Que faire aujourd'hui à Le Mas ?

par l'Atelier Tiziano %b%Quand onze sculpteurs subliment la matière !%/b% L’Atelier Tiziano présente du 26 août au 15 septembre une grande exposition collective intitulée : « MARBRE » 11 sculpteurs, 11 regards, une même matière Initié au travail de la matière dès son plus jeune âge dans l’atelier de son père, Tiziano nourrit une véritable passion pour la sculpture. Habitué à tailler la pierre, il s’engage très tôt dans la création artistique. Formé dans les prestigieux ateliers de Carrare, auprès de Franco Cervietti et Franco Barattini au sein des « Caves Michelangelo », il a fait du marbre son matériau de prédilection, conquis par sa noblesse, sa pérennité et son contact unique. C’est cette passion dévorante et la haute technicité acquise au fil des années qu’il transmet aujourd'hui dans son atelier mouginois à des passionnés qui viennent s'initier ou se perfectionner à ses côtés. À travers cette exposition, c'est tout un travail d'exigence et de création qui est mis en lumière. Le marbre se prête ici à toutes les audaces sous les mains de ces sculpteurs. Onze sensibilités différentes qui réussissent le pari d'unir leur talent autour d'une même matière. Ce sera également l’occasion pour les visiteurs de comprendre toute l'exigence de la sculpture sur marbre et de mesurer le travail physique, la patience et la précision indispensables pour sublimer cette matière noble. Découvrez les univers singuliers des 11 artistes : Josiane BERTI, Jean-Charles BONNET, Maryvonne SCHATZ, Sylvie POISSONNIER, Sandra AUBERTIN, Jocelyne PATINET, ARNO, Martine GOSSE, GEMAR, Christian LUCE et GUIALA. VERNISSAGE MERCREDI 26 AOÛT - 18h30

Exposition de l'artiste Jean Charles Blais à découvrir à la Galerie Catherine Issert.

« Bertien van Manen : Les échos de l’ordinaire » Les photographies de Bertien van Manen (1935-2024) ne tiennent ni du journal intime, ni de l’album de famille. Si certains codes visuels peuvent y faire penser, elles ne répondent à aucun de leurs prérequis. Il n’est question ni d’elle, ni de rituels, d’événements ou de mises en scènes planifiées. Elles ne correspondent pas non plus aux canons du spectaculaire et aux lieux communs du photojournalisme ; les événements historiques ou politiques sont bien absents du centre de l’image. Son oeuvre pourrait se définir comme une chronique intime et subjective de la vie des gens ordinaires, qui, ballottés par les vents d’une histoire qui s’écrit sans eux et parfois les dépasse ou les écrase, tentent de s’en sortir du mieux qu’ils peuvent – et c’est souvent bien plus héroïque qu’on ne le croit. Le hasard d’un autoportrait nous montre la photographe, une femme audacieuse, les cheveux en bataille, manches retroussées : on l’imagine libre, forte, rebelle et tenace. Une éphémère carrière de mannequin conduit Bertien van Manen à passer de l’autre côté de l’objectif pour commencer une vie de photographe de magazine. Elle montre vite cependant une acuité sociale et un engagement en réalisant plusieurs reportages sur des femmes migrantes, turques, marocaines, yougoslaves… venues aux Pays-Bas pour travailler et échapper au déterminisme de leur condition. C’est en feuilletant _Les Américains_ (1958), livre de Robert Frank, que Bertien van Manen aura le déclic de la photographie qu’elle veut réellement faire et du monde qu’elle souhaite raconter. C’est dans cette distance et cette proximité qu’elle souhaite désormais s’inscrire. Elle ne cherchera plus à illustrer le monde, mais à le vivre en étant au plus proche des êtres et des choses, des communautés qui la fascinent. Informations pratiques et tarifs : centrephotographiemougins.com

Le beau, la mode et le bonheur Le Musée Matisse Nice et le Musée Yves Saint Laurent Paris consacrent une exposition d’envergure à deux créateurs majeurs qui n’ont eu de cesse de repenser le XXe siècle, d’en explorer les sources, de les transgresser, pour abolir les frontières établies entre les beaux-arts et les arts appliqués. Si un seul trait commun devait relier Henri Matisse (1869-1954) et Yves Saint Laurent (1936-2008), ce serait sans aucun doute leur volonté de transgresser les frontières établies entre les « beaux-arts » et les « arts appliqués ». Pour Matisse, les imprimés décoratifs, leur dynamisme, deviennent le moyen de créer un espace pictural qui « au-delà des limites du tangible\[1\] » ; pour Yves Saint Laurent, la peinture offre la possibilité de passer du plan au volume, de concevoir le vêtement comme un mobile qui se déploie dans l’espace, un art en mouvement. Coudre et peindre sont des gestes qui concourent à une « même expérimentation de la ligne, une même justesse dans le maniement des contrastes, entre les matières et le volume\[2\] », et bien qu’Henri Matisse et Yves Saint Laurent ne se soient jamais rencontrés, le dialogue entre eux apparaît aujourd’hui évident. L’exposition propose de mettre en lumière ces correspondances et de faire dialoguer les œuvres des deux artistes. Elle s’appuie pour ce faire sur les riches collections du Musée Matisse Nice et sur celles de la Fondation Pierre Bergé–Yves Saint Laurent, complétées par de prestigieux prêts, français et internationaux. Réunissant 160 œuvres – vêtements haute couture, de traditions populaires, peintures, dessins, textiles, accessoires et documents d’archives –, le Musée Matisse Nice propose un parcours inédit mettant en lumière la profonde unité des liens que le couturier – l’un des plus grands innovateurs de la mode française – a tissés avec Henri Matisse, l’un des plus grands artistes de son temps.  Site web : [https://www.musee-matisse-nice.org/fr/exposition/henri-matisse-yves-saint-laurent-le-beau-la-mode-et-le-bonheur/](https://www.musee-matisse-nice.org/fr/exposition/henri-matisse-yves-saint-laurent-le-beau-la-mode-et-le-bonheur/)

A découvrir à la galerie Bogéna, l'exposition collective "Les formes de l'invisible".

