Que faire à Ginasservis cette semaine du 6 au 12 juillet 2026 ?

Les images exposées sont rythmées par des jeux de reflets, des aplats colorés et la douceur dorée du crépuscule. Elles deviennent le décor d'histoires mystérieuses qui ne demandent qu'à être racontées.

Une "Nuit BLANCHE" consacrée à J.P. Blanche le 2 juillet jusqu'à 22h.

Tous les lundis et samedis, retrouvez La Camionnette Pompette pour un rendez-vous dans les vignes au Domaine Richeaume. Plus de 60 références de vins de toute la France et des petites assiettes maison à partager, au milieu des vignes au pied de la Sainte-Victoire. Un moment de détente dans un cadre intimiste, au milieu des vignes, au coucher du soleil, au pied de la Sainte-Victoire.

« Ces photographies sont celles d’un lieu impossible, mais présent. On le porte avec soi partout où l’on se perd. J’ai cherché dans l’image - la lisière avec l’ombre – pour qu’affleure, la poésie à sa surface. » Cette série d'images présente des scènes chaotiques au sens primitif. Elles sont du monde, l’image qui vacille. Elle disent ou taisent ses intrications, ses renversements. Elles sont le point d'accumulation des possibles et le point de rupture du réel. Elles rendent visible l'imperceptible. # Chérir la trace Ces images consignent et cartographient le réel autant qu’elles témoignent des imaginaires. Elles explorent la lumière fossilisée, coincée entre les strates. Dans ces espaces qui s'étirent et s'irisent - sans jamais rompre leur continuum - elles creusent et tissent infiniment des narrations nouvelles. # Déplacer l’invisible Mon travail est ici, au point de contact du visible et de l’invisible. Cette approche est une réponse aux insuffisances des systèmes du réel quand il s’agit de répondre aux enjeux de notre relation au monde. Déplacer le visible, le rendre imperceptible, c’est redonner à l’espace sa puissance mystique, le relier au vivant. Ces terres, ces forêts, ces océans, ces villes qu’on devine, ces humanités perdues. Leur errance est un doute qui s’oriente, tou.s.t.e.s appartiennent à la même histoire. Partagent les mêmes liens. Vernissage en présence de l'artiste de 16h à 19h.

Marino Parisotto s’impose comme l’une des figures les plus éminentes et visionnaires de la photographie de mode des années quatre-vingt-dix et du premier décade du XXIᵉ siècle. Le dialogue avec les grandes maisons du Made in Italy constitue l’un des axes structurants de cette œuvre. Ces collaborations ont contribué à forger une image du style italien fondée sur la retenue, la sensualité et la densité symbolique, largement diffusée et assimilée au niveau mondial. Son œuvre se déploie dans un espace liminaire où l’image cesse d’être un simple vecteur de représentation pour devenir un dispositif culturel à part entière, capable de condenser et de restituer les tensions esthétiques et symboliques de son temps, au changement du siècle. Le photographe travaillant avec l’argentique occupe une position singulière dans le champ de la création : il agit comme un agent de révélation du sacré. Le hasard devient composant. L’erreur devient caractère. Le visible devient mémoire d’un instant unique. Intitulé La mode Italienne de Marino Parisotto cet hommage met en lumière la dimension fondamentalement dialectique de l’œuvre : une esthétique fondée sur la coexistence des contraires, où la beauté se nourrit de tension, d’ambiguïté et d’inquiétude. Les images ne maintiennent un état de suspension, un équilibre instable qui en renforce la charge poétique devenant un outil de construction culturelle autant qu’un vecteur d’émotion.

