Le Cellier(Loire-Atlantique)

Tous les samedis matins, les commerçants du marché vous accueillent et vous proposent de nombreux produits locaux : fleurs, volailles, primeurs, poissons, charcuterie, burgers, poulets rôtis, huîtres, fromages, pâtes et légumes secs.

Petit marché le dimanche matin proposé par la ville.

Promenez-vous dans les allées du marché du Loroux-Bottereau le jeudi soir où près d'une quinzaine de commerçants proposent des produits frais et variés : légumes, volailles, oeufs, charcuterie, poissons, fromages, plats cuisinés .... les producteurs vous proposeront de nombreux produits pour remplir votre panier.

Une exposition, deux lieux ! Au Frac à Carquefou et au Musée d'arts de Nantes Née d’un souhait de renouveler les collaborations historiques entre leurs collections, le Musée d’arts de Nantes et le Frac Pays de la Loire conçoivent ensemble une exposition croisée qui prend corps dans les deux institutions. Intitulée "Plants and People", elle met en regard des œuvres historiques et contemporaines — photographies, dessins, sculptures, peintures — explorant la place du vivant dans notre rapport au monde. Elle envisage deux approches complémentaires : le végétal au Musée d’arts de Nantes et l’animal au Frac à Carquefou. Cette collaboration, entre les deux institutions, qui prend tout son sens dans un contexte où les équilibres culturels demeurent fragiles, témoigne aussi de l’engagement constant de Nantes à soutenir les acteurs artistiques du territoire et à encourager des propositions accessibles à tous les publics. Plus d'informations sur l'exposition sur museedartsdenantes.nantesmetropole.fr Exposition du 30 janvier 2026 au 3 janvier 2027 : Tous les jours sauf le mardi de 11h à 19h - Nocturne jusqu'à 21h le jeudi En juillet et août : Ouverture dès 10h

Accueillir une création de Benjamin Millepied est toujours un événement. Après son dernier passage en 2012, le chorégraphe de renommée internationale. De Göttingen à Nantes, en passant par Une petite cantate ou Gare de Lyon, ce voyage chorégraphique à travers 24 titres, intemporels ou méconnus, puise dans ses mélodies et ses mots pour en faire la source du mouvement. Dans un espace épuré, baigné de lumière, neuf danseurs incarnent nostalgie, passion et tragédie, comme un écho à son univers. Les corps apparaissent et disparaissent, portés par des valses qui célèbrent la vie. Marqué dès l’enfance par la chanson française, Benjamin Millepied y puise une mémoire intime pour créer un langage unique, où les valses de Barbara deviennent le souffle du mouvement. Loin de l’image de la dame en noir, ce spectacle célèbre sa face solaire : une humanité à fleur de peau, une poésie vibrante, fidèle à celle qui fut l’une des voix les plus bouleversantes du XXe siècle.

Si l’art a toujours constitué le moyen de sortir de la mécanisation du quotidien, d’imaginer des lieux parfaitement autres, de confondre marge et centre, autant d’actions opérantes qui permettent de … Si l’art a toujours constitué le moyen de sortir de la mécanisation du quotidien, d’imaginer des lieux parfaitement autres, de confondre marge et centre, autant d’actions opérantes qui permettent de créer des espaces en partage, quelles pourraient être les formes de la contre-culture aujourd’hui ? À relire Henri David Thoreau, ces formes peuvent être discursives mais surtout actives. Pour réveiller l’idée et même l’envie de la contre-culture nous avons donc chercher des formes qui agissent dans la société, qui s’emparent du discours non pour dire mais pour faire. Cette recherche, imaginée par le Centre Claude Cahun pour la photographie contemporaine à Nantes, dans le cadre du partenariat entre Nantes et Hambourg, s’est opérée dans trois collections : celle de Falckenberg des Deichtorhallen, celle du Fonds Régional d'Art Contemporain des Pays de la Loire et celle du Musée d’arts de Nantes. Ainsi, pour cette exposition, le Centre Claude Cahun a parcouru trois collections en prenant quatre axes de recherches formant aujourd’hui les quatre grands chapitres de cet ensemble. Ces quatre axes sont autant des idées que des modes de vie possibles, ils permettent de circuler dans le foisonnement de propositions révélant des œuvres qui revendiquent un positionnement aussi bien politique qu’artistique. 1/ Revendiquer la multiplication du point de vue et de voix comme une nécessité. Dans ses thèses sur l’histoire Walter Benjamin constate qu’elle est toujours celle des vainqueurs et pour lui il est nécessaire d’écrire aussi le point de vue des vaincus. À sa suite, beaucoup d’artistes, proposent des oeuvres offrant une vision plurielle confrontant des lectures comme les photomontages de Martha Rosler et remettant en cause l’écriture univoque de l’histoire par la révélation des contre-champs comme les vidéos d’Anri Sala ou les tableaux photographique de Sophie Riestelhubert. 2/ Voir, montrer, détourner, dénoncer. Comme l’explique Karl Marx, la posture critique consiste bien souvent à faire la présentation d’une chose, personne ou situation pour que dans cette présentation même s’organise la critique. Cette idée est reprise par beaucoup d’artistes, et notamment Lewis Baltz, qui travaillent l’acte critique par la présentation de faits ou d’archives. Pour Hans Peter Feldman c’est la présentation par l’accumulation qui accuse la mécanisation et chosification de l’homme quand d’autres, comme Robin Collyer, choisissent de montrer pour mieux détourner et dénoncer un état de fait trop normalisé. 3/ Réécrire l’histoire Beaucoup d’artistes s’emparent de leurs disciplines comme moyen de proposer une autre histoire, celle qui se glisse juste à côté de l’histoire officielle, échappant à toute obligation politique pour se concentrer sur la mémoire latente, celle qui travaille les corps et les esprits mais qui est souvent mise de côté par la surface des faits. Ainsi des artistes, comme Walid Raad ou Jeremy Deller, jouent de la fiction pour combler les lacunes d’une mémoire collective en lambeaux, ou d’autres comme Dennis Hopper ou Andrea Stappert choisissent de faire les portraits des artistes comme une mémoire officielle laisser dans l’ombre. 4/ Choquer, secouer, déranger et bouger les lignes : l’absurde comme arme Beaucoup d’artistes enfin déjouent l’incohérence du réel et d’un état de fait en créant des pièces qui dérangent le regard pour mieux dénoncer l’intolérable. Certains choisissent la provocation comme Valie Export ou Wolfgang Tillmans, quand pour d’autres l’absurde devient une forme en soi comme Olaf Breuning. Toutes ces œuvres sont pensées comme des actions qui engagent une révolution résolue. L'exposition s’articule autour de la photographie tout en la mettant en regard d’autres media afin d'imaginer une véritable installation dans les différents espaces où elle se déploie. Elle a donc été pensée comme un manuel de survie en milieu hostile afin de créer des chemins possibles dans l’art contemporain. Il ne s’agit plus d’un matin, mais bien de milliers de matins ouverts qui nous offrent la liberté d’embrasser une révolte aussi bien intime que politique. Avec Les Matins intérieurs nous espérons vous offrir une marche expérimentale aussi belle que celle que pouvait mener Thoreau dans les forêts du Massachusetts.

