Que faire à Cabriès cette semaine du 15 au 21 juin 2026 ?

Marino Parisotto s’impose comme l’une des figures les plus éminentes et visionnaires de la photographie de mode des années quatre-vingt-dix et du premier décade du XXIᵉ siècle. Le dialogue avec les grandes maisons du Made in Italy constitue l’un des axes structurants de cette œuvre. Ces collaborations ont contribué à forger une image du style italien fondée sur la retenue, la sensualité et la densité symbolique, largement diffusée et assimilée au niveau mondial. Son œuvre se déploie dans un espace liminaire où l’image cesse d’être un simple vecteur de représentation pour devenir un dispositif culturel à part entière, capable de condenser et de restituer les tensions esthétiques et symboliques de son temps, au changement du siècle. Le photographe travaillant avec l’argentique occupe une position singulière dans le champ de la création : il agit comme un agent de révélation du sacré. Le hasard devient composant. L’erreur devient caractère. Le visible devient mémoire d’un instant unique. Intitulé La mode Italienne de Marino Parisotto cet hommage met en lumière la dimension fondamentalement dialectique de l’œuvre : une esthétique fondée sur la coexistence des contraires, où la beauté se nourrit de tension, d’ambiguïté et d’inquiétude. Les images ne maintiennent un état de suspension, un équilibre instable qui en renforce la charge poétique devenant un outil de construction culturelle autant qu’un vecteur d’émotion.

Le dialogue avec les grandes maisons du Made in Italy constitue l’un des axes structurants de cette œuvre. Ces collaborations ont contribué à forger une image du style italien fondée sur la retenue, la sensualité et la densité symbolique, largement diffusée et assimilée au niveau mondial. Son œuvre se déploie dans un espace liminaire où l’image cesse d’être un simple vecteur de représentation pour devenir un dispositif culturel à part entière, capable de condenser et de restituer les tensions esthétiques et symboliques de son temps, au changement du siècle. Le photographe travaillant avec l’argentique occupe une position singulière dans le champ de la création : il agit comme un agent de révélation du sacré. Le hasard devient composant. L’erreur devient caractère. Le visible devient mémoire d’un instant unique. Intitulé La mode italienne de Marino Parisotto, cet hommage met en lumière la dimension fondamentalement dialectique de l’œuvre : une esthétique fondée sur la coexistence des contraires, où la beauté se nourrit de tension, d’ambiguïté et d’inquiétude. Les images ne maintiennent un état de suspension, un équilibre instable qui en renforce la charge poétique devenant un outil de construction culturelle autant qu’un vecteur d’émotion. L’univers de l’artiste Né au Canada de parents italiens et élevé en Italie, Marino Parisotto s’oriente très tôt vers la direction artistique et la photographie de mode. Reconnu pour son travail en noir et blanc, il collabore avec de grandes maisons comme Givenchy, Armani, La Perla ou Wolford, développant un univers cinématographique, sensuel et parfois transgressif. Son œuvre participe à la diffusion d’une image du style italien mêlant sobriété, sensualité et richesse symbolique. Travaillant en argentique, il transforme la photographie en véritable objet culturel et poétique, où l’erreur, la matière et l’instant deviennent essentiels. L’exposition La mode italienne de Marino Parisotto met en lumière une esthétique fondée sur les contrastes et la tension entre les opposés, donnant à ses images une forte dimension émotionnelle et symbolique. Sa vision de la femme Certaines œuvres de Marino Parisotto présentent la femme comme une figure souveraine et presque « divine », dont la présence dépasse toute tentative d’appropriation du regard. Le texte souligne le paradoxe contemporain du corps féminin, à la fois surexposé dans les logiques commerciales et censuré lorsqu’il affirme son autonomie. Dans les séries Black & White Angels et Sky over New York, les femmes photographiées apparaissent libres, fières et conscientes de leur pouvoir. Leurs postures et leurs regards instaurent une distance avec le spectateur : loin de se soumettre au regard, elles l’imposent et le dominent silencieusement. Sa photographie Pour Marino Parisotto, la photographie argentique repose sur un équilibre entre maîtrise et imprévu. Contrairement aux filtres numériques qui uniformisent et corrigent les images, la photographie classique implique des choix définitifs et laisse une place essentielle au hasard, à la lumière et aux réactions chimiques. Cette part d’imprévisibilité donne à l’image une authenticité que le numérique peine à reproduire. La photographie n’est jamais totalement objective ni totalement contrôlable : elle résulte d’une interaction entre l’intention du photographe et les contraintes matérielles du processus. Marino Parisotto travaillait précisément dans cette logique, laissant l’image se construire entre intuition, technique et hasard, ce qui confère à ses œuvres leur singularité et leur « âme ». L’exposition présente également une partie explicative du processus créatif, de la conception au tournage, du grand photographe disparu en 2022. Des rencontres avec des experts de la mode sont également organisées. La mode italienne de Marino Parisotto Curation : Florence Verrier et Simona Amelotti Remerciements : Archivio Marino Parisotto, Galerie Parallax en partenariat avec MetaCritikOpera, la Ville d’Aix-en-Provence, la Biennale d’Aix, La Manufacture, The Camp, Olympic location, Graphic Design Une programmation de la galerie Parallax en partenariat avec MetaCritikOpera Mécène de la Biennale d'Aix, la Fondation Crédit Agricole Alpes Provence, accompagne cet événement culturel majeur depuis sa création en 2022.

