Bouqueval(Val-d'Oise)

À la Renaissance, les toits des demeures et des églises de France dominent toujours le paysage et s’ornent de décorations modernes et poétiques, en plomb ou en céramique chatoyante de couleurs. De grands vases, des drapeaux, des sirènes, des oiseaux, des enfants nus ou des soldats viennent ainsi peupler les épis de faîtage et les girouettes. Venez découvrir à hauteur d’œil, une sélection de ces œuvres d’habitude placées loin des regards, à la rencontre de la toiture et du ciel.

Du 31 octobre au 21 novembre 2026 Du 31 octobre au 21 novembre 2026 Après une première récolte fructueuse en 2025, l’Amicale des olives du 93 lance la nouvelle saison de sa récolte. Celle-ci sera ponctuée par des temps forts artistiques.

"Les métiers des Archives" est une exposition photographique, réalisée par le photographe Olivier Culmann, de l'agence Tendance Floue. "Les métiers des Archives" est une exposition photographique, réalisée par le photographe Olivier Culmann, de l'agence Tendance Floue. Pendant plusieurs mois, Olivier Culmann est venu photographier les agents des Archives départementales pour saisir leur quotidien, la diversité des métiers exercés, dans une approche à la fois esthétique et technique.

Découvrez l'exposition de l'artiste Tanguy Bidou où l'’objet est le prolongement de notre souffle et devient la trace de notre présence. Tout évoque un monde qui se bricole, ... Tanguy Bidou ------------ Exposition Vernissage le 13 novembre à 18h. Des objets qui font semblant : d’être une grotte, une machine, un oiseau, un corps. Les couleurs sont franches : du jaune citron, du rose chewing-gum, du vert menthe. À côté des sculptures, des dessins à la gouache anticipent ou prolongent le geste. Ils tracent les contours d’un monde instable, où les formes se répètent, comme une collection de figures possibles. Les sculptures se métamorphosent en instruments. Nous jouons quelques minutes, en improvisant, en nous soutenant les un·es les autres. Les sons ― de cuivre, de cor, de conque ― surgissent comme des voix animales ou gutturales. L’objet est le prolongement de notre souffle et devient la trace de notre présence. Tout évoque un monde qui se bricole, fait de gestes simples, d’images tenaces et du désir de croire que tout pourrait, soudainement, se mettre à danser. Qui est Tanguy Bidou ? Tanguy Bidou est né en 1999 à Ivry-sur-Seine. Diplômé en 2025 de l’École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs de Paris après une licence en cinéma et audiovisuel à l’université de la Sorbonne Nouvelle/Paris 3, il poursuit actuellement son parcours à travers le programme de résidence d’accompagnement d’artistes émergents à la Fabrique Pola (Bordeaux). Il suffit d’une cuisine. Un lavabo pour l’eau courante et la vaisselle, un robot batteur, des casseroles. Mélanger les ingrédients, travailler la pâte, l’étaler sur le moule et laisser reposer. La ligne droite se transforme en inclinaison souple, l’architecture en organisme. Dans la cuisine, la pâte déborde, s’affaisse, se courbe. Les formes résistent à l’angle droit par leurs courbes et leur rugosité. Le plâtre hésite entre végétal, organique et mécanique. L’enfance affleure, non pas comme un souvenir, mais comme une manière de regarder. Des formes hors d’échelle qui flottent, qui glissent et qui dérapent. Des objets qui font semblant : d’être une grotte, une machine, un oiseau, un corps. Les couleurs sont franches : du jaune citron, du rose chewing-gum, du vert menthe. À côté des sculptures, des dessins à la gouache anticipent ou prolongent le geste. Ils tracent les contours d’un monde instable, où les formes se répètent, comme une collection de figures possibles. Cinq sculptures se métamorphosent en instruments. À cinq, nous jouons quelques minutes, en improvisant, en nous soutenant les un·es les autres. Les sons ― de cuivre, de cor, de conque ― surgissent comme des voix animales ou gutturales. L’objet est le prolongement de notre souffle et devient la trace de notre présence. Tout évoque un monde qui se bricole, fait de gestes simples, d’images tenaces et du désir de croire que tout pourrait, soudainement, se mettre à danser.

