Que faire à Le Perchay en janvier 2026 ?

Moment de partage et d’échange entre entrepreneurs, réflexions en intelligence collective (cod dev). Bonjour à toutes et à tous,Je m’appelle Bénédicte, fondatrice de Feuille Blanche, Café Noir, un lieu culturel et créatif où je collabore déjà avec de nombreux artistes. Grâce à mon parcours d’entrepreneure, enrichi par des formations et de belles rencontres, j’ai découvert à quel point l’échange et le partage d’expérience sont essentiels pour avancer. 👉 C’est pourquoi j’ai envie d’ouvrir aussi mon espace aux entrepreneurs, avec un rendez-vous régulier et convivial : 📅 Petit-Déj : un jeudi sur deux ⏰ De 9h30 à 12h 👥 En petit comité (4 à 8 personnes) 💡 Une séance de co-développement ou d’échange autour de sujets concrets (prospection, communication, financements, équilibre vie pro/perso…) ☕️ 1 Café inclus Un chat permettra de proposer des thèmes à l’avance et de choisir les sessions qui vous intéressent.J’animerai les rencontres, mais l’esprit reste collaboratif : chacun apporte sa graine 🌱. ✨ Si tu es entrepreneur·e ou en création et que tu veux rejoindre l’aventure, inscrits toi Hâte de partager ce premier café avec vous ☕️🚀

Le Grand Palais invite les artistes Eva Jospin et Claire Tabouret à investir deux galeries reliées par une même entrée. D’un côté, Grottesco, un parcours foisonnant de forêts, grottes et architectures imaginaires ; de l’autre, D’un seul souffle ou les coulisses d’un projet monumental : les futurs vitraux contemporains de Notre-Dame de Paris. Eva Jospin réunit plus d’une quinzaine d’œuvres, certaines créées spécialement pour l’exposition et dévoilées pour la première fois, d’autres revisitant des motifs emblématiques de son travail. Le titre de l’exposition, « Grottesco », s’inspire de la légende d’un jeune Romain tombé par hasard dans une cavité où il découvre des fresques oubliées de la Domus Aurea. À partir de ce palais enseveli, semblable à une grotte, naît le « grotesque » dont Eva Jospin tire le fil : un style où le végétal, l’architectural et le fantastique s’entrelacent. Le parcours invite à une traversée dans un monde à part : promontoire, cénotaphe, grotte, ruines et forêt se succèdent, transformant sans cesse la perception et révélant de nouveaux motifs. Parmi les pièces inédites, une série de bas-reliefs brodés attire le regard. Fusion de textile et de sculpture, ces œuvres marquent une nouvelle étape dans la recherche d’Eva Jospin. Claire Tabouret présente, dans une exposition intitulée « D’un seul souffle », les maquettes grandeur nature, esquisses et travaux préparatoires des six vitraux qu’elle a réalisés pour la cathédrale Notre-Dame de Paris. Lauréate en décembre 2024 du concours organisé par le ministère de la Culture, en association avec l’atelier Simon-Marq, elle dévoile les coulisses de ce projet exceptionnel. Chaque maquette reproduit à taille réelle une baie du bas-côté sud de la cathédrale. Réalisés en monotype, technique d’impression que l’artiste pratique de manière fréquente, ils sont enrichis de pochoirs pour les rosaces et motifs décoratifs. Ces projets respectent ainsi la lumière neutre de l’édifice et créent une transition douce avec les vitraux de Viollet le Duc tout en proposant des couleurs vives et équilibrées. Inspirée par le thème de la Pentecôte, symbole d’unité et d’harmonie, Claire Tabouret vous invite à entrer dans l’intimité de son processus créatif et à vivre un moment rare : les coulisses d’une création hors norme. L’exposition Claire Tabouret, D’un seul souffl e bénéficie de la généreuse contribution de Mme Kristin Johnson et sa famille.

