côtoient les visages des proches et des disparus. À mesure que les appareils de prise de vue se diffusent, la photographie s’immisce dans la vie quotidienne et accompagne les grands comme les petits moments de l’existence, transformant peu à peu l’album familial en un récit visuel du temps qui passe. Cette fonction mémorielle s’étend également aux villes. La photographie devient, dans la seconde moitié du XIXe siècle, un témoin privilégié des transformations urbaines. Avec une précision inédite, elle enregistre rues, monuments et paysages avant qu’ils ne soient modifiés ou ne disparaissent. Les plus anciennes vues de Besançon témoignent d’une ville en pleine évolution ; elles montrent les quais du Doubs avant leur réaménagement, des monuments avant leur transformation mais aussi les chantiers et les constructions nouvelles. Ainsi, en fixant les êtres et les lieux, la photographie donne une forme visible au temps qui passe. Deux siècles après son invention, la centaine de photographies réunies au musée du Temps invite à mesurer comment ce médium a changé notre manière de regarder, de conserver et de transmettre la mémoire.

Une exposition qui part à la rencontre des micro-entrepreneurs du monde, portée par Oikocrédit. Proposée dans le cadre du festival des solidarités, elle met en lumière celles et ceux qui, aux quatre coins du globe, développent leur activité grâce à la finance solidaire. Une occasion de découvrir leurs parcours et de s’interroger sur la solidarité économique.

Dans un monde saturé d’images où chaque instant peut être capté, partagé et oublié en quelques secondes, il est difficile d’imaginer l’étrangeté radicale que représente la photographie à ses débuts. … Dans un monde saturé d’images où chaque instant peut être capté, partagé et oublié en quelques secondes, il est difficile d’imaginer l’étrangeté radicale que représente la photographie à ses débuts. Lorsque le daguerréotype est présenté en 1839, il bouleverse profondément le rapport des individus au temps. En figeant un instant, la photographie inaugure une nouvelle expérience temporelle. L’instantanéité devient tangible, le passé devient visible, les disparus demeurent présents. Elle offre à chacun un pouvoir de retenir ce qui, jusque-là, échappait à toute saisie : les transformations des villes, les visages des proches, les détails fugaces de la vie quotidienne. Ainsi, comme l’a montré Roland Barthes, toute photographie se lit à travers la formule mélancolique du « ça-a-été », affirmation irrévocable d’un instant à jamais révolu, mais encore perceptible. À l’occasion du Bicentenaire de la Photographie, l’exposition "L'empreinte du temps. Photographier les êtres et les villes au XIXe siècle" initie, à travers les collections patrimoniales bisontines, une réflexion sur cette histoire complexe et sensible du rapport de la photographie au temps et à la mémoire.

Chaque mois, partez pour une nouvelle aventure et laissez-vous guider par la passion et l’expertise de votre guide-conférencier. Découvrez un lieu tenu secret, hors des sentiers battus, où histoire et charme se rencontrent pour une expérience surprenante. Et parce que les belles découvertes méritent d'être célébrées, la visite se prolonge autour d'une dégustation animée par le Comité Gastronomique et Promotion des Produits Gourmands de Bourgogne–Franche-Comté ! Une expérience unique à chaque édition, qui allie curiosité, découverte et plaisir des papilles. Le lieu de rendez-vous est communiqué 24 h avant la visite