Simiane-Collongue(Bouches-du-Rhône)

Avec Sur les ruines, les pierres fleurissent, Abdessamad El Montassir, nous propose une plongée dans le désert et ses récits silenciés, qu’il envisage comme un ensemble archipélique, traversé de présences humaines et non-humaines, de mémoires enfouies et de temporalités disjointes. Un territoire vivant où les plantes, les arbres, les montagnes, le sable et le vent deviennent à leur tour des témoins actifs, capables de conserver et de transmettre ce que l’Histoire-Une laisse dans l’ombre. Originaire du Sahara au sud du Maroc, Abdessamad El Montassir développe une pratique située à la croisée de l’art et de la recherche, dans laquelle le paysage n’est jamais une entité passive, mais un acteur à part entière. Ses projets s’ancrent dans une attention portée à ce qui échappe à la parole : celle des humains qui ne peuvent, ne veulent ou ne parviennent plus à témoigner, et celle, plus discrète, des entités non-humaines qui s’expriment dans des temporalités qui nous échappent. Evénement organisé dans le cadre de la Saison Méditerranée 2026, en co-production avec la Friche la Belle de Mai et en partenariat avec Kulte (Rabat) et le Cirva (Marseille) dans le cadre du festival PAC

Présentée pour la première fois en France, l’installation Les rêves n’ont pas de titre de Zineb Sedira a été conçue pour le pavillon français de la 59e édition de la Biennale de Venise en 2022 qui a reçu la mention spéciale du jury. Zineb Sedira propose une expérience de la fiction du réel et brouille les frontières entre intimité et mémoire collective. À travers un récit autobiographique, l’artiste relie des moments clés de sa vie à des événements géopolitiques plus larges, au cinéma d’avant-garde et à des expériences diasporiques.Depuis 25 ans, Zineb Sedira développe une pratique sensible portant sur la migration, l’acte de raconter et les biais inhérents aux récits officiels. Ses films constituent une exploration archivistique approfondie de l’identité et de l’activisme culturel. Née en France au sein d’une famille algérienne, elle s’implante à Londres au milieu des années 1980. Son histoire et celle de sa famille deviennent vite un terrain propice aux expérimentations artistiques.

Cette première exposition monographique de l’artiste visuelle et réalisatrice Mona Benyamin, proposée par Triangle-Astérides - centre d’art contemporain d’intérêt national et structure résidente de la Friche Belle de Mai, en collaboration avec B7L9 à Tunis - présentera une installation inédite autour de ses recherches en cours sur les liens entre son et pouvoir ; ainsi que trois vidéos antérieures dans lesquelles les questions de mémoire et d’identité sont incarnées par ses parents. Le travail de Mona Benyamin fait référence à la culture télévisuelle, et l’humour et l’ironie sont pour elle un outil politique de réflexion critique. Commissaires de l’exposition: Line Ajan et Camille Ramanana Rahary En partenariat avec: B7L9, fabrique artistique de la Fondation Kamel Lazaa

Établi entre Paris, le sud de la France et la Grèce, il développe une œuvre inspirée par l’histoire et la mémoire de ces lieux qui, à travers le monde et la Méditerranée en particulier — nourrissent les passions communes de nos vies passées, présentes et à venir. Les paysages de Grèce ou d’Italie succèdent aux ateliers des grands artistes de la modernité, aux jardins de Giverny où à l’intérieur d’une maison arlésienne, embarqués dans une quête éperdue de la beauté que l’artiste orchestre avec une poésie inouïe. Visite guidée gratuite, le mercredi à 16h en français et à 17h en anglais.