Du 10 décembre 2025 au 8 mars 2026, le Jardin d’Acclimatation lève le voile sur “le Japon en Lumières”, la 3ème édition de son grand Festival des Lanternes ! 2000 créations lumineuses célèbrent cette année l’âme du Japon, une terre où tradition millénaire et modernité éclatante se rencontrent. Vous êtes conviés à un voyage en 3 étapes et quelques chemins de traverse ! Entrez d'abord dans l’Empire des Traditions avec des torii majestueux, temples merveilleux, costumes traditionnels, ombrelles de soie et la silhouette majestueuse des samouraïs. L'itinéraire continue vers une Odyssée Pop-moderne  : apprêtez vous à découvrir une explosion de couleurs et de néons. L’énergie de Tokyo prend vie ici : petits monstres kawaï, jeux d’arcades et mangas se côtoient pour votre plus grand plaisir. Enfin, rejoignez le Jardin des Songes où souffle la sérénité de la nature japonaise en majesté : sakuras en fleurs, carpes koi, macaques des sources chaudes… et mont Fuji bien sûr se dévoilent ici sous une lumière féerique ! Le voyage ne s’arrête pas là : découvrez dans le foodcourt les saveurs et les parfums du Japon et quelques repères très français : mochis et ramen, chocolat chaud et bretzel se dégustent sous les étoiles. Et.. pour clore la soirée, un tour dans la Grande Roue qui laisse place à une vue magique sur Paris en fête. Cet hiver, le Japon s’invite à Paris, sous 2000 lanternes scintillantes dans nos allées !

5000 ans d’histoires et de légendes des dragons d’Asie se révèlent à travers cette exposition conçue avec le Musée national du Palais de Taipei à Taïwan. 5000 ans d’histoires et de légendes des dragons d’Asie se révèlent à travers cette exposition conçue avec le Musée national du Palais de Taipei à Taïwan. Le dragon originaire de Chine n’est en rien la créature maléfique et cracheuse de feu désignée sous ce nom en Occident. Il incarne plutôt l’énergie vitale universelle et l’élément aquatique. La terre dépend de sa toute-puissance pour bénéficier des bienfaits du ciel. L’exposition Dragons présente une sélection exceptionnelle d'objets et oeuvres d'art, depuis les premiers dragons apparus sur les jades et bronzes antiques jusqu'aux formes populaires contemporaines, en passant par les arts impériaux. Le dragon, seigneur céleste, poursuit son envol. Après avoir été l’emblème de la toute-puissance des empereurs, il continue de relier la terre au ciel pour apporter force et prospérité aux hommes.

Mickalene Thomas, première artiste afro-américaine à être mise à l’honneur avec une grande exposition personnelle au Grand Palais, présente All About Love : une rétrospective vibrante explorant la visibilité et la représentation des femmes noires et célébrant l’amour comme force de libération, d’affirmation de soi et de joie. All About Love est une exposition monographique de l’artiste américaine Mickalene Thomas (1971, New York), reconnue à l’international pour sa pratique audacieuse et multidimensionnelle. Elle explore la représentation des femmes noires dans l’art, l’histoire et la culture populaire, en réinventant le portrait classique à travers une perspective queer et féministe noire. La rétrospective couvre plus de deux décennies de création, mêlant peinture, collage, photographie, vidéo et installation. Au centre de son travail, l’amour apparaît comme une force de libération, de joie et d’affirmation de soi, thème inspiré par le livre fondateur de bell hooks, All About Love: New Visions (1999). Les œuvres de Thomas rendent hommage à l’autonomie, à la beauté et à la résilience des femmes noires. Ses sujets - amis, famille, amants et icônes culturelles - sont représentés avec assurance, sensualité et grâce, et reconquièrent les espaces dont ils ont été historiquement exclus. Les compositions, souvent ornées de strass, invitent le public à entrer dans des mondes où le plaisir devient politique et la représentation radicale. Thomas dialogue aussi avec l’histoire de l’art européen, en particulier français. Des œuvres emblématiques telles que Le Déjeuner sur l’herbe (1863) de Manet et La Grande Odalisque (1814) d’Ingres sont réinterprétées à travers un prisme contemporain, plaçant les femmes noires au centre du récit et transformant la lecture des classiques. All About Love vous invite à découvrir un univers d’amour, de loisirs et de libération, où la beauté, l’intimité et la maîtrise de soi redéfinissent le regard historique sur l’art. Après des expositions saluées au Broad (Los Angeles), à la Fondation Barnes (Philadelphie), à la Hayward Gallery (Londres) et aux Abattoirs (Toulouse), cette rétrospective constitue la plus ambitieuse présentation des œuvres de Mickalene Thomas à Paris.

