Boussy-Saint-Antoine(Essonne)

Exposition - Théâtre-Sénart Pour sa première exposition de la saison, le Théâtre-Sénart met à l'honneur la métamorphose à travers trois séries photographiques : _Butterfly Wings_ de Chris Perani, _Diamonds are forever_ de Jean Rault et _Interlope, Histoires de colère_ de Théo Martin. Cette dernière est composée de 13 photographies de Théo Martin où les figures du cabaret parisien Monsieur K., Patachtouille ou la Baronne du Bronx sont immortalisées dans un monde saturé de couleurs - pour révéler une vérité “trop souvent tue” et se rendre, enfin, visibles. Théo Martin : _"J’imaginais ces nuits, d’un Paris qu’on m’avait raconté. J’imaginais un accordéon, un piano, la liesse, tant de voix qui s’élèvent, l’indiscipline. Le saisissement d’abord, puis le ravissement. J’imaginais des couleurs dans la pénombre, des visages fardés, dessinés, outrés. J’imaginais de l’inquiétude peut-être. Des personnes qui s’autorisent, s’expriment. J’imaginais des monstres fantastiques, des créatures de rêve, j’arrivais même à la certitude d’un endroit de liberté, un endroit interlope, où même les revendications dansent. Et c’était vrai._ _Tout a commencé par des récits, des images d’archives, des recherches. Puis il a fallu se rendre dans ces lieux, découvrir, rencontrer. Interlope documente ce monde : une archive personnelle mêlant mes souvenirs fantasmés avec tous ces merveilleux artistes_".

Compagnie du dernier soir - Myriam Marzouki- Sébastien Lepotvin Entre colères, hésitations, désaccords et élans de solidarité, la pièce explore les tensions qui traversent toute tentative d’action collective. Des habitants, inquiets des projets qui menacent leur cadre de vie naturel, décident d’agir. Victimes de violences au cours d’une manifestation, ils font face au dilemme de l’engagement : continuer ou pas ? %b%Je me souviens de la terre%/i% est une pièce inquiète de notre temps puisque désormais, même en démocratie, l’indignation et la contestation publiques peuvent se payer au prix élevé de la répression. L’histoire est racontée par les chemins en clair-obscur des réminiscences, des rêves et des cauchemars, dans un diptyque qui bouleverse la chronologie des faits, en suivant les traces que les violences subies laissent sur les corps et les esprits.

Du 19 septembre au 19 décembre 2026, et après une 1ère édition en 2024 dans un ancien centre de tri postal parisien, LUX réunit l'ensemble de ses 33 membres autour d'une exposition collective de la à… Du 19 septembre au 19 décembre 2026, et après une 1ère édition en 2024 dans un ancien centre de tri postal parisien, LUX réunit l'ensemble de ses 33 membres autour d'une exposition collective témoignant de la richesse de la création photographique contemporaine. Avec 200 LUX l'Exposition #2, le réseau imagine une exposition polyphonique (expositions, projections, projets spécifiques) fondée sur la coopération et l'expérimentation, accompagnée de rencontres, d'ateliers et d'événements ouverts à toutes et à tous.

Les Archives du Val-de-Marne proposent une rétrospective de leurs fonds Les Archives du Val-de-Marne proposent une rétrospective de leurs fonds photographiques sur le thème du quotidien. Composée de deux cents pièces, de 1840 à 2020, sur tous supports : du daguerréotype réalisé par Daguerre en personne à des fichiers numériques ultra contemporains en passant par des clichés de Willy Ronis, des albums de photographies familiales l’exposition retrace l’histoire d’une pratique sociale, au cœur d’enjeux de transmission et de construction d’identités, toujours plus ancrée dans le quotidien jusqu’à l’omniprésence, jusqu’à faire corps avec la définition de la société où elle se déploie, société dite « de l’image ». Elle en décryptera les langages, usages et vocations. Quant aux traces de cette pratique conservées aux archives au titre de « documents », matière première pour les historiens, elles contribuent à former le terreau de la mémoire collective. Comment ? Quelles en sont les limites ?

Qu’est-ce qui pousse des jeunes à s’engager corps et âme dans un cause, à agir, à manifester leurs désaccords, à entrer en résistance, à défendre leurs idéaux ? Qu’est-ce qui pousse des jeunes femmes et des jeunes hommes à s’engager corps et âme dans un cause, à agir, à manifester leurs désaccords, à entrer en résistance, à défendre leurs idéaux, alors que d’autres, même lorsqu’ils se sentent concernés, restent immobiles ? Nous les minuscules donne la parole à celles et ceux qui ont choisi de se lever. Issu.e.s d'horizons divers, de la ruralité, aux centres villes et jusqu’aux aux quartiers populaires, ils et elles refusent de se résigner face à un état du monde qui leur est imposé. Que signifie aujourd’hui s’engager ? Comment transformer l’indignation en mouvement ? Comment continuer à agir sans perdre la capacité d’espérer ? Avec jubilation et gravité, humour et conviction, les dix interprètes du spectacle s'emparent du plateau pour raconter l'origine intime de leur révolte, les combats menés, les doutes et les peurs qui les traversent. Avec Nous les minuscules, la scène devient un lieu de partage et d’affirmation où la jeunesse se raconte elle-même, dans toute sa complexité et sa vitalité. Les corps, les voix et les récits se répondent, et le théâtre, la danse, le chant et la poésie s’entremêlent pour réaliser une œuvre généreuse et porteuse d’espérance.