La maternité dans l’art occidental évolue du modèle religieux de la Vierge à l’Enfant vers des visions plus diverses. Du Moyen Âge à nos jours, elle reflète les normes familiales et sociales. La maternité, thème majeur de l’art occidental, se caractérise à la fois par des continuités et des renouvellements dans ses modes de représentation. La figuration des mères et des enfants dans l’art occidental, depuis le Moyen Âge, s’inscrit d’abord dans un cadre religieux dominé par le modèle de la Vierge à l’Enfant. À partir de la Renaissance, les scènes profanes se développent, mais demeurent centrées sur la filiation et l’appartenance à un groupe social. Le 18e siècle marque un tournant : la valorisation de la maternité et l’intérêt accru pour l’enfance favorisent une diversification des œuvres, malgré la persistance de tabous, notamment autour de la grossesse et de l’accouchement. Peintures, dessins, sculptures et photographies constituent ainsi des sources précieuses pour comprendre les rôles familiaux, les pratiques de soin et les normes éducatives. Si le 19e siècle privilégie une vision idéalisée de la maternité et de l’enfance, la seconde moitié du 20e siècle voit émerger des représentations renouvelées, souvent portées par des artistes femmes, qui interrogent les modèles traditionnels et abordent des dimensions de la maternité longtemps dissimulée. L’art offre dès lors des clés de compréhension du monde contemporain et matière à réflexion pour penser notre présent. Emmanuelle Berthiaud est historienne, maîtresse de conférences en histoire moderne à l’Université de Picardie Jules Verne (Amiens). Ses domaines de recherche privilégiés sont l’histoire de la parentalité, de l’enfance et de la santé aux 18e et 19e siècles. Elle a publié notamment _Enceinte_. _Une histoire de la grossesse entre art et société_ (La Martinière, 2013), et avec S. Beauvalet, _Le rose et le bleu, La fabrique du féminin et du masculin. Cinq siècles d’histoire_ (Belin, 2015). Elle a co-dirigé avec J. van Wijland, F. Léger, _Prévenir, accueillir, guérir. La médecine des enfants de l’époque moderne à nos jours_ (Septentrion, 2021) et avec I. Boitel, _Être père. Une histoire plurielle de la paternité_ (XVe-XXe siècle) (Septentrion, 2025). Elle a contribué récemment au catalogue de l’exposition « _Bonnes mères_ » du MUCEM de Marseille (2026).

Les lumières s’éteignent, et soudain le Paris des années 50 renaît. Avec « La Môme Piaf », Anne Carrère propose bien plus qu’un simple hommage : une véritable traversée du Paris d’après-guerre, où la modernité dialogue naturellement avec l’émotion. Le spectacle fait revivre un monde de cafés enfumés, de rues vibrantes, d’histoires d’amour et de voix capables de traverser les époques. Après un triomphe international, ce show musical revient en France pour faire revivre l’extraordinaire destin d’Édith Piaf. Sur scène, Anne Carrère incarne avec intensité l’âme de la chanteuse et entraîne le public dans un voyage ponctué de moments de grâce, de surprises et d’instants suspendus. La mise en scène associe décors réinventés, images immersives, textures lumineuses et narration visuelle, offrant une lecture renouvelée de l’univers Piaf. Grâce à l’alliance du Paris d’antan et des technologies modernes, « La Môme Piaf » devient une expérience immersive et authentique qui sublime l’œuvre de cette icône éternelle. Entre tradition et innovation, le spectacle se révèle à la fois fidèle, contemporain et profondément vivant : un hommage vibrant et un véritable voyage dans le temps, qui fait redécouvrir la légende Piaf comme vous ne l’avez jamais vue.