Cet hiver, une vague manga déferle sur le musée Guimet ! Quel que soit votre âge, quelle que soit votre génération, retrouvez vos héros préférés dans une exposition-événement exceptionnelle, déployée pour la première fois sur les trois étages du musée. Admiré par plusieurs générations de lecteurs, le manga a conquis la France et le monde, qu’il s’adresse aux adolescents ( shonen pour les garçons, shojo pour les filles) ou aux adultes ( seinen, josei, seijin …) Mais connaissez-vous ses origines ? À travers des planches et des revues originales, mises en regard avec des objets et des œuvres graphiques de nos collections, l’exposition Manga. Tout un art ! lève le voile sur la naissance et l’évolution complexe de la bande dessinée japonaise. Des traditions millénaires aux premières influences occidentales, de la presse satirique aux premiers pas du dessin animé, de la créativité des maîtres mangakas des 20e et 21e siècles jusqu’à leur influence sur la mode et la haute couture, la galaxie manga n’aura plus de secret pour vous ! Au deuxième étage, plongez dans le Japon des 18e et 19e siècles et découvrez comment sont déjà présents, sous le pinceau de grands maîtres tels que Kyosai, Hokusai ou Utamaro, des procédés graphiques qui, deux siècles plus tard, se retrouveront dans le manga. Un univers mystérieux peuplé de monstres, de fantômes et de personnages grotesques, où apparaissent des bulles de rêves et des flatuosités explosives témoignant de l’étendue des registres de l’art narratif japonais, allant de l’humour le plus désopilant aux récits les plus édifiants. Enfin, laissez-vous porter par la Grande vague de Hokusai. Dans une salle spécialement consacrée à cette œuvre iconique, une expérience immersive, pédagogique et méditative vous emmènera à la découverte de ce chef d’œuvre absolu de l’art universel. En regard de l’estampe originale, des planches de dessinateurs de BD tels que David Etien, Coco ou Moebius, ainsi qu’une spectaculaire robe de haute couture de la maison Dior illustrent l’influence que continue à exercer cette icône de l’art japonais sur les artistes du monde entier. Et pour prolonger votre expérience, une salle de lecture éphémère est installée dans la splendide bibliothèque historique de Guimet, pour bouquiner jusqu’à la fermeture du musée !