À travers une œuvre profondément sensible à la matière et à la couleur, Élisabeth Serre développe une recherche picturale inspirée par les transformations des éléments et certains savoir-faire ancestraux, comme la terre vernissée ou le verre soufflé vénitien. Ses peintures jouent sur la vibration des couleurs, la transparence, les reliefs et les tensions organiques. Chaque œuvre semble traversée par une énergie intérieure, entre puissance minérale et délicatesse lumineuse. Le parcours singulier de l’artiste — entre danse, théâtre, création textile et arts plastiques — nourrit une approche intuitive du geste et de la composition, où le corps et la sensation occupent une place essentielle. À travers cette nouvelle exposition, Galerie nea est heureuse de présenter une artiste dont le travail résonne avec une approche sensible et contemporaine de la matière picturale.

Nul doute qu’il vous émerveillera, tout comme il a émerveillé Louis XIV en son temps. Le chantier de l’hôtel particulier de Châteaurenard commence en 1648, sur la commande de Jean-François d’Aymard, conseiller au Parlement, et le décor peint est achevé en 1654 par la main de Jean Daret. Ce peintre originaire des Flandres, se forme d’abord à Paris avant de se rendre en Italie, et de s’installer dans la ville d’Aix dans les années 1630. Il se distingue rapidement par son talent, en particulier dans l’exécution de grands décors de en trompe-l’œil, dans lesquels il manifeste sa maîtrise de la science optique : l’escalier de Châteaurenard en est le plus illustre exemple, et l’un des rares à avoir survécu. Tôt admiré, cet escalier suscite l’émerveillement de Louis XIV lorsque celui-ci réside dans cet hôtel particulier en 1660, alors qu'il parcourt la Provence. Visite commentée les mercredis et samedis à 15h : Histoire du musée du Vieil Aix et Escalier de l’Hôtel de Châteaurenard. Uniquement sur réservation au 04 42 91 88 74 ou mediationmuseesaix@mairie-aixenprovence.fr L’Hôtel de Châteaurenard et le musée du Vieil Aix ne sont pas accessibles aux personnes à mobilité réduite.

La photo, saisie à vitesse lente, transcende l'élégance des gestes du « couple ». Un instant, l’homme et l'animal s’unissent dans une chorégraphie où le temps (de pose) devient complice de la beauté du geste. Remarque importante : Contrairement à la corrida, le taureau, après son quart d'heure de « représentation », retournera dans son pré se reposer en compagnie de ses congénères avant une nouvelle représentation. En fin de carrière, vénéré pour son intelligence, sa force, sa beauté et sa fierté, il se prélassera jusqu’à la mort dans les prés de sa manade.