Adaptée au niveau, à la nature de votre groupe et aux objectifs pédagogiques que vous poursuivez, ces visites prennent la forme d'un échange autour des oeuvres. Elles s'appuient sur l'apprentissage à… Adaptée au niveau, à la nature de votre groupe et aux objectifs pédagogiques que vous poursuivez, ces visites prennent la forme d'un échange autour des oeuvres. Elles s'appuient sur l'apprentissage du regard et visent à mettre en lumière les enjeux de l'exposition. Gratuit / Adhésion obligatoire (32 euros pour la classe) Durée : 45min - 1h

Dans le cadre des célébrations du Bicentenaire de la Photographie, le Centre photographique d’Île-de-France, centre d’art contemporain d’intérêt national, est heureux de présenter, à… Dans le cadre des célébrations du Bicentenaire de la Photographie, le Centre photographique d’Île-de-France, centre d’art contemporain d’intérêt national, est heureux de présenter, à la suite de plusieurs collaborations, la première monographie dans un centre d’art contemporain en Île-de-France de l’artiste, à la reconnaissance internationale, Isabelle Le Minh. Intitulée A Rose is a Rose is the Last Rose of Summer, l’exposition se compose de tirages, d’ensembles installatifs et de dispositifs variés. Elle articule de nouvelles créations spécifiques avec un ensemble d’œuvres emblématiques de la dernière décennie, explorant sous un angle aussi conceptuel que facétieux et décalé, les présupposés et limites d’une histoire de la photographie en perpétuelle actualisation. Reflet du processus de création d’Isabelle Le Minh, le titre A Rose is a Rose is the Last Rose of Summer, convoque la citation, l’assemblage, la répétition, la boucle, la référence et l’hommage, ici à la figure féminine encore trop rarement évoquée par l’histoire des inventions. En effet, en puisant ses matériaux et son inspiration dans l’histoire de l’art - notamment de la photographie -, ses mythes fondateurs, ses objets, techniques et usages, ses fondements théoriques, l'artiste a élaboré un vaste ensemble de pièces. Dans une approche conceptuelle, aussi humoristique que sensible, la photographie constitue son propre motif et objet de réflexion. Ainsi, la série Traumachromes (2019) présente des vues de Rochester, berceau des usines Kodak aujourd’hui fermées, tirées sur soie dans de grands cadres blancs qui produisent un effet inattendu, entre diapositive géante et écran. L’artiste les a tirées à partir de film Kodak, puis a choisi de montrer les saturations chromatiques et les trames apparues accidentellement lors de leur numérisation, comme en écho au devenir numérique de la photographie qui a entraîné la chute de Kodak. Cette histoire est également une histoire sociale, et l’artiste s’attache à évoquer les mains, souvent invisibles, qui font fonctionner l’industrie de la photographie depuis son essor : dans Raw Loop (2023), les mains manucurées qui illustrent les modes d’emploi d’appareils photographiques répondent à celles des ouvrières sur les chaînes de montage, autant qu’aux images de dirigeants, tous masculins, signant des contrats. Feedback Loop (2023) est un assemblage d’images et d’éléments réalisé à partir des archives de l’entreprise Pentacon, fabricant d’appareils photographique est-allemand connu pour avoir produit des appareils à visée réflex à partir de pentaprismes, également visibles sur des dessins techniques sur fond noir. La pièce convoque également des collages détournés de Moholo-Nagy, qui anticipait en 1923 la possibilité de traduire une image en données numériques, en faisant réaliser un dessin à distance à partir de coordonnées spatiales. Sorte de schéma mental du fonctionnement du mécanisme optique du réflex et de ses développements conceptuels, l’assemblage fonctionne comme une boucle réflexive, dans une répétition foisonnante d’idées, de références et d’évocations historiques. Cette même logique de boucle et de rétroaction est à l’œuvre dans le titre de l’exposition ; un assemblage d’une phrase extraite d’un poème en prose de Gertrude Stein, « A rose is a rose is a rose » (1913), et d’un vers du poète irlandais Thomas Moore « The Last Rose of Summer » (1805). Quelques vers typographiés de ce poème ont été reproduits par Constance Talbot, épouse et assistante d’Henry Fox Talbot, sur ce qui est souvent considéré comme la première image a procédé photographique réalisée par une femme. Ce poème, intégré au patrimoine populaire irlandais, a été repris en musique à maintes reprises. À travers ce jeu de références, qui traduit bien la façon dont Isabelle Le Minh crée ses œuvres en tirant le fil d’histoires injustement considérées comme anecdotiques, le titre évoque autant l’idée de révolution cyclique de l’histoire de la photographie que les destins oubliés, parfois invisibilisés, qui ont contribué à son élaboration. Avec le concours du Centre national des arts plastiques-Fonds national d’art contemporain (Pantin), du Fonds régional d’art contemporain Grand Large, (Dunkerque) du Collège international de la photographie, de La Capsule-centre culturel André Malrauxv (Le Bourget), de VOX, centre de l’image contemporaine (Montréal), des Technische Sammlungen (Dresde), de Bloomington School of Art & Design (Indiana University) et de la Galerie Christophe Gaillard (Paris). Biographie Après une première vie d’ingénieur-brevets à Berlin dans les années 90, Isabelle Le Minh est diplômée de l’École Nationale Supérieure de la Photographie d’Arles. Au début des années 2000, le passage à l’ère numérique l’amène à reconsidérer sa posture artistique : utiliser la photographie non plus comme un moyen de représenter le monde, mais « penser » la photographie en prolongeant à l’ère du numérique une voie réflexive déjà ouverte dans les années 70. Depuis lors, la photographie, son histoire, ses objets, ses techniques et ses théories se trouvent au cœur de la démarche de l’artiste. Lauréate du prix Jeune Création en 2000, du prix Révélation livre d’artiste MAD-ADAGP en 2016, elle est résidente à la Villa Kujoyama en 2019 et à la Villa Saïgon en 2024. Le prix international de photographie Spectrum 2027 vient de lui être attribué. Ses œuvres ont été présentées dans des manifestations d’envergure en France et à l’étranger comme les Rencontres d’Arles, Paris Photo, le Mois de la Photographie à Montréal, mais aussi dans des institutions comme le Centre Pompidou, la Bibliothèque Nationale de France, le Musée des techniques de Dresde, la Fondation Ehrhardt à Berlin, le Goethe Institut à Paris, le Frac Normandie Rouen, le CRP/Douchy-les-Mines ou la Maison Rouge. Isabelle Le Minh enseigne à la Haute école des arts du Rhin à Strasbourg, son travail est représenté par la galerie Christophe Gaillard.