Le regard porté sur l’art a évolué depuis le XVIIe siècle. Aujourd’hui, commentateurs ou critiques soulignent volontiers, dans les arts comme dans le sport, la qualité d’une prestation aboutie, la beauté d’un geste, mais sans s’attarder sur les centaines d’heures de recherches ou d’entraînements qui ont permis ce résultat. Le talent est souvent associé à la spontanéité plus qu’à une capacité de soutenir l’effort indispensable pour une performance hors du commun. Balzac, une tension incessante vers la perfection On connaît le perfectionnisme de Balzac qui lui a permis, d’écrivain quasi nul (le manuscrit du Cromwell, sa première œuvre littéraire, témoigne implacablement de la faiblesse des écrits du jeune Honoré), de devenir à plus de quarante ans un véritable styliste et d’être aujourd’hui le romancier français le plus connu au monde. Le musée expose depuis longtemps sa méthode de travail, caractérisée par d’incessantes reprises, édition après édition, dans un désir constant de perfection que seule la mort est parvenue à interrompre. Le principal talent de cet écrivain réside donc moins dans un don naturel que dans cette capacité phénoménale de travail, cette soif inextinguible d’amélioration et d’innovation. Cette qualité n’est pas limitée à Balzac et l’exposition propose une réflexion sur le lien entre labeur et création, en s’appuyant sur des artistes dont l’exigence est comparable, si elle s’exprime autrement. Que les ignorants le sachent ! Si l'artiste ne se précipite pas dans son œuvre, comme Curtius dans le gouffre, comme le soldat dans la redoute, sans réfléchir ; et si, dans ce cratère, il ne travaille pas comme le mineur enfoui sous un éboulement ; s'il contemple enfin les difficultés au lieu de les vaincre une à une, à l'exemple de ces amoureux des féeries, qui, pour obtenir leurs princesses, combattaient des enchantements renaissants, l'œuvre reste inachevée, elle périt au fond de l'atelier, où la production devient impossible, et l'artiste assiste au suicide de son talent. La Cousine Bette, 1846 Rodin, une exploration tous azimuts Le Balzac monumental dont un bronze orne le boulevard Raspail, est bien connu des Parisiens. On sait moins qu’il a été précédé d’au moins 120 versions étalées sur sept années, dont une vingtaine sont ici présentées. Rodin n’a pas connu Balzac. Les ébauches en terre ou sur papier, les essais réalisés durant cette longue période, prennent appui sur une enquête très approfondie du sculpteur, désireux de connaître au mieux le physique comme l’allure de l’écrivain. Mais Rodin ambitionne de concilier le Balzac de la réalité et l’auteur de La Comédie humaine  : « Le sentiment, l’intimité de l’homme, voilà ce qu’il faudrait rendre. Et là, pensez si c’est commode, l’âme de Balzac ! Je cherche, je cherche, c’est très difficile. Mais je pense bien que j’y arriverai » ( Le Journal, 27 novembre 1894) Et il imagine Balzac debout, assis, statique ou en marche, gras ou maigre, souriant ou sérieux… La diversité des esquisses souligne que Rodin, pour tenter de parvenir à sa vérité artistique, explore tous azimuts des chemins à chaque fois différents, là où Balzac part d’un scénario embryonnaire, qu’il complète et affine au fil des corrections. Picasso et d’autres : de l’intuition à la juste formule Si le processus créatif de Rodin se distingue de celui de Balzac, d’autres artistes ont emprunté des voies encore différentes. Les œuvres des illustrateurs de la fin du XIXe et du XXe siècle respectent des schémas bien établis mais n’en sont pas moins précédées de recherches approfondies. Les cahiers d’étude, dessins préparatoires, essais, esquisses, tentatives rejetées, témoignent de ces tâtonnements, de cette volonté de bien faire ou de mieux faire qui anime presque tous les créateurs. Les recherches de Pablo Picasso sur le portrait de Balzac sont significatives de sa manière de procéder. D’autres artistes contemporains (Vallotton, Marquet, Derain, Giacometti, etc.) se sont livrés au même exercice mais en se limitant en général à un dessin, deux au plus, là où Picasso en réalise plus d’une dizaine, reprend son motif sur des cartes postales adressées à des amis, sur des gravures d’autres format… Qu’il simplifie ou densifie son sujet, Picasso opère au fil des versions une progressive