Nanterre(Hauts-de-Seine)

Exposition personnelle - Richard Aldrich

Exposition personnelle - Arlene Shechet La Galerie Lelong est heureuse de présenter sa première exposition d’Arlene Shechet, figure majeure de la sculpture contemporaine, qui a contribué à redéfinir la place de la céramique dans l’art contemporain au cours des vingt dernières années. Réunissant des sculptures récentes en divers matériaux, l’exposition offre une vision resserrée de l’œuvre d’une artiste célébrée aux États-Unis depuis All At Once, une rétrospective couvrant vingt années de création, présentée à l’Institute of Contemporary Art de Boston en 2015. Shechet a ensuite fait l’objet de plusieurs expositions institutionnelles, jusqu’à Girl Group au Storm King Art Center en 2024. Les œuvres de Shechet se distinguent par la variété des techniques utilisées et la richesse des surfaces. En laissant volontairement visibles les empreintes de doigts, jointures, coulures, fissures et traces de cuisson, l’artiste appréhende la sculpture comme un processus de transformation. La couleur participe aussi pleinement à la construction de l’œuvre : des tons pastel — bleus, jaunes, orangés — viennent modifier la perception des matériaux. Le titre choisi par l’artiste pour l’exposition, Kind of Blue, reflète à la fois l’importance de la couleur dans son œuvre et une certaine notion d’incertitude, un état changeant qui est au cœur de sa pratique : ses sculptures semblent à la fois stables et en mouvement, mêlant formes organiques et biomorphiques à des compositions géométriques et angulaires. Le titre fait évidemment aussi référence au célèbre album de Miles Davis et à l’art de l’improvisation du jazzman. « L’improvisation est pour moi une méthode. » dit Shechet. Cette approche est particulièrement sensible dans un ensemble récent d’œuvres réunies sous le titre Touching Ground. Des structures rectangulaires aux contours irréguliers délimitent des espaces dans lesquels se déploient, selon un processus spontané, des formes d’argile modelées, découpées et assemblées. Elles offrent de multiples perspectives, et deux d’entre elles sont accrochées au mur comme en équilibre sur un seul point, évoquant des fenêtres ou des écrans d’ordinateur. Les sculptures de Shechet semblent souvent saisies dans un état provisoire : elles penchent, plient, tiennent en équilibre, se suspendent ou paraissent tout juste s’être posées après un mouvement récent, tel l’oiseau de Sometimes a Bird (2025) qui accueille les visiteurs à l’entrée. Lorsqu’elle a visité pour la première fois l’espace de la galerie, Shechet a été frappée par la lumière, qui confère aux objets une vibration particulière. Dans l’espace parisien, les grandes fenêtres et les ombres des arbres jouent sur les surfaces des œuvres, à l’image de Magic Mountain (2026). Cette grande sculpture peinte se déploie comme un paysage autour duquel on est invité à circuler.

Le Centre culturel vous invite à découvrir l’exposition "Grands Lacs – L’horizon commun des mers intérieures" en accès libre jusqu’à 21h et propose deux visites guidées sur réservation assurées par… Pour la troisième année consécutive, [MaSH](https://matignonsainthonore.com/) donne le coup d’envoi de Paris Art Week en réunissant ses 38 galeries du quartier Matignon Saint-Honoré, ainsi que 16 lieux associés dont le Centre culturel canadien, autour d’un vernissage commun devenu un rendez-vous incontournable de la scène artistique entre l’avenue Matignon et la rue du Faubourg Saint-Honoré. Le temps d’une soirée, les rues sont exceptionnellement piétonnisées et se transforment en une véritable fête à ciel ouvert, rythmée par des performances artistiques. Pensé comme un moment de convivialité, de découverte et de rencontre, MaSH invite collectionneurs, professionnels et grand public à parcourir les galeries dans une atmosphère festive, au cœur de l’un des quartiers historiques du marché de l’art à Paris. A cette occasion, le Centre culturel vous invite à découvrir l’exposition [_Grands Lacs – L’horizon commun des mers intérieures_](https://canada-culture.org/event/robert-burley/) en accès libre jusqu’à 21h et propose deux visites guidées sur réservation assurées par Catherine Bédard, commissaire de l’exposition : - Visite guidée à 18h – [Réservations](https://canada-culture.org/event/visite-guidee-11/) - Visite guidée à 19h30 – [Réservations](https://canada-culture.org/event/visite-guidee-12/)