«  Il me faut du temps pour aborder un sujet. Quand il s’impose, je le décline d’une toile à l’autre dans des espaces, des surfaces, des chromatiques différentes de manière à ce que le sujet soit modifié par elles et réciproquement. Je les nomme suites. Les cinq premières de cette exposition ont pour genèse et dénominateur commun une forme géométrique (le carré ou le cercle). Elles sont nées de la nécessité picturale du moment. Ces formes ont imposé les sujets à savoir le canal et ses portes, les chaises et leurs assises, les livres et leurs angles, les maisons et leurs toitures triangulaires, la jarre et ses lèvres rondes. Les quatre autres sont liées à notre histoire de l’art. Elles sont la reprise de tableaux de grands maîtres, peints avec les outils d’aujourd’hui à savoir ceux d’une certaine abstraction : Madame de Valpinçon, d’après la baigneuse d’Ingres, L’homme penché d’après le Christ à la colonne de Caravage, à Rembrandt d’après ses autoportraits et la nappe de Paul d’après des natures mortes de Cezanne. Deux approches différenciées pour suivre et poursuivre le temps de peindre. » — Jean-Pierre Schneider

Jean-Pierre Cassely, conteur de rues guide conférencier, vous accompagne dans cette promenade. Il vous permet de jouer les passe-murailles et de remonter le temps à l'écoute des personnages et des anecdotes qui ont fait vibrer “la plus belle ville de France... après Paris” (*). Saviez-vous que la Fête-Dieu, abandonnée depuis la Révolution, a laissé la place aux voix divines du Festival ? Celles des deux Teresa, celles des Capecchi et Baquier, Don Giovanni d’un soir, qui n’ont pas connu l’enfer du commandeur, mais les bravos du paradis. Il a à cœur de vous faire participer à la visite et plusieurs contrôles des connaissances vont d’ailleurs vous permettre de valider vos acquis... Les quiz des maximes de Vauvenargues, des 13 desserts ou des mouches des courtisanes sont notés sans complaisance... Et ainsi, de rues en anecdotes parfois tragiques, parfois sulfureuses, de sourires en rire, se conclut le trajet avec une bibliographie donnée à chaque participant qui leur permettra de rester aixois l’hiver prochain... (*) Charles de Brosses dit "le Président de Brosses", Lettres Familières ➜ Visite guidée à pied / Visite non adaptée aux personnes en fauteuil roulant ➜ Langue : en français ➜ Durée : 2h environ ➜ Les animaux sont autorisés Réservations auprès des conseillers en séjour de l'Office de Tourisme d'Aix-en-Provence ou sur le site de l'Office de Tourisme d'Aix-en-Provence.

Pour son exposition au 3bis f, elle développe un projet sur les objets qui restent après la mort de quelqu’un.e. Ces choses, parfois anodines, qui deviennent des traces, des présences ou au contraire, des éléments qu’on cherche à oublier. Comme si ces objets déjà inertes et silencieux le devenaient encore plus. Dans son travail, Ghita aborde notre peur de la maladie ou notre rapport au deuil, ces ‘douleurs’ présentes dans différents contextes, que l’on aurait peut-être en commun. Cependant la classe, le genre, la race ainsi que d’autres marqueurs d’inégalités influencent et modifient nos rapports aux soins et au vivant. Ces situations produisent différentes échelles de colères, d’amertume, d’injustice. Mais est ce qu’il y aurait quelque chose de l’ordre du commun dans la peine de perdre des êtres chers ? Programmation du 3 bis f centre d’arts contemporains en partenariat avec l’Ambassade du Royaume des Pays-Bas en France, Mondriaan Fonds et la Biennale d'Aix-en-Provence 2026