Calogero - En tournée

Comme des courants marins, les trajectoires des danseuses se croisent et se réunissent. Dans ce tourbillon infini, Fabrice Lambert saisit le mouvement de la vie ! Fabrice Lambert fait monter les courants océaniques sur scène. Précise et ciselée, sa partition chorégraphique s’inscrit dans un espace métamorphosé. En contrôlant la lumière, il prolonge les gestes. Les corps deviennent des paysages mouvants, rappelant le lien indéfectible entre l’humanité et la nature. La géographie imprègne la salle, dessinant des zones froides et chaudes, distinguant la surface des abysses. Les trois danseuses évoluent entre l’une et l’autre. Leurs trajectoires se croisent, se perturbent, se réunissent. Le spectateur ou la spectatrice songe vaguement à qu’il sait des courants océaniques, notamment du « Gulf Stream », dont on a longtemps pensé qu’il venait tiédir les côtes de Vendée et des Landes. En réalité, les scientifiques expliquent aujourd’hui qu’il ne représente en réalité qu’une infime partie d’un écoulement plus vaste, l’AMOC, que ce dernier est mu par un équilibre instable entre chaleur et glace, salinité et douceur, et qu’il ralentit ostensiblement. Les températures européennes vont probablement en être affectées. Mais l’attention revient vite vers ce qu’il se passe dans la salle. Sur les compositions électroniques de Patrick de Oliveira, les courses des interprètes accélèrent et ralentissent. Reliées, elles se jouent de la gravité et de la sensation de flotter, expérimentent la force de la poussée, la joie du tirer, l’euphorie de la résistance et le danger de l’arrêt… Une tension permanente anime la pièce, dont l’enjeu est clairement vital. Dans ce tourbillon qui semble infini, Fabrice Lambert saisit le mouvement de la vie !

La grande réconciliation des musiques anciennes d’Europe et des Andes. Et si Incas et conquistadors s’étaient affrontés avec des flûtes, plutôt qu’avec des épées ? Parfois, les civilisations entrent en collision. C’est arrivé dans les Andes au début du seizième siècle, lorsqu’une maigre troupe d’Espagnols a provoqué l’effondrement de l’empire inca. Tant de femmes et d’hommes auraient souhaité que ce traumatisme soit évité, que la richesse des cultures amérindiennes soit préservée. C’est notamment le cas du réalisateur Juan Antin, auteur en 2018 de Pachamama, un dessin animé haut en couleurs dont l’action se déroule au moment de la chute de Cuzco. C’est également le cas du flûtiste Pierre Hamon, expert des musiques anciennes européennes, interprète fétiche de Jordi Savall, mais aussi fin connaisseur des cultures précolombiennes. Cet illustre professeur au Conservatoire National Supérieur de Lyon a conçu la bande originale du film en combinant luths ou guitares d’ici et flûtes de Pan ou vases siffleurs de là-bas. Il poursuit aujourd’hui cette utopique réconciliation en compagnie de l’une de ses anciennes élèves, la chanteuse et flûtiste Clémence Niclas, applaudie plus d’une dizaine de fois à l’abbaye au sein de l’ensemble ApotropaïK. Bor Zuljan, que France Musique décrit comme « le luth incarné », Louis Capeille, qui manie aussi bien la harpe Renaissance que sa cousine sud-américaine, et le percussionniste Florent Tisseyre sont également de l’aventure. En fond de la scène, sur des tissus de laine teinte, une remarquable collection d’instruments de terre cuite et de grands tambours à la peau burinée les attend. Les cinq musiciens s’en emparent et entonnent sur des rythmes vifs des chansons espagnoles, des airs amérindiens, dont une « danse de l’Inca », des chants et danses populaires du Pérou, tirées du Codex Trujillo, premier recueil des collectages réalisés par l’évêque Martinez Compañon. Loin du fracas des arquebuses et des armures, les cultures se rapprochent et les répertoires sont enfin traités avec un égal respect. Si l’utopie renvoie à un lieu qui n’existe pas, l’uchronie désigne un épisode historique qui ne s’est pas produit. Qu’il n’ait pas eu lieu n’est pas une raison pour ne pas le rêver : et si Incas et conquistadors avaient choisi de s’affronter avec des flûtes, plutôt qu’avec des épées ?