Le dialogue avec les grandes maisons du Made in Italy constitue l’un des axes structurants de cette œuvre. Ces collaborations ont contribué à forger une image du style italien fondée sur la retenue, la sensualité et la densité symbolique, largement diffusée et assimilée au niveau mondial. Son œuvre se déploie dans un espace liminaire où l’image cesse d’être un simple vecteur de représentation pour devenir un dispositif culturel à part entière, capable de condenser et de restituer les tensions esthétiques et symboliques de son temps, au changement du siècle. Le photographe travaillant avec l’argentique occupe une position singulière dans le champ de la création : il agit comme un agent de révélation du sacré. Le hasard devient composant. L’erreur devient caractère. Le visible devient mémoire d’un instant unique. Intitulé La mode italienne de Marino Parisotto, cet hommage met en lumière la dimension fondamentalement dialectique de l’œuvre : une esthétique fondée sur la coexistence des contraires, où la beauté se nourrit de tension, d’ambiguïté et d’inquiétude. Les images ne maintiennent un état de suspension, un équilibre instable qui en renforce la charge poétique devenant un outil de construction culturelle autant qu’un vecteur d’émotion. L’univers de l’artiste Né au Canada de parents italiens et élevé en Italie, Marino Parisotto s’oriente très tôt vers la direction artistique et la photographie de mode. Reconnu pour son travail en noir et blanc, il collabore avec de grandes maisons comme Givenchy, Armani, La Perla ou Wolford, développant un univers cinématographique, sensuel et parfois transgressif. Son œuvre participe à la diffusion d’une image du style italien mêlant sobriété, sensualité et richesse symbolique. Travaillant en argentique, il transforme la photographie en véritable objet culturel et poétique, où l’erreur, la matière et l’instant deviennent essentiels. L’exposition La mode italienne de Marino Parisotto met en lumière une esthétique fondée sur les contrastes et la tension entre les opposés, donnant à ses images une forte dimension émotionnelle et symbolique. Sa vision de la femme Certaines œuvres de Marino Parisotto présentent la femme comme une figure souveraine et presque « divine », dont la présence dépasse toute tentative d’appropriation du regard. Le texte souligne le paradoxe contemporain du corps féminin, à la fois surexposé dans les logiques commerciales et censuré lorsqu’il affirme son autonomie. Dans les séries Black & White Angels et Sky over New York, les femmes photographiées apparaissent libres, fières et conscientes de leur pouvoir. Leurs postures et leurs regards instaurent une distance avec le spectateur : loin de se soumettre au regard, elles l’imposent et le dominent silencieusement. Sa photographie Pour Marino Parisotto, la photographie argentique repose sur un équilibre entre maîtrise et imprévu. Contrairement aux filtres numériques qui uniformisent et corrigent les images, la photographie classique implique des choix définitifs et laisse une place essentielle au hasard, à la lumière et aux réactions chimiques. Cette part d’imprévisibilité donne à l’image une authenticité que le numérique peine à reproduire. La photographie n’est jamais totalement objective ni totalement contrôlable : elle résulte d’une interaction entre l’intention du photographe et les contraintes matérielles du processus. Marino Parisotto travaillait précisément dans cette logique, laissant l’image se construire entre intuition, technique et hasard, ce qui confère à ses œuvres leur singularité et leur « âme ». L’exposition présente également une partie explicative du processus créatif, de la conception au tournage, du grand photographe disparu en 2022. Des rencontres avec des experts de la mode sont également organisées. La mode italienne de Marino Parisotto Curation : Florence Verrier et Simona Amelotti Remerciements : Archivio Marino Parisotto, Galerie Parallax en partenariat avec MetaCritikOpera, la Ville d’Aix-en-Provence, la Biennale d’Aix, La Manufacture, The Camp, Olympic location, Graphic Design Une programmation de la galerie Parallax en partenariat avec MetaCritikOpera Mécène de la Biennale d'Aix, la Fondation Crédit Agricole Alpes Provence, accompagne cet événement culturel majeur depuis sa création en 2022.

Equipés de votre carnet de jeu, trouvez les noms provençaux des plaques de rue pour mener l'enquête. Sur le parcours, des surprises pour toute la famille: des défis pour les enfants, des quiz pour les parents. Vivez 2h d’aventure en autonomie avec Charlotte Colmes. Infos pratiques : ● À partir de 6 ans ● Durée : environ 2h ● À prévoir : un stylo et un smartphone.

À travers une œuvre profondément sensible à la matière et à la couleur, Élisabeth Serre développe une recherche picturale inspirée par les transformations des éléments et certains savoir-faire ancestraux, comme la terre vernissée ou le verre soufflé vénitien. Ses peintures jouent sur la vibration des couleurs, la transparence, les reliefs et les tensions organiques. Chaque œuvre semble traversée par une énergie intérieure, entre puissance minérale et délicatesse lumineuse. Le parcours singulier de l’artiste — entre danse, théâtre, création textile et arts plastiques — nourrit une approche intuitive du geste et de la composition, où le corps et la sensation occupent une place essentielle. À travers cette nouvelle exposition, Galerie nea est heureuse de présenter une artiste dont le travail résonne avec une approche sensible et contemporaine de la matière picturale.