Mélanie Challe, La lumière à l'envers Mélanie Challe, La lumière à l'envers ------------------------------------- Du 4 novembre 2026 au 30 janvier 2027, la médiathèque André Malraux de Maisons-Alfort ouvre ses portes à l’univers de Mélanie Challe et dévoile, pour la première fois, sa nouvelle série de photographies consacrée aux bords de Marne, ce fleuve familier qui scande les jours et les saisons des habitants de Maisons-Alfort et du Val-de-Marne. Dans ces images, l’eau, la lumière et les arbres deviennent les voix d’un récit silencieux, un itinéraire poétique où le regard se laisse porter par la douceur du paysage et la vibration du vivant. En écho à cette création inédite, l’artiste présente également un ensemble de photographies réalisées à Maisons-Alfort et en Île-de-France, choisies parmi ses séries antérieures, dont Chemin de vie et Inflorescences. Près de quarante œuvres composent ainsi un parcours sensible et attentif au territoire, où la nature, saisie au fil des saisons, révèle ses métamorphoses les plus subtiles. Remercier le paysage Cette exposition accompagne la parution du livre La lumière à l’envers, paru en 2025 aux éditions Zinzinule, dans lequel les photographies de l'artiste trouvent un contrepoint vibrant dans les poèmes d’Anne Barousse. Dans cet ouvrage, la photographe a souhaité rendre hommage à ses promenades d’enfance sur les bords de Marne. « C’est une manière de remercier ces paysages qui nourrissent mon émerveillement depuis toujours », explique Mélanie Challe. Arbres, lumière, ciel et reflets sur l’eau composent cette ode à la lenteur et à l’observation, mettant en lumière des paysages accessibles à tous les habitants des bords de Marne. « Je suis allée sur place plusieurs fois sans photographier, afin de vivre l’instant avant de retranscrire mes sensations. » Nature et corps en mouvement Photographe et peintre, Mélanie Challe est diplômée du master Artenact, une formation transdisciplinaire mêlant pratique artistique, action pédagogique et neurosciences. Deux axes principaux se dégagent de son œuvre : la nature et le corps en mouvement. Elle puise dans son quotidien ses sources d’inspiration, se concentrant sur le sensible, le langage du corps et du vivant. Sa volonté est de partager les analogies entre l’être humain et la nature, qui se rencontrent à la jonction de leurs fragilités respectives. Son travail invite à un temps de méditation, en phase avec sa maîtrise professionnelle du yoga et sa pratique d’une calligraphie libre. Il s’en suit une perte de repères pour aller à l’endroit du perceptif, pour laisser davantage place au regard et à une appréhension plus spontanée et sensible du monde. Pour cela, elle expérimente différentes techniques (cyanotype, palladium, transfert, gravure) et supports photographiques (papier japonais, textile) qui lui permettent de traduire une relation au monde au-delà du perceptible. Exposée à la biennale Foto Rio au Brésil, au Centre Culturel Français en Chine, en Australie et en France, elle a reçu le Prix France Info-XXI du web documentaire pour Hakim, un autre visage et le Prix du meilleur documentaire CIRCOM pour Les Dames de chœur.