métamorphose pour aboutir à une vision neuve. La complexité du processus créatif régit également des œuvres d’une apparente légèreté. Pour les deux photographies de la série d’Olivier Blanckart « Moi en :… » relatives à Balzac : Moi en : Balzac, et Moi en : Balzac modèle de Rodin, la recherche s’exprime comme le tâtonnement autour d’une formule déjà mûrement réfléchie, jusqu’à ce qu’apparaisse enfin l’expression la plus juste. Pierre Alechinsky : le questionnement sans fin Pierre Alechinsky incarne une forme encore différente de la création : la reprise d’un thème dans la durée. Contacté par l’éditeur Yves Rivière en 1987 pour illustrer le Traité des excitants modernes de Balzac, Pierre Alechinsky entreprend deux ans plus tard une première série de gravure sur cuivre en aquatinte. Le résultat ne le satisfait pas et, au prix d’un pénible travail, il reporte ces réalisations sur le linoléum afin d’obtenir un encrage plus profond. Les plaques en cuivre, d’abord rejetées, sont ensuite réutilisées : la partie laissée vierge est traitée à son tour, cette fois à l’eau-forte, et ornée de motifs commandés par le premier dessin. Les grandes gravures ainsi obtenues sont au fil des années métamorphosées par d’éblouissantes bordures peintes à la tempera puis à l’acrylique. Les inventions de 1989 suscitent ainsi des reprises qui se succèdent jusqu’à aujourd’hui. Les premiers travaux laissent place à de fluides improvisations sur un thème pictural dont le sens est remis en question sans jamais disparaître. La salle retrace l’histoire de l’un des dessins réalisés pour le chapitre « Du tabac », avec les essais préalables à l’édition, les matrices, une reprise gravée en 1991, cette même gravure enrichie à la tempéra en 2009, et enfin une reprise à l’acrylique de 2022 : Si Balzac reprend jusqu’à trente fois la même page, Pierre Alechinsky revient sur le même thème durant plus de trente années.

Cette exposition, à découvrir dès le mois de novembre, est une invitation à placer ses pas dans ceux des lettrés et moines archéologues qui parcouraient montagnes et sanctuaires en quête d’inscriptions antiques gravées sur la pierre ou coulées dans le bronze. Ces signes et formes archaïques inspirent des oeuvres dont la modernité naît de l’association inédite entre calligraphie, peinture et estampage : une rencontre qui témoigne de la révolution visuelle en cours dans la Chine du XIXe siècle. L’étude des vases rituels et des stèles Les lettrés de la dynastie Qing sont les héritiers d’une tradition de collectionneurs qui ont élevé l’étude des vases rituels et des stèles au rang de discipline scientifique. Ce champ du savoir, appelé étude des métaux et des pierres (jinshixue) a pour objet les inscriptions antiques. Au XVIIIe et au XIXe siècle, cette quête du signe amène les lettrés à se tourner vers les vestiges les plus modestes, ou les moins accessibles, comme les calligraphies gravées au flanc des montagnes. La technique de l'estampage L’instrument principal des collectes de ces savants était l’estampage encré. Cette technique consistait à appliquer sur les stèles des feuilles de papier humides qui épousaient creux et reliefs avant de les recouvrir d’une couche d’encre qui permettait de révéler le détail des graphies. Cette méthode d’abord utilisée pour conserver textes et inscriptions va progressivement être utilisée pour transmettre l’image de bas-reliefs historiés, de sculptures, et même de vases rituels dans leurs trois dimensions. En cet âge pré-photographique, l’estampage était un vecteur capital de reproduction et d’étude des vestiges du passé, dont la diffusion était assurée par le livre illustré. Des créations inédites Porteurs d’une vision esthétique, ces estampages, devenus à leur tour objets de collection, vont inspirer des créations inédites. Les formes simples et les graphies primitives qu’ils révèlent révolutionnent tous les arts lettrés, calligraphie, peinture et gravure de sceaux. Les peintres en particulier, font de l’estampage le support même de leur création. Progressivement, les arts décoratifs sont également gagnés par les motifs fragmentaires, l’esthétique de l’empreinte et du collage : l’univers des collectionneurs antiques se trouve transposé dans la culture matérielle des grands centres urbains de l’ère moderne.