Le Centre culturel vous invite à découvrir l’exposition "Grands Lacs – L’horizon commun des mers intérieures" en accès libre jusqu’à 21h et propose deux visites guidées sur réservation assurées par Catherine Bédard, commissaire de l’exposition. Pour la troisième année consécutive, MaSH donne le coup d’envoi de Paris Art Week en réunissant ses 38 galeries du quartier Matignon Saint-Honoré, ainsi que 16 lieux associés dont le Centre culturel canadien, autour d’un vernissage commun devenu un rendez-vous incontournable de la scène artistique entre l’avenue Matignon et la rue du Faubourg Saint-Honoré. Le temps d’une soirée, les rues sont exceptionnellement piétonnisées et se transforment en une véritable fête à ciel ouvert, rythmée par des performances artistiques. Pensé comme un moment de convivialité, de découverte et de rencontre, MaSH invite collectionneurs, professionnels et grand public à parcourir les galeries dans une atmosphère festive, au cœur de l’un des quartiers historiques du marché de l’art à Paris. A cette occasion, le Centre culturel vous invite à découvrir l’exposition Grands Lacs – L’horizon commun des mers intérieures en accès libre jusqu’à 21h et propose deux visites guidées sur réservation assurées par Catherine Bédard, commissaire de l’exposition : Visite guidée à 18h – Réservations Visite guidée à 19h30 – Réservations

Exposition collective - Panorama À l'occasion de la semaine d'Art Basel Paris, Perrotin présente « Panorama », une ambitieuse exposition collective organisée à Perrotin Matignon. Cette exposition collective met particulièrement à l'honneur Jeppe Hein, aux côtés d'autres artistes représentés par la galerie : Lee Bae, Hernan Bas, Jean-Philippe Delhomme, Wim Delvoye, Mathilde Denize, Bernard Frize, Laurent Grasso et Hans Hartung, entre autres.

Exposition collective - Arnaldo Pomodoro, Ettore Sottsass, Ugo Mulas À l’occasion du centenaire d’Arnaldo Pomodoro, Tornabuoni Art réunit les œuvres de Pomodoro et Ettore Sottsass sous le regard d’Ugo Mulas, témoin privilégié de leur amitié et de la scène milanaise d’après-guerre. Bronzes, émaux, céramiques et photographies d’archive retracent près de vingt ans de dialogue entre sculpture, design et photographie. Trois piliers de la scène artistique milanaise, le sculpteur Arnaldo Pomodoro, le designer Ettore Sottsass et le photographe Ugo Mulas ont laissé une marque indélébile sur l’espace public comme privé, ainsi que sur la mémoire collective, bien au-delà de la ville de leur rencontre. Un an après la disparition de Pomodoro, Pomodoro & Sottsass : une amitié vue par Ugo Mulas célèbre leurs destins croisés et le dialogue fécond qui a contribué à faire de Milan l’un des plus influents laboratoires créatifs du XXe siècle. Sous le commissariat d’Alberto Salvadori, directeur de l’Archivio Mulas et membre du comité scientifique de la Fondazione Arnaldo Pomodoro, l’exposition vise à mettre en avant le décloisonnement des disciplines incarné par les trois artistes. Dix œuvres en bronze de Pomodoro, retraçant cinquante ans de carrière de l’artiste, dialogueront avec dix pièces originales de Sottsass, dont trois Totems de la deuxième moitié des années 1960, premiers exemples d’objets dépourvus de fonction spécifique réalisés par le designer. L’ensemble est accompagné des photographies d’archive, dont certaines inédites, mettant en scène les artistes et leurs œuvres au sein de l’atelier, dans les locaux d’Olivetti, avec laquelle Sottsass a longuement collaboré, mais aussi dans les espaces publics et privés de l’Italie des années 1960 et 1970. Un catalogue illustré sous la direction d’Alberto Salvadori est publié à l’occasion de l’exposition par Forma Edizioni. Il réunit des textes d’Alberto Salvadori et d’Ivan Mietton, spécialiste d’Ettore Sottsass.