Cette exposition de plus de 250 clichés pris par le musicien entre 1963 et 1964, retrace une période charnière du groupe au moment où sa célébrité va dépasser les frontières de Liverpool et du Royaume-Uni, pour devenir un véritable phénomène planétaire. « A l’époque on avait pas le droit à la paresse. Il fallait prendre la bonne photo, composer soi-même l’image dans son cadre sans se dire qu’au pire on pourrait toujours la rogner après-coup ». C’est grâce à la redécouverte en 2020 dans les archives de Paul McCartney de près d’un millier de photographies prises par l’artiste avec un appareil photo de 35 mm, qu’est livré ce témoignage profondément personnel sur cette période décisive dans l’évolution du groupe. L’artiste immortalise le parcours extraordinaire des Beatles, de ville en ville, de l’Europe aux Etats-Unis : Liverpool et Londres à la fin de l’année 1963, Paris, puis les Etats-Unis en février 1964 où leur performance dans l’émission « The Ed Sulivan Show » est vue par environ 73 millions de téléspectateurs. A ce moment précis, les Beatles accèdent au statut de stars planétaires et redéfinissent la notion de célébrité à l’ère moderne, comme s’ils étaient le prototype de ce que deviendra la célébrité au cours des décennies suivantes… « L’Amérique fut sans conteste le gros lot : c’était le berceau d’une grande partie, voire de toute la musique qu’on aimait » Cette exposition de plus de 250 photographies s’étend sur 700 m² d’espace muséal et va ainsi permettre aux visiteurs de partir à la découverte de ce groupe singulier. Ces images révèlent une partie de l’intimité de ces quatre garçons de Liverpool en tournée, qui commencent à parcourir le monde et découvrent pour la première fois les Etats-Unis. Nous sommes à moins de 20 ans de la fin de la deuxième guerre mondiale, ce pays est vu par Paul McCartney - et plus largement par de nombreux européens -, comme celui qui a libéré l’Europe. Il incarne à l’époque une certaine modernité. Il fascine. Ces clichés de leur première tournée racontent l’intensité des concerts, des longues journées passées en répétition, dans les hôtels, sur la route, soumis au regard des médias à chaque étape de leur parcours. Pour ces quatre jeunes garçons déjà célèbres, tout est découverte… Les photographies de Paul McCartney nous montrent aussi des atmosphères, une esthétique propre à ces années 60 entre le Royaume-Uni, Paris et les Etats-Unis. Avec eux, les visiteurs vont (re)découvrir une société aujourd’hui disparue, au travers ici d’une lunette arrière de voiture ou d’une vitre de train, là d’un bout de trottoir devant l’Olympia à Paris où les Beatles sont programmés avec Sylvie Vartan… autant de photos souvent prises « à la volée », floues, parfois cadrées de manière plus rigoureuse. Paul McCartney aime la photographie qu’il pratique avec son frère dès l’enfance, grâce au premier appareil familial, un Kodak Brownie. L’exposition va ainsi s’articuler de façon chronologique et se composer de 8 temps forts : derrière l’objectif ; les premières années des Beatles : Liverpool et Londres ; Paris ; départs et arrivées : New York ; de New York à Washington ; Miami ; Coda (derniers jours), août – septembre 1964. Ce projet s’inscrit dans les célébrations des 200 ans de la photographie. Cette exposition fait partie de la programmation des Rencontres d’Arles dans le cadre du Grand Arles Express.

Parmi les artistes présentés : Deniz Bayav, Johann Fournier, Gabriel Riesnert, Aurélie Sicas, Jade Boissin, Fabien Granet.

L’exposition retrace la vie musicale aixoise des années 1900 aux années 2000. Des premiers bals populaires aux immenses légendes de la chanson française et internationale passées par Aix, du jazz à la pop, sans oublier la musique de rue, le rap, l'électro-acoustique et le prestige des grands festivals (festival d'art lyrique, festivals de piano) : toutes les sensibilités s'y rencontrent. En écho à ce voyage, l'exposition célèbre le bicentenaire de la photographie en retraçant son histoire, illustrée par une collection d’appareils anciens, de la chambre photographique en bois jusqu'à l'ère du numérique

L’exposition Habiter de Gilles Barbier réunit une quarantaine d’œuvres, mêlant créations réalisées pour l’occasion et pièces existantes, dont les plus anciennes datent de 1992. À travers des séries emblématiques comme Les Pions ou Habiter la Peinture, qui jalonnent la pratique de l’artiste depuis ses débuts, et des ensembles plus récents tels que Habiter la Viande, Stasis ou Naufrages, l’exposition met en lumière le motif central de son œuvre : habiter. Sans prétendre à une rétrospective, elle révèle la cohérence profonde d’un travail qui interroge depuis plus de trente ans les manières d’occuper et de percevoir le monde, en articulant gestes initiaux et enjeux contemporains. Le Jeu de la Vie comme principe générateur Ce principe apparaît très tôt dans l’œuvre de Barbier, notamment à travers le dispositif fondateur du Jeu de la Vie. Inspiré d’un modèle algorithmique simple et fertile, ce protocole devient pour l’artiste un moteur de prolifération formelle et conceptuelle. Il n’aura de cesse d’en développer les potentialités dans de nombreuses séries, progressant selon une logique arborescente caractéristique de son travail. Le critique Pierre Sterckx ne manquait pas d’observer que l’œuvre de Gilles Barbier n’avançait jamais par « projet », mais par « poussée ». Dans les trois salles du musée, grandes peintures, sculptures et collages rythment un parcours organique structuré autour de trois axes essentiels : habiter la peinture, habiter le corps, habiter le temps. En déplaçant la question du “quoi” vers celle du “où” L’un des gestes les plus singuliers de Barbier consiste à aborder les choses non comme des objets, mais comme des lieux. Corps, langage, médium : tout devient espace. En glissant du quoi vers le où, les territoires mentaux de la peinture, de la sculpture et de la chair deviennent des paysages où séjourner. Cette attention au lieu pose immédiatement la question de son occupation : propriétaire ou locataire ? Mais de quoi, exactement ? De ses souvenirs, de sa conscience, du monde ? Barbier ne cherche ni à conquérir ni à hiérarchiser : il visite, il observe, il emménage dans ce qu’il rencontre. Ses œuvres cherchent à habiter le réel, à en avoir l’usage sans le posséder, souvent avec humour, parfois avec effroi