À la Renaissance, les toits des demeures et des églises de France dominent toujours le paysage et s’ornent de décorations modernes et poétiques, en plomb ou en céramique chatoyante de couleurs. De grands vases, des drapeaux, des sirènes, des oiseaux, des enfants nus ou des soldats viennent ainsi peupler les épis de faîtage et les girouettes. Venez découvrir à hauteur d’œil, une sélection de ces œuvres d’habitude placées loin des regards, à la rencontre de la toiture et du ciel.

Les artistes à l'honneur : Gisèle Navelier (artiste sculptrice) et Dominique Bruneton (artiste peintre) Les artistes à l’honneur : * Gisèle Navelier, Artiste Sculptrice Mon travail de sculpture a commencé il y a 25 ans avec l’argile, au fil de ce cheminement créatif, la puissance du métal s’est imposée comme une évidence, j’ai été immédiatement séduite par ce face-à-face avec cette matière, par l’engagement corporel et mental qu’elle exige. Bien que le métal soit dur, tranchant et poussiéreux, également évoquer sensibilité et délicatesse. Le métal est résistant ce qui permet des œuvres pérennes, dans une certaine mesure, il peut être apprivoisé pour traduire l’élan de mon désir artistique. L’imaginaire fait alors alliance avec l’énergie du travail et la force de la matière. Travailler le métal en sculpture nécessite une variété d’outils spécifiques chacun ayant son importance ; Je démarre le plus souvent à partir de plaque métallique. Mes outils de base sont : la disqueuse, la meuleuse, le découpeur plasma, le poste à souder, la forge… Chaque outil joue un rôle crucial dans le processus de sculpture métallique, Patine pour des effets visuels. La plupart de mes œuvres sont en acier. * Dominique Bruneton, Artiste Peintre “La ville matière vivante, la peinture mémoire en mouvement.” Lumières, espaces, couleurs, contrastes, flous, ombres et silhouettes qui se déplacent sont les thèmes de ma démarche picturale, trajectoires de ceux et celles, anonymes, qui parcourent la ville. Alors ma peinture laisse place à l’imaginaire de celui qui regarde le tableau. Mes toiles illustrent le mouvement du temps présent, le tourbillon de la vie en recourant à divers matériaux : affiches, journaux et papiers marouflés sur la toile en guise de signature. Alliant abstraction et réalisme, ma technique transcende la réalité pour explorer, dans un style vibrant, humanité, exil et urbanité. Lumières fuyantes, jeux d’ombres et de contrastes, silhouettes happées par le mouvement : autant de fragments d’un langage pictural qui saisit l’essence même du passage. Dans la matière de la toile se grave la trace fugace des anonymes qui parcourent la ville. Ici tout est suggestion. L’inachevé devient invitation. Alors la peinture laisse place à l’imaginaire de celui qui regarde le tableau. Cette œuvre picturale interroge la fluidité, la transition et le mouvement à travers une esthétique du flou qui instaure une ambiance poétique et onirique. Entre figuration et abstraction, elle capte le rythme et l’énergie de la ville, restituant sa dynamique et sa pulsation. La palette, construite autour de gris colorés, joue sur les nuances, les contrastes et la lumière pour faire émerger un paysage urbain vibrant, où l’atmosphère prend forme au-delà de la simple représentation. Du 5 au 10 octobre 2026 Du lundi au vendredi de à 9 h à 12 h et de 15 h à 20 h au centre culturel L'Orangerie. Tout public. Entrée libre. Plus de renseignements : \- 01 34 29 48 59 \- acc\_culturel@ville-roissy95.fr