Du 23 septembre au 13 décembre 2026, la Galerie du 19M accueille l'exposition Métamorphoses, les chapeaux de Maison Michel. Référence incontournable de la chapellerie et des accessoires de tête, active depuis près d’un siècle, Maison Michel, Maison d’art résidente du 19M est mise à l’honneur par la Galerie du 19M Paris/Aubervilliers. L’occasion de découvrir ses savoir-faire uniques à travers une exposition exceptionnelle, Métamorphoses, les chapeaux de Maison Michel, du 23 septembre au 13 décembre 2026. Du bois de tilleul au feutre, du ruban à la voilette Fidèle à la vocation du 19M de rendre les Métiers d’art accessibles au plus grand nombre, cette exposition gratuite et ouverte à tous les publics propose une immersion dans l’univers merveilleux de Maison Michel. Conçue comme un parcours poétique à travers les formes et les matières, l’exposition met en lumière la magie du geste artisanal et la diversité des savoirs qui animent les mondes de la chapellerie. Un patrimoine vivant et enrichi chaque jour dans les ateliers de la Maison d’art, où la transmission de techniques rares nourrit une création en constante évolution. En retraçant la transformation de la matière brute, du bois de tilleul au feutre, du ruban à la voilette, le visiteur plonge au coeur de cette alchimie créative, à la rencontre des formiers, chapeliers, couseuses de paille ou modistes – qui tous contribuent à façonner le couvre-chef, symbole d’identité et d’expression personnelle. Bérets, bibis, casquettes, canotiers, capelines et fédoras, stars de l'expo Au coeur de l’exposition, bérets, bibis, casquettes, canotiers, capelines et fédoras côtoient des pièces exceptionnelles dévoilées lors de défilés pour les plus grandes Maisons de mode, ainsi que des créations inédites issues de collaborations avec de jeunes créateurs. Tour à tour populaire, spectaculaire, pratique ou surprenant, le chapeau s’impose comme un puissant marqueur d’identité. Sa force évocatrice imprègne également les imaginaires collectifs, comme en témoigne sa place au cinéma, où il dépasse le simple statut d’accessoire pour devenir un puissant indice visuel. Le visiteur est ainsi invité à redécouvrir toute la portée symbolique du chapeau dans le 7e art, où il continue de forger des figures inoubliables. Le saviez-vous ? Créée à Paris en 1936, Maison Michel est un atelier de chapellerie où artisanat d’art et créativité se conjuguent pour façonner des couvre-chefs d’exception. Forte d’un héritage de près d’un siècle, la Maison perpétue les métiers rares de modiste, formier et chapelier, garants d’un savoir-faire unique et de finitions d’exception. Fournisseur des collections Haute Couture et Prêt-à-Porter, Maison Michel développe aussi depuis 2015 ses propres collections sous la direction artistique de Priscilla Royer.