Exposition personnelle - Amoako Boafo La galerie Mariane Ibrahim a le plaisir de présenter une exposition personnelle majeure d'Amoako Boafo (né en 1984 à Accra), à Paris, du 19 octobre au 19 décembre 2026. La démarche de Boafo est avant tout affaire de proximité : il ne peint que les personnes de son entourage - amis, famille, autres artistes - en construisant la peau, le maintien et le geste à même la toile, du bout des doigts, sans jamais recourir au pinceau. Une technique qu'il a développée durant ses années d'études à Vienne, et qui confère à ses surfaces une matière presque sculpturale, détachant ses figures des fonds plats et richement ornés sur lesquels elles se déploient. Pour l'occasion, Boafo transforme la galerie en un environnement immersif et place, pour la première fois, l'idée du foyer au cœur de sa pratique. Peintures et atmosphère se fondent en un même intérieur, qui interroge l'appartenance, l'hospitalité et la façon dont les lieux façonnent celles et ceux qui les habitent. L'artiste brouille ainsi les frontières entre mise en exposition et expérience vécue : ses toiles ne se donnent plus à voir comme de simples œuvres exposées, mais comme des fragments de vie - la galerie devenant elle-même un passage vers son univers le plus intime. Pièce après pièce, l'espace se peuple de celles et ceux qui l'entourent, formant une constellation privée à laquelle on offre rarement une scène bien à elle. L'exposition coïncide avec Art Basel Paris, ainsi qu'avec la soirée inaugurale annuelle de MaSH, le lundi 19 octobre, qui réunit trente-neuf galeries du secteur Matignon-Saint-Honoré pour une soirée de programmation exceptionnelle. Elle marque par ailleurs le cinquième anniversaire de la galerie Mariane Ibrahim Paris - faisant de cet événement à la fois un temps fort dans la carrière de Boafo et la célébration d'une relation qui n'a cessé de grandir aux côtés de la galerie depuis son implantation dans la ville. L'œuvre de Boafo figure dans les collections du Solomon R. Guggenheim Museum, de la Tate Modern, du Los Angeles County Museum of Art, du Centre Pompidou et de la Fondation Louis Vuitton, entre autres. Elle a également fait l'objet d'expositions institutionnelles, parmi lesquelles I Have Been Here Before au Wooyang Art Museum, en Corée du Sud - sa première exposition personnelle institutionnelle en Asie (2025) ; Proper Love au Belvedere, à Vienne (2024) ; et Soul of Black Folks, présentée d'abord au Museum of the African Diaspora (2021), puis au Contemporary Arts Museum de Houston (2022) et au Seattle Art Museum (2023).

Exposition personnelle - Magnus Plessen L’exposition Théâtre imaginaire inaugure la représentation de Magnus Plessen à la Galerie Lelong. Né à Hambourg en 1967, Magnus Plessen vit et travaille à Berlin. Artiste autodidacte, il s'initie d'abord à la peinture, avant de se tourner vers la photographie et le cinéma, puis de se consacrer entièrement à la peinture à partir de 1999. L'exposition réunit un ensemble d’une vingtaine de peintures, réalisées entre 2024 et 2026, et rend compte de l’évolution récente de son œuvre. À l'exception de My Dying Father, les tableaux exposés trouvent leur origine dans l'imagination de l'artiste. Le choix du titre nous informe aussi qu’il ne s’agit pas simplement d’un théâtre inventé, mais d’un espace mental, un lieu de projection d’images, constituées de souvenirs, de rêves ou de fictions. Sur cette scène, où coexistent l’abstraction et la figuration, chaque peinture affirme sa propre autonomie. Ensemble, elles semblent pourtant dialoguer à travers leurs gestes, endossant des rôles changeants sans narration préétablie. Cette ambiguïté se trouve renforcée par des visages qui se transforment, se démultiplient et glissent parfois les uns dans les autres. Les mains – figures récurrentes dans son travail – instaurent quant à elles un rapport tactile aux corps et renforcent le sentiment d’intimité qui traverse l’œuvre de Plessen. Dans la dernière salle, la série Le Baiser prolonge cette réflexion sur la proximité, en évoquant la tendresse et la complicité. Plessen y emploie la feuille d’or et confère ainsi à ses compositions une dimension iconique. L’œuvre de Magnus Plessen a été exposé à la 50e Biennale de Venise (2003) et dans nombreuses expositions muséales. Elle figure dans les collections d’institutions publiques majeures, parmi lesquelles le Centre Pompidou (Paris), le Museum of Contemporary Art (Los Angeles), l’Art Institute of Chicago (Chicago), la Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen (Düsseldorf), le Walker Art Center (Minneapolis), la Pinakothek der Moderne (Munich), le Museum of Modern Art (New York) et le Rose Art Museum (Waltham). Son œuvre est également présent dans d’importantes collections privées, notamment la Fundación Amparo y Manuel (Mexico), la Goetz Collection (Munich), la Rachofsky Collection (Dallas), la Rubell Collection (Miami), la Jorge M. Pérez Collection – El Espacio 23 (Miami) et la Martin Z. Margulies Collection (Miami). Depuis 2019, Magnus Plessen est professeur de peinture à la Staatliche Akademie der Bildenden Künste de Karlsruhe.