Pernay(Indre-et-Loire)

avec Band de Trad et Pont Volant Scène, organisée par la Fusinguette et Gentiana-Courteline, et animée par Band de Trad et Pont Volant source: [Bal trad à Tours - AgendaTrad](https://agendatrad.org/e_2026-11/bal-trad-tours.5sbzndpr)

Lauréates du prix Mécénat Touraine Entreprises, Laura Bottereau & Marine Fiquet investissent les galeries du CCC OD. Lauréates du prix Mécénat Touraine Entreprises, Laura Bottereau & Marine Fiquet, forment un duo et un couple d’artistes. Leur démarche se fonde sur un solide travail de recherche, notamment sur l’histoire de l’anatomie. Elles conduisent une réflexion autour des simulacres corporels comme archives et fragments à recomposer pour façonner de nouveaux discours et fictions émancipatrices. À travers la figure des Vénus anatomiques, leur exposition développe l’idée de « corps-catastrophe », liant symboliquement phénomènes atmosphériques et turbulences physiques ou psychiques. Exposition réalisée grâce au soutien de Mécénat Touraine Entreprises.

galerie noire / nef (Marc Fornes) Attila Csörgö • Marc Fornes • Jeppe Hein • Žilvinas Kempinas • Jaume Plensa • Valerie Snobeck • Francisco Tropa • Hema Upadhyay En 2026, dans le cadre du festival AR(t\]CHIPEL consacré à Alexander Calder, le CCC OD développe une programmation en deux volets qui explore l’héritage vivant de l’artiste et son influence durable sur la création contemporaine. Cette saison mettra en dialogue pratiques actuelles et regard historique à travers une exposition collective à l’été, suivie d’une exposition monographique à l’automne 2026. Cette exposition interroge la permanence des principes de création d’Alexander Calder au sein des pratiques artistiques contemporaines. Elle réunit les œuvres de huit artistes ayant séjourné à l’Atelier Calder de Saché, ancien atelier du sculpteur états-unien devenu en 1989 une résidence de création accueillant des artistes internationaux. Qu’elles aient été réalisées ou non dans ce lieu inspirant, les œuvres présentées résonnent avec une constellation de problématiques qui traversent les propres expérimentations d’Alexander Calder. La sculpture y est abordée au prisme de notions physiques telles la gravité ou l’équilibre, auxquelles la lumière et le mouvement confèrent une apparence changeante sans jamais les fixer dans un état de perception définitif. Chacun à leur manière, ces artistes proposent une manière commune d’appréhender le temps et l’espace. Ils s’emparent de ces notions complexes avec une apparente simplicité. S’ils recourent pour certains aux sciences mathématiques et à leur langage, c’est plutôt une forme d’empirisme qui préside à leur façon d’éprouver les forces invisibles qui régissent le monde et ses mécanismes. D’une œuvre à l’autre il s’agit d’expérimenter ces données immatérielles qui sont approchées d’une manière plus pragmatique que scientifique, mettant en évidence les concepts abstraits majeurs qui sculptent nos existences. Une pièce monumentale de Marc Fornes est installée dans la nef, préfigurant les trois grandes sculptures d’Alexander Calder qui y seront exposées à l’automne 2026. _Cette exposition est réalisée grâce aux prêts exceptionnels accordés par le Centre Pompidou, le Cnap, l’Atelier Calder, le Frac Pays de la Loire, le Frac Picardie, le Musée des Abattoirs et le Musée de Rochechouart._

Les galeries transparentes accueillent une exposition réunissant quarante années de création sculpturale de l’artiste Ghislaine Vappereau autour de l’univers domestique de la cuisine. Les galeries transparentes du CCC OD exposent une sélection d’œuvres de Ghislaine Vappereau réalisées sur une quarantaine d’années. Depuis le début de sa recherche, elle s’inscrit dans le champ de la sculpture en résonance avec l’espace domestique de la cuisine — espace banal et communément partagé, dont elle révèle la connotation sociologique, voire ethnographique. L’exposition s’adapte à la configuration des galeries et présente, vues depuis l’extérieur, différentes étapes de cette recherche. Elle offre aux visiteurs une découverte au fil de la marche le long des trois façades. Sans ordre chronologique, l’installation des pièces est rythmée par regroupements, associations, ruptures — les œuvres entrant en dialogue avec du mobilier, table ou chaise, ce qui en donne malicieusement le titre : meublé sommairement. Aucune série n’est jamais fermée chez l’artiste : les matériaux et les formes se répondent, sont repris et se transforment au fil du temps. C’est cette circulation entre périodes et techniques que l’exposition donne à lire le long de la galerie — un travail en constante recomposition, où chaque pièce résonne avec celle qui l’a précédée. _Exposition organisée dans le cadre du festival AR(t\]CHIPEL 2026._

À l’occasion du centenaire de l’arrivée d’Alexander Calder en France et dans le cadre du festival AR(t]CHIPEL, la nef accueille deux mobiles et un stabile réalisés par l’artiste entre 1940 et 1950. Il y a exactement 100 ans, l’artiste américain Alexander Calder (1898-1976) arrivait en France pour la première fois. À l’occasion de cet anniversaire, le Centre Pompidou et la région Centre-Val de Loire s’associent pour organiser un événement d’une envergure exceptionnelle. Dès les années 1930, Calder s’impose comme l’un des plus grands sculpteurs modernes avec ses mobiles, des sculptures suspendues et toujours en mouvement. Très attaché à la France pendant toute sa vie, il achète une maison dès 1954 dans le village de Saché où il construit plus tard son grand atelier en surplomb de la vallée de l’Indre.  Ses stabiles monumentaux, ou sculptures statiques en tôle rivetée, sont conçus à Saché et réalisés en collaboration avec les établissements Biémont de Tours. Le parcours de la manifestation se déploie à l’échelle de la région dans quinze lieux culturels, monuments historiques, musées et centres d’art. Chaque exposition permet de découvrir une facette de l’art de Calder, de la sculpture au dessin, des bijoux aux œuvres monumentales, en dialogue avec les lieux d’accueil. Cette grande manifestation rappelle combien Calder a trouvé au cœur de la France une terre d’expérimentation libre et de déploiement artistique. À cette occasion, le CCC OD présente dans la nef deux mobiles et un stabile produits par l’artiste entre 1940 et 1950. Exposition organisée dans le cadre du festival AR(t\]CHIPEL 2026. Avec le soutien de la Calder Foundation et de la Fondation Louis Vuitton.

_Le Voyage du Phoenix_ est une exploration sensible et critique des constructions imaginaires liées aux paysages d’oasis, entre mémoire coloniale, désir d’exotisme et reconfiguration contemporaine du… Le Voyage du Phoenix est une exploration sensible et critique des constructions imaginaires liées aux paysages d’oasis, entre mémoire coloniale, désir d’exotisme et reconfiguration contemporaine du regard. Pensé et porté par l’artiste marocaine Laila Hida, ce projet interroge les mécanismes de fabrication des représentations à travers la photographie, la littérature et le cinéma, en mettant en tension les récits hérités du XIXe siècle avec les réalités d’aujourd’hui. Présenté dans divers contextes internationaux – du Liverpool Arab Arts Festival au Festival Paysages mouvants au Jeu de Paume à Paris, en passant par la Biennale de Sao Paulo (2025) – Le Voyage du Phoenix fait dialoguer les contextes, les corps et les histoires, tout en poursuivant une démarche artistique profondément ancrée dans les enjeux du regard, de la mémoire et du déplacement. Pour cette nouvelle itération, à l’invitation de Jeu de Paume, la commissaire d’exposition Jeanne Mercier et l’artiste Laila Hida investissent l’espace du Château de Tours avec une proposition qui met en lumière la richesse documentaire et iconographique d’une recherche au long cours, entamée en 2016 dans les oasis du Sud du Maroc. Commissariat : Jeanne Mercier

À travers Forindustrie Sanofi vous présente une vidéo de présentation du métier de chef de projet au sein d'un site industriel. Sanofi est partenaire de la plateforme ForIndustrie, présente dans le monde entier sur les enjeux de la transition énergétique. Dans ce cadre, Sanofi présente une vidéo métier réalisée avec un chef de projet, afin de mieux faire découvrir son rôle, son parcours et ses missions au quotidien au sein d'un site industriel, et d'illustrer la contribution de Sanofi aux enjeux de la transition énergétique.