Une enquête poétique et acrobatique à propos de l’eau. Deux danseurs imaginent une machine à faire parler les larmes, s’entraident pour atteindre une source… Qu’est ce qui est bleu et bien plus précieux que l’or ? L’eau, bien sûr ! Cette eau joyeuse, sauvage, pure et libre, aimée et malmenée, que chacun essaie de capter, d’enfermer… Cette eau qui déborde aussi, inonde ici et se fait de plus en plus rare là, jusqu’à disparaitre et ne laisser derrière elle que la soif… Cette eau, Christian et François Ben Aïm ont décidé de lui consacrer leur troisième spectacle jeune public. Le sujet est grave, mais pas son traitement ! Les deux chorégraphes ont fait appel à deux interprètes venus du monde du cirque : Louise Hardouin, récemment diplômée de l’Académie Fratellini, et Jules Sadoughi, passé devant les caméras de Benoît Jacquot ou Jean-Jacques Annaud et repéré par Philippe Decouflé. Leurs personnages se retrouvent un jour dans une cuisine où le sable coule à la place de l’eau. C’est le point de départ d’une enquête à la fois poétique et terriblement énergique. Les deux acrobates imaginent une machine à faire parler les larmes, observent une peau qui craquelle comme la terre, rencontrent un enfant du désert qui voudrait être marin, apprennent à s’entraider pour atteindre une source… Où s’est cachée l’eau ? Pourquoi est-elle si mal répartie ? Avec l’aide de la romancière Mariette Navarro, les auteurs de Arise, applaudi l’année dernière à l’abbaye, inventent un monde où rien n’est stable, où tout doit être constamment réexaminé. Passée au tamis de leurs idées les plus espiègles, rendue pétillante par la douce folie de leur danse, l’eau prend une saveur nouvelle. Elle donne à la vie un goût de renouveau, à partager en famille.

Lita Cerqueira — La photographie telle que je suis Lita Cerqueira — La photographie telle que je suis En 2009, la Pinacothèque de São Paulo consacrait une importante rétrospective à l’œuvre de Lita Cerqueira, intitulée La photographie telle que je suis. Cette exposition, qui retraçait plusieurs décennies de production photographique, fut ensuite accueillie par plusieurs institutions majeures au Brésil, où elle connut un succès public remarquable. En 2012, la galerie Ricardo Fernandes présentait cette même exposition pour la première fois en Europe, offrant au public français un accès inédit à l’une des voix majeures de la photographie afro‑brésilienne contemporaine. Quinze ans plus tard, présenter à nouveau cette exposition constitue un moment significatif : cette nouvelle mise en lumière permet de revisiter une œuvre dont la portée historique, sociale et esthétique n’a cessé de s’affirmer. Depuis les années 1960 et 1970, Lita Cerqueira développe une pratique photographique centrée sur la représentation des communautés afro‑brésiliennes, de leurs gestes, de leurs rituels, de leurs expressions quotidiennes et de leurs dynamiques culturelles. Son travail se distingue par une approche humaniste, attentive à la dignité des sujets et à la profondeur des contextes qu’elle documente. À travers un usage maîtrisé du noir et blanc, elle confère à ses images une intensité narrative qui dépasse la simple observation ethnographique pour atteindre une dimension poétique et mémorielle. Les photographies réunies dans La photographie telle que je suis constituent un ensemble de grande valeur documentaire et artistique. Elles témoignent de la richesse du métissage brésilien, de la vitalité des traditions populaires, et de la présence déterminante des cultures afro‑descendantes dans la construction identitaire du pays. Elles portent aussi, avec une grande délicatesse, la mémoire d’une force silencieuse : celle qui traverse les corps, les gestes et les regards, et qui dit la capacité des communautés à préserver, transmettre et réinventer leurs héritages malgré les épreuves de l’histoire. La présentation de cette exposition en 2026 s’inscrit dans une démarche de valorisation patrimoniale et de transmission. Elle permet de recontextualiser l’œuvre de Lita Cerqueira dans un cadre contemporain, en soulignant son importance dans les débats actuels autour de la mémoire, de la représentation, de la diversité culturelle et de la visibilité des artistes afro‑descendants. Elle offre également l’occasion de rendre hommage à une photographe dont la contribution à l’histoire visuelle du Brésil demeure essentielle. Présenter à nouveau cette exposition à Paris constitue ainsi un geste institutionnel fort : il s’agit de réaffirmer la place de Lita Cerqueira dans le champ de la photographie internationale, de reconnaître la portée historique de son œuvre, et de permettre au public de redécouvrir un corpus d’images dont la puissance expressive, la valeur documentaire et la profondeur humaine demeurent intactes. Cette exposition s’inscrit au sein du parcours %b%Photographie dans les galeries d’art%/i%, organisé par le Comité Professionnel des Galeries d'Art.