Beth CARTER Beth Carter investit le Centre d’art de Mougins ! Plus d'une trentaine de dessins grand format au fusain, aux nuances profondes, dialogueront avec des sculptures, invitant le visiteur à plonger dans un monde où les frontières entre réalité et imaginaire s’estompent. Pour Beth Carter, le dessin est un véritable laboratoire où les images et les symboles, glanés comme des trésors, se transforment en un langage visuel unique. Son processus créatif, nourri de croquis, de documents, d’articles, de fragments accumulés, donne naissance à des œuvres où allégorie et métaphore deviennent des clés pour explorer les émotions et les souvenirs. Le fusain, avec sa richesse de tons, lui permet de jouer entre douceur et intensité. Beth Carter nous offre une expérience immersive, où chaque œuvre devient une fenêtre ouverte sur l’inconscient. « Cet univers fictif sans limites me permet d’inventer avec fantaisie et d’assouvir mon amour pour la narration… » Contes pour chasser la tristesse : comme dans les histoires pour enfants, l’art devient un espace où l’on peut échapper au réel, même un instant, et chasser les peines. Entre les murs du Centre d’art et le dédale des ruelles, l'oeuvre de Beth Carter se déploie en deux temps. D’un côté, une immersion dans l'intimité de ses dessins ; de l’autre, le parcours Mougins Monumental qui transforme le village en un musée à ciel ouvert. Une double invitation à explorer l'univers singulier de l'artiste britannique.

Une exposition de Joana Vasconcelos et Arne Quinze qui invite les visiteurs à une immersion dans un univers où rêve, poésie et surréalisme dialoguent avec la nature, dans l’esprit de Jean Cocteau. À La Citadelle, Arne Quinze, artiste belge né en 1971, et Joana Vasconcelos, artiste portugaise née en 1971, invitent les visiteurs à pénétrer dans un univers où l’absurde et le rêve s’entremêlent, dans un jeu avec la réalité dans laquelle nous vivons et les manières avec lesquelles nous avons appris à habiter notre planète. Ces deux artistes majeurs de la scène internationale unissent pour la première fois leurs forces créatives pour offrir une autre perspective, la possibilité d’un monde différent, dans l’esprit de Jean Cocteau, dont la présence artistique et poétique a profondément marqué Villefranche-sur-Mer et ses environs. En entremêlant l’absurde et le rêve dans ses écrits et dans ses réalisations visuelles, Cocteau a brouillé les frontières. Ses films, tel Le Testament d’Orphée, tourné à Villefranche, ses pièces de théâtre et ses dessins, évoquent constamment les élans oniriques du subconscient. C’est cette résonance avec l’irrationnel et le mystérieux qui a poussé Arne Quinze à inviter Joana Vasconcelos, et à concevoir ensemble un parcours surréaliste assumé. Le travail de Joana Vasconcelos s’articule autour de la libération du féminin, longtemps confiné aux espaces domestiques, pour le faire entrer dans la sphère publique. Elle interroge les traditions et les rôles sociaux en extrayant des objets liés à l’univers de la maison pour les placer dans des contextes inattendus. Textiles, céramiques et objets ménagers sont ainsi transformés hors de la sphère domestique, donnant naissance à des réalités entièrement nouvelles. À travers des compositions monumentales, des interventions à grande échelle et des assemblages inventifs de matériaux, elle ne cesse d’ouvrir la voie à des interprétations décontextualisées du réel. Arne Quinze partage cette quête d’une relecture de notre monde humain contemporain à travers un regard qui replace la nature au centre. Dans sa pratique, il explore le lien perdu entre l’homme, le culturel et le naturel, en interrogeant la manière dont les environnements bâtis façonnent notre perception de la nature. Il traduit les processus naturels observés en formes sculpturales et picturales, faisant de la nature une force active, en constante négociation avec notre société. Une relation qu’il examine depuis des années en tant que jardinier dans son propre jardin, rôle qu’il revendique pleinement. Il observe et étudie les forces à l’oeuvre dans le monde naturel, saison après saison, année après année ; Quinze entretient un rapport intime avec les plantes, l’environnement et le climat, dont il perçoit à la fois la puissance brute et les fragiles subtilités quasi divines. En repoussant la nature et en l’enfermant derrière des murs de béton, l’être humain a perdu le sens de ce rythme ; Quinze cherche à le restaurer par son art, Vasconcelos l’analyse avec humour et exubérance. À travers des oeuvres immersives allant de pièces de petit format à des interventions monumentales, les deux artistes tentent de déconstruire les règles qui ont enfermé la perception humaine. Leurs créations proposent une vision de la manière dont nous pourrions renouer avec la nature, plutôt que de continuer à la tenir à distance. Dans L’Absurde et Le Rêve, les deux artistes et leurs pratiques convergent, fusionnant leurs approches singulières avec certaines oeuvres inédites réalisées à quatre mains. Ensemble, Vasconcelos et Quinze guident les visiteurs vers un univers commun où l’absurde, le rêve et le réel fusionnent. Ils nous invitent à interroger notre rapport au monde : l’enfermement progressif de la nature, les limites que représente notre milieu domestique, et la séparation cruelle de l’imagination humaine d’avec les environnements qui la nourrissent.