L'exposition raconte comment les artistes du 19e et du début 20e siècles ont mis en image l’histoire, des grandes scènes historiques à la mythologie, des thèmes bibliques à la caricature. %b%Peindre l’histoire%/i% raconte comment les artistes du 19e et du début 20e siècles ont mis en image l’histoire, des grandes scènes historiques à la mythologie, des thèmes bibliques à la caricature. Longtemps célébrée puis éclipsée par les avant-gardes, la peinture d’histoire renaît aujourd’hui comme un précieux témoin des idéologies et des imaginaires d’un siècle qui a façonné notre monde. Pour cette exposition, le musée des Beaux-Arts sort de ses réserves des toiles inédites, notamment de grands formats, restaurées pour l’occasion. Elles sont dévoilées au public dans une scénographie qui recrée l’atmosphère du Salon du 19e siècle. L’Histoire est le grand sujet du 19e siècle. Elle devient une véritable discipline scientifique avec le développement des universités modernes. Des historiens comme Jules Michelet ou Augustin Thierry acquièrent une large notoriété. Dans le même temps, l’Histoire passionne le grand public : elle triomphe au théâtre avec les drames de Victor Hugo et connaît un immense succès en librairie avec des romans historiques comme Ivanhoé (1819) de Walter Scott. Par ailleurs, les gouvernements européens cherchent à ancrer la nation dans un passé ancien, souvent fantasmé. Les historiens construisent de grands récits nationaux, que les peintres traduisent en images afin de transmettre au public une mémoire et une conscience communes. Codifiée par l’Académie royale de peinture et de sculpture dès le 17e siècle, la peinture d’histoire est considérée comme le genre le plus prestigieux car elle traite de sujets bibliques ou mythologiques et demande une solide culture aux artistes. Mais, à partir de la Révolution française et de la période napoléonienne (1789-1815), les peintres délaissent peu à peu les thèmes antiques ou religieux pour représenter les grands événements politiques de leur temps. L’histoire contemporaine entre alors pleinement dans la peinture d’histoire. De la guerre franco-prussienne de 1870 à la colonisation, certains artistes cherchent à proposer un récit national glorieux, tandis que d’autres montrent la réalité crue des événements. Dans les années 1920 émerge le mouvement de la peinture coloniale, qui s’attache à représenter la vie quotidienne des territoires sous domination française. Ces œuvres reflètent les fantasmes occidentaux d’un monde exotique et paisible, tout en édulcorant la violence réelle de la colonisation. Exposées au Salon annuel à Paris, ces peintures séduisent le grand public par leur inventivité et leur grandiloquence, mais sont progressivement délaissées par les critiques et amateurs d’art qui leur préfèrent des œuvres plus intimistes, d’une facture plus moderne. L’État, soucieux de soutenir cet art exigeant, achète massivement ces peintures historiques pour enrichir les collections des musées parisiens et de province, tels que le musée des Beaux-Arts de Tours. Tombées en désuétude avec l’arrivée de la modernité en peinture, ces œuvres ont longtemps été reléguées en réserves pour laisser place aux mouvements d’avant-garde, des Impressionnistes jusqu’à l’art abstrait. Aujourd’hui, ces œuvres apparaissent comme des témoins précieux de leur temps et nous aident à comprendre le 19e siècle, fondateur de notre monde contemporain. En introduction à l’exposition, une série de dessins préparatoire pour le tableau Boissy d’Anglas saluant la tête du député Féraud exécuté par Jean-Baptiste-Auguste Vinchon en 1831 sont exceptionnellement sortis des réserves. Cette sélection, mené par des étudiantes et un étudiant en Master 2 Histoire de l’art à l’université de Tours, participe à la mise en valeur d’une partie du très riche fonds d’arts graphiques de cet artiste.. A l’occasion du séminaire Pratique de l’exposition, les élèves, accompagnés par l’équipe du musée et leurs professeurs, ont participé à la conception partielle de cette salle sur «la fabrique de la peinture d’histoire» pour donner à comprendre la conception de l’œuvre par l’artiste, des premiers croquis d’ensemble aux études de figures. AUTOUR DE L’EXPOSITION L’Hypothèse des doublures / Peindre l’Histoire En contrepoint de l’exposition, le musée a invité le plasticien Pierrick Naud à investir ses collections pour offrir une déambulation au sein du parcours permanent. S’immergeant dans les œuvres d’ici et d’ailleurs, Pierrick Naud compose des œuvres graphiques, notamment au fusain, et des céramiques. Il façonne des figures à la fois fantomatiques et familières. Créatures hybrides nichées au sein de paysages fantastiques, ses personnages nous interpellent par leur humanité mutagène, décomposée et recomposée sous le fusain de l’artiste. Nourri de mythologies personnelles comme des grands sujets de l’histoire de l’art, ce théâtre poétique convoque l’ironie sombre de Goya autant que le sens dramatique